Metallic rouge

 

Metallic Rouge es una serie de anime que generó bastante expectación desde su anuncio, pero que, lamentablemente, no cumplió con las expectativas de muchos de sus espectadores. Creada para conmemorar el 25 aniversario de Studio Bones, en este humilde blog comentaremos algunos puntos que la hacen que no sea tan buena como se esperaba.

   Ubicada en un futuro no tan lejano, la historia nos transporta a un planeta Marte en el que los humanos y las inteligencias artificiales conviven con varias dificultades dado los prejuicios que los humanos tienen con éstas. La serie, dirigida por Motonobu Hori, cuenta con un elenco de personajes interesantes, encabezados por Rouge Redstar, una joven que se puede convertir en androide para sobrevivir en un mundo donde las IAs son discriminadas. Pese a que la historia de ciencia ficción resulta atractiva y estimulante, la trama se vuelve confusa y difícil de seguir a medida que se van presentando nuevos personajes y situaciones.

   Uno de los principales problemas de Metallic Rouge es su falta de coherencia en su historia. La serie comienza con una premisa interesante, pero a medida que avanza, se va desviando hacia otros temas que no están tan bien desarrollados. Además, la serie no explica adecuadamente algunos de los eventos que ocurren, lo que hace que el espectador se sienta perdido en algunos momentos. Su problema, una vez visualizada en su totalidad, es que el guion nunca terminó de ser lo suficientemente redondeado para que la historia funcionara.

   Uno de los pocos puntos a favor es que la serie, bien asentada en el shonen de peleas, resulta atractiva en sus momentos de más acción pese a que no siempre queda claro de qué forma se llegó a muchas de sus circunstancias. De la misma forma, su opening y ending son perfectos para transportar a los fanáticos del sci-fi a mundos futuros repletos de tecnología.

   Otro aspecto que se podría mejorar en Metallic Rouge es la animación. Aunque el diseño de los personajes es interesante, la animación en sí misma no es tan fluida como se esperaría de una serie producida por Bones. En algunos momentos, la animación parece estar por debajo del nivel que se espera de una serie de este estudio.

   En resumen, Metallic Rouge es una serie que tiene un potencial interesante, pero que no ha sido bien aprovechado. La falta de coherencia en la trama y la animación por debajo del nivel esperado son algunos de los errores que hacen que no sea tan buena como se esperaba. A pesar de todo, la serie tiene algunos momentos interesantes y puede ser disfrutada por aquellos que buscan una historia de ciencia ficción con algunos toques de acción y drama.

Sand Land

 

Sand Land es una serie de anime basada en el manga del mismo nombre creado por Akira Toriyama, el famoso autor de Dragon Ball. La serie se estrenó en marzo de 2024, pero debido a la reciente muerte de Toriyama, su estreno se ha convertido en un homenaje a su legado y obra.

   Ya es común en el anime estrenar dos versiones de la misma obra para diferentes públicos. Para esta historia, la primera versión se estrenó como película en los cines japoneses, mientras que para el resto del mundo la segunda versión consistió en una serie con dos arcos principales: el primero de ellos fue una extensión de lo que contaron en la película, y el segundo ofreció una nueva aventura mucho más extensa para expandir y conocer más del mundo en el que vivirán los personajes . Aquí en este blog justo reseñamos la serie.

   La trama sigue la historia del sheriff Rao a bordo de  su tanque en un universo desértico donde la tecnología y la fantasía conviven. Muy pronto este hombre conocerá el mundo de los demonios, mismo que mantiene un gran conflicto con la humanidad. En breve conocerá a Beelzebub y Thief, dos compañeros con los que deberá de iniciar un  gran viaje en busca de un lago legendario que mejore las condiciones de sequía     ue sufre la sociedad de demonios.

   La historia es divertida y emocionante, con personajes carismáticos y un mundo lleno de criaturas fantásticas y vehículos impresionantes. Sand Land es una muestra perfecta del estilo de Toriyama, con su sentido del humor y su habilidad para crear historias entretenidas. Aunque la serie es corta, con solo 14 capítulos, el famoso mangaka logró crear una gran aventura que resume a la perfección su estilo como artista. Así, la serie es una muestra de que Toriyama era mucho más que Dragon Ball, y su muerte es una gran pérdida para el mundo del manga y el anime.

   Los guiños de Toriyama a problemáticas sociales continúan a lo largo de toda su obra, y esta serie no es la excepción. La búsqueda de poder a costa de los demás, los problemas sociales derivados de las grandes sequías así como la falta de entendimiento entre sociedades distintas  (situación que lleva a la xenofobia) será tratada a lo largo del camino de los aventureros.

   Los guiños a otras historias del famoso mangaka están puestas sobre la mesa, especialmente a Dragon Ball, su obra magna. Beelzebub es una especie de pequeño Gokú con extraordinarios poderes en esta historia que puede ser catalogada como un shonen de peleas muy especial. E incluso el propio Dabura hace su aparición en más de una ocasión.

   En conclusión, Sand Land es una serie que cualquier fan de Toriyama debería ver. Es una muestra de su habilidad para crear historias divertidas y un homenaje a su legado como artista. Aunque su muerte es una pérdida dolorosa para todos los fans, su obra prevalecerá durante mucho tiempo.

Pluto

 

Hace más de un año, la plataforma de streaming Netflix volvió a sorprender a los fans del anime con su última producción original, Pluto. Esta serie de ocho episodios, basada en el manga del mismo nombre creado por Naoki Urasawa (creador del manga Monster), se convirtió en una gran obra que rinde homenaje al legado del dios del manga, Osamu Tezuka, y su icónica creación, Astroboy.

   Basado en uno de los más famosos arcos del  manga de Astroboy, Pluto se desarrolla en un futuro distópico en el que los robots son una parte integral de la sociedad. La historia sigue a un robot llamado Pluto, que busca venganza contra los otros siete robots más avanzados del mundo, conocidos como los Siete Magníficos. A medida que la trama avanza, se exploran temas como la identidad, la humanidad y los derechos de los robots, todos ellos presentes en la obra original de Tezuka.

   La serie es una mezcla perfecta de acción, misterio y drama, con una animación muy bien lograda que equilibra a la perfección el clasicismo del diseño setentero con el año 2023 en el que está ubicado el anime con que hoy comentamos. Los 8 episodios de Pluto siguen disponibles en Netflix y son una delicia para los amantes del género.

   Es importante destacar que Pluto no sería lo que es sin la influencia de Astroboy, la obra maestra de Osamu Tezuka. La historia de un robot creado por un científico para reemplazar a su hijo fallecido, y sus aventuras contra otros robots y villanos, sentó las bases para muchas obras del género. Para quienes somos un poco más mayores, esta obra nos resuena dado que en América Latina se transmitió la versión de Astroboy de la década de 1980, con muchos guiños a la serie sesentera original.

   Pluto, y por supuesto que Naoki Urasawa, convierte la historia de Astroboy en una serie neo-noir en la que se replantea constantemente la propia moralidad de las máquinas. La investigación para descubrir quién o qué está eliminando a los robots más poderosos del mundo lleva a descubrir lo que hay detrás de los crímenes mientras el espectador va conociendo muchas de las verdaderas intenciones de las IAs. Quizás una de las historias entre paréntesis de la serie pudo haberse eliminado de la historia, dado que resulta sumamente inconclusa y metida con calzador. Pero si olvidamos este detalle, el anime es increíble y vale la pena ser rescatado.  

   En conclusión, Pluto es una serie de anime que no solo es una excelente producción de Netflix, sino que también es un homenaje al legado de Osamu Tezuka y su influencia en el género. Para todos los fans del anime, se trata de una gran obra que merece no ser olvidada.

Hibike! Euphonium 3 / Sound! Euphonium 3

 

Hibike! Euphonium es una serie de anime que ha cautivado a los fans de la música y el drama desde su primera temporada, emitida en 2015. La serie sigue a Kumiko Oumae, una estudiante de secundaria que se une al club de música de su escuela y se ve envuelta en una serie de aventuras y desafíos cotidianos mientras lucha por encontrar su lugar en el mundo.

   La segunda temporada de la serie, emitida en 2016, continuó explorando la vida de Kumiko y sus amigos mientras se preparaban para una importante competición de banda. Dicha temporada se destacó por su realismo y su capacidad para capturar la complejidad de la vida adolescente, así como por su banda sonora impresionante.

   Además de las dos temporadas, la serie también cuenta con un OVA (Original Video Animation) titulada Hibike! Euphonium: Kakedasu Monogatari que se emitió en 2018. Esta OVA se centra en la historia de transición de la serie y ofrece una visión más profunda de los personajes y su desarrollo.

   Pero la franquicia no termina ahí. Liz and the Blue Bird es un spin-off de la serie de anime Sound! Euphonium, centrado en los personajes Mizore Yoroizuka y Nozomi Kasaki. La película se estrenó en 2018 y explora la amistad y la comunicación entre las dos personajes mientras se preparan para un concurso de música. La trama se basa en el cuento de hadas Liz y el pájaro azul, y se utiliza como metáfora para la relación entre Mizore y Nozomi. La película ha sido aclamada por su animación de alta calidad y su capacidad para explorar temas profundos de manera efectiva.

   La tercera temporada de Hibike! Euphonium llegó de nueva cuenta este año para cautivar a los fans de la música y el drama con su historia emocionante y personajes entrañables. La serie, producida por Kyoto Animation, se emitió en Japón a partir del 7 de abril de 2024 en NHK Educational TV.

   La trama continúa la historia de Kumiko Oumae, y sigue explorando temas como la identidad, la amistad y la perseverancia a través de la música. La banda sonora es excepcional, con temas que van desde la música clásica hasta el jazz, mismos que se complementan perfectamente con la historia.

   Los personajes son uno de los puntos fuertes de la serie. Kumiko es una protagonista compleja y realista que lucha por encontrar su camino en la vida. Los personajes secundarios, como Hazuki y Asuka, también están bien desarrollados y aportan profundidad y diversidad a la trama. En este caso, estamos ante la temática de historias de la vida (slice of life), pero llevado de una forma amigable, cotidiana y evitando situaciones cómicas excesivas e innecesarias. Asimismo, en este final definitivo de la historia, el espectador conocerá el final de la etapa escolar y el destino profesional de la protagonista.

   La animación es otro aspecto destacable de la serie. Kyoto Animation ha hecho un trabajo excepcional en la creación de un mundo detallado y realista para los personajes. La dirección de arte y el diseño de personajes son impresionantes, y la animación fluida y expresiva captura perfectamente las emociones de los personajes.

   Un aspecto necesario a resaltar es el nombre de Naoko Yamada, directora y productora que ha trabajado toda su vida en el mencionado estudio y que está detrás de esta franquicia. Como directora de producciones de anime recientes como la película Una voz silenciosa o la serie Heike monogatari (historia que adapta la gran epopeya clásica japonesa), Yamada se ha convertido en la primera gran directora de anime de la actualidad.

   En resumen, la tercera temporada de Hibike! Euphonium es emocionante y bien escrita al grado que cautivará a los fans de la música y el drama. La animación es impresionante y los personajes son bien desarrollados y realistas. Si son fanáticos de la música y las historias emocionantes, no pueden perderse esta serie.

 

Terminator Zero

 

Casi nadie lo ha comentado, pero esta serie fue una de las mejores de 2024 y, no obstante, fue un tanto ignorada por el público pese a que la crítica especializada le dio muy buenas reseñas. Quizás su tono adulto y más occidental la alejó del nicho de los fanáticos del anime, pero aún así vale la pena recuperarla y volver a disfrutarla.

   Con Terminator Zero, la franquicia de Terminator se adentra en un nuevo territorio al explorar el formato de anime, después de las poco duraderas series live-action The Sarah Connor Chronicles y la serie CGI Terminator Salvation: The Machinima Series. Afortunadamente, esta nueva aventura en el mundo de la animación también ofrece una historia digna de los clásicos de James Cameron.

   La serie, producida por el renombrado estudio Production IG (conocido por títulos como Ghost in the Shell y Star Wars: Visions), presenta un estilo visual único que combina 3D y 2D de manera excepcional. El resultado es una animación impresionante que honra tanto la estética cyberpunk de la franquicia como la rica tradición del anime.

   Uno de los momentos más destacados de la serie es la escena del primer episodio en la que Eiko, la protagonista,  se enfrenta a un Terminator mientras está suspendido de una cuerda, en un recordatorio visual del icónico estilo de combate de la franquicia. La animación 3D en esta escena es especialmente impresionante, grabando la acción épica de Attack on Titan pero manteniéndose firmemente enraizada en el mundo distópico de Terminator.

   Resulta interesante  el ligero giro que la historia le ofrece a la franquicia. Todo ocurre en Japón mientras una avanzada Inteligencia Artificial pronto tendrá un papel distinto al de Skynet. Asimismo, por lo regular las historias de Terminator tienen tramas donde un exterminador viene del futuro para eliminar a John Connor o un protagonista cercano a este último. Por lo mismo, resulta interesante que en esta ocasión la misión del exterminador no solo sea distinta, sino que el espectador deberá estar atento para descubrir cuál es la verdadera misión de la máquina que ha venido del futuro.

   Sin embargo, no todo es perfecto en Terminator Zero. A pesar de su emocionante y nostálgico final, la serie sufre de un problema común en la franquicia: un final inconcluso. Aunque la resolución es suficiente para dejar al espectador satisfecho, es difícil no sentir que la historia podría haber sido mejor explorada con una segunda temporada.

   En resumen, Terminator Zero es una adición emocionante y pensativa a la franquicia de Terminator. Con su animación impresionante y su historia bien escrita, esta serie es una muestra de que la franquicia aún tiene mucho que ofrecer. Si te gustaron las películas originales o eres fan del anime, no te pierdas esta oportunidad de disfrutar de una nueva aventura en el mundo de los Terminators.

Mononoke: El fantasma bajo la lluvia

 

La película Mononoke: El fantasma bajo la lluvia es una adaptación cinematográfica de la serie de anime Mononoke, y a su vez un spinoff de la serie Ayakashi: Japanese Classic Horror, todas creadas por Toei Animation. Ayakashi cuenta tres historias muy centradas en las mitologías y supersticiones japonesas. Mientras tanto, Mononoke, la última de las historias, recibió una adaptación propia en la que la pintura y el grabado japoneses, así como un gran abanico folclórico de aquel país asiático, maravillaban al espectador con su belleza visual y con sus grandes misterios. Porque justo esta serie cuenta la historia de un boticario que se dedica a cazar fantasmas y otras criaturas sobrenaturales salidas directamente del sintoísmo.

   Años después de que terminara dicha serie, la historia regresa a lo grande. Mononoke: el fantasma bajo la lluvia,  dirigida por Kenji Nakamura, es una película de terror psicológico y sobrenatural que se presenta como la primera parte de una trilogía y ha causado revuelo entre los fanáticos del género.

   La trama sigue a Asa, una joven que trabaja en un palacio y que se ve envuelta en una serie de extraños y escalofriantes eventos. Junto a Kame, otra trabajadora del palacio, Asa intentará descubrir la verdad detrás de los misteriosos sucesos que ocurren en el lugar. Pronto, el querido boticario regresará para ayudar a todos en una de sus misiones más difíciles, aunque eso sí: será necesario hacer una investigación para descubrir el origen de todo.

   Una de las cosas que más llama la atención de Mononoke: El fantasma bajo la lluvia es su atmósfera oscura pero a su vez repleta de cultura tradicional japonesa, misma que se ve potenciada por una excelente dirección de arte y una banda sonora inquietante. La película está llena de giros inesperados y momentos de tensión que mantendrán al público al borde de su asiento.

   El tono detectivesco y sobrenatural le da un toque especial a la historia. Una vez que se disparan los extraños sucesos en el palacio imperial, el boticario inicia su investigación para descubrir por qué un espíritu en pena acecha a todos. Las mentiras y medias verdades saldrán a la luz y siempre habrá algún crimen o suceso terrible detrás de todo lo ocurrido.

   Sin embargo, la película no está exenta de críticas. Algunos espectadores han señalado que la trama es confusa en ciertos momentos y que la falta de explicación de algunos detalles puede resultar frustrante. Además, la película puede resultar demasiado intensa para aquellos que no estén familiarizados con el género de terror psicológico. No obstante, se trata de una cinta para un público adulto que requiere dejarse llevar por sus imágenes sin buscar demasiadas explicaciones.

   En resumen, Mononoke: El fantasma bajo la lluvia es una película de terror psicológico bien hecha que cautivará a los fanáticos del género. Si eres un amante del anime y del terror, esta película es una excelente opción para ver en el cine o directamente en plataformas.

 

Curso online: “Aprendemos con ‘El mundo invisible de Hayao Miyazaki'”

 

¿Eres fan de las películas de Studio Ghibli? ¿Te apasionan las historias de Hayao Miyazaki y quieres adentrarte más profundamente en su mundo mágico? ¡Entonces no te puedes perder este curso online!

Laura Montero Plata, reconocida especialista en manga, anime y cultura japonesa, nos invita a explorar "El mundo invisible de Hayao Miyazaki". A través de este curso online, desvelaremos los secretos detrás de las películas más icónicas del estudio, como "Mi Vecino Totoro", "El Castillo Ambulante" o "La Princesa Mononoke".

¿Qué aprenderás?

• Historia de la animación japonesa: Conoceremos los orígenes del anime y cómo se gestó el fenómeno Studio Ghibli.
• Análisis de la filmografía de Miyazaki: Desentrañaremos los mensajes y simbolismos presentes en cada una de sus películas.
• El legado de Studio Ghibli: Reflexionaremos sobre la importancia de este estudio en la cultura popular y su influencia en la animación mundial.
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¿Por qué asistir a este curso?

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Isao Takahata: El olvidado maestro de la animación japonesa

 

Isao Takahata, cofundador de Studio Ghibli junto a Hayao Miyazaki, es un nombre que a menudo se eclipsa por la popularidad de su compañero. Sin embargo, su legado en la animación japonesa es innegable. Con una sensibilidad única para contar historias conmovedoras y realistas, Takahata ha dejado una huella imborrable en el mundo del anime. En esta entrada exploraremos su carrera, tanto antes como después de Studio Ghibli, y analizaremos por qué su figura ha sido a menudo invisibilizada.

Antes de Ghibli: Los inicios de un maestro

Hablar del Studio Ghibli siempre implica hablar de Hayao Miyazaki. Pero siempre se nos olvida que hubo otras dos mentes maestras detrás del estudio: Toshio Suzuki, quien fuera presidente de Ghibli e Isao Takahata, el otro gran director del estudio. Los tres empezaron en la década de los 60 en lo que hoy conocemos como Toei Animation como animadores y trabajadores de la recién estrenada industria de la animación japonesa. En especial, Miyazaki y Takahata siempre fueron buenos colaboradores y amigos, participando en toda clase de proyectos. 

   Hay que señalar que Takahata inició como director antes que Miyazaki, aunque este último siempre participó como animador en sus películas y series. La primera colaboración importante de ambos fue Las aventuras de Horus, Príncipe del sol, donde Takahata dirige y Miyazaki se convierte en un animador principal. Con el tiempo vendrían otros proyectos de como Las aventuras de Panda y sus Amigos, o la  muy recordada Heidi, en donde justo Takahata sigue como director mientras que Miyazaki se convierte en uno de los animadores principales. Pero hartos del enfoque comercial de los estudios, los amigos se lanzaron a fundar su propio estudio.

La era de Ghibli: Colaboración y contraste

La asociación de Takahata con Miyazaki en Studio Ghibli dio lugar a algunas de las películas de animación más aclamadas de todos los tiempos. Títulos como La tumba de las luciérnagas, Recuerdos del ayer y Pompoko muestran la sensibilidad de Takahata para abordar temas complejos y emocionales, a menudo en contraste con el enfoque más aventurero de Miyazaki.

   A pesar de su talento y su importante contribución al mundo del anime, Takahata ha sido a menudo eclipsado por la figura de Miyazaki. Esto se debe en parte a la personalidad carismática de de este último y a la popularidad de sus películas. Sin embargo, es importante reconocer a ambos directores y valorar las diferentes visiones que aportaron a Studio Ghibli.

   Hay que señalar que el estilo de Takahata siempre fue más experimental y mucho menos comercial que el de Miyazaki, al mismo tiempo que el director que ahora comentamos se enfocaba más en el realismo a diferencia de las tramas fantásticas de su gran amigo. Incluso los personajes femeninos de Takahata eran mucho más elaborados que los de Miyazaki, ofreciendo interesantes reflexiones sobre las dificultades que deben enfrentar en sus sociedades.

   Así pues, para conocer y revalidar a una gran figura como Isao Takahata, aquí recomendamos algunas de sus mejores películas en el Studio Ghibli.

La tumba de las luciérnagas

Un conmovedor relato sobre la supervivencia de dos hermanos huérfanos durante los bombardeos de Japón en la Segunda Guerra Mundial. A través de sus ojos inocentes, presenciamos las duras realidades de la guerra y el valor de la familia. Una obra maestra del anime que nos dejará con el corazón roto. La película explora temas profundos como la pérdida, el hambre y la inocencia perdida, todo ello envuelto en una animación exquisita. Es una experiencia visual y emocionalmente intensa.

   Hay que señalar que no conozco a nadie que haya visto la película sin al menos derramar una lágrima. Su mensaje pacifista junto con su trágica y dura historia la lleva a convertirse en un clásico de la animación mundial de la década de los 80.

Recuerdos del ayer / Only Yesterday

Una mujer de 27 años "viaja" al pasado para revivir sus recuerdos de la infancia y adolescencia. A través de sus vivencias, reflexiona sobre la vida, el amor y los cambios que experimentamos con el paso del tiempo. Una película introspectiva y nostálgica que nos hará reflexionar sobre nuestros propios recuerdos. La animación es sencilla pero efectiva, y la banda sonora es simplemente perfecta.

   Uno de los aspectos más interesantes de la cinta es la nostalgia. La mujer no para de recordar su etapa en la educación primaria y todas sus vivencias como forma de lidiar con su presente. Confundida con su vida, abandona la ciudad para ir al campo para replantearse sus circunstancias. El mensaje de la historia plasmado en su final metafórico es claro: el pasado es muy bello, pero hay que dejarlo ir.

Pompoko

Se trata de una película animada que combina humor y ecologismo de una manera única. Dirigida por Isao Takahata, este film nos sumerge en el mundo de los tanukis, unos mapaches japoneses con la capacidad de transformarse en diferentes objetos. La trama se centra en la lucha de estas adorables criaturas por proteger su bosque ancestral de la expansión urbana.

   Takahata utiliza la animación tradicional para crear un mundo lleno de vida y encanto, donde los tanukis se transforman en todo tipo de cosas, desde árboles gigantes hasta vehículos. La película es una alegoría sobre la relación entre el hombre y la naturaleza, y cómo el progreso a menudo conlleva la destrucción de los ecosistemas. Con un humor irreverente y un mensaje profundo, Pompoko es una película que tanto niños como adultos pueden disfrutar. La película nos invita a reflexionar sobre nuestro impacto en el medio ambiente y la importancia de preservar los espacios naturales.

   Un último aspecto a resaltar es que la cinta tiene mucha participación de Hayao Miyazaki, especialmente en el tema ecologista. Del mismo modo, su riqueza con la mitología y el folclore japoneses la hacen una película muy especial. Incluso deberíamos hablar casi de una codirección entre ambos cineastas.

 

Mis vecinos los Yamada 

 

Una cálida y realista película que retrata la vida cotidiana de una familia japonesa de clase media durante los 90. A través de pequeñas anécdotas y momentos cotidianos, exploramos los vínculos familiares y los desafíos de la vida moderna. Una película que nos hará sonreír y emocionarnos. La animación es sencilla pero encantadora, y los personajes son tan reales que te sentirás como si los conocieras de toda la vida.

   Plasmada en pantalla como si fuera un manga (o incluso un cómic muy al estilo de Mafalda), la historia nos ofrece pequeños segmentos de la familia Yamada en donde se explora la vida cotidiana japonesa a la par de su historia y folclore. Fue casi un desastre financiero para el estudio, lo que llevó a Takahata a retirarse de la dirección durante muchos años.

El cuento de la princesa Kaguya 

 

Basada en un cuento popular japonés, esta película narra la historia de una princesa que nace de un brote de bambú. A medida que crece, debe enfrentar los desafíos de la vida en la corte y la pérdida de su inocencia. Una obra de arte visual que combina la animación tradicional japonesa con técnicas modernas. La historia es a la vez mágica y realista, explorando temas como la belleza, la mortalidad y la búsqueda de la felicidad.

   Se trata de la última película de su director, una cinta preciosista en la cúspide creativa de Takahata. La situación de la mujer en el Japón antiguo, las delirantes y endurecidas costumbres de los japoneses, así como el tono más mitológico y fantástico de la cinta nos llevan a la despedida de uno de los grandes maestros de la animación japonesa.

La Tortuga Roja

Ofrecemos de pilón una cinta animada de origen franco-belga en la que Takahata también participó. Se trata de una experiencia cinematográfica única que nos sumerge en un mundo de introspección y belleza visual. Dirigida por Michaël Dudok de Wit, con la participación de Isao Takahata como director de animación, esta película sin diálogos nos cuenta la historia de un náufrago que lucha por sobrevivir en una isla desierta.

   La animación tradicional, con su delicadeza y atención al detalle, crea un mundo onírico y lleno de simbolismo. La presencia de una misteriosa tortuga roja, que se convierte en el eje central de la trama, añade un elemento mágico y enigmático a la historia. A través de imágenes poderosas y una banda sonora hipnótica, La Tortuga Roja explora temas universales como la soledad, la supervivencia, la naturaleza y la búsqueda de un propósito. Es una película que invita a la reflexión y a conectar con nuestras emociones más profundas. La influencia de Takahata en la animación es evidente en cada fotograma, aportando una sensibilidad y una profundidad que hacen de esta película una obra maestra del cine de animación.

   Isao Takahata, que falleció en 2018, fue un gran maestro de la animación japonesa cuya obra merece ser reconocida y celebrada. Su capacidad para contar historias conmovedoras y realistas, combinada con su ojo para el detalle, lo convierten en uno de los directores de anime más importantes de todos los tiempos. Al explorar su carrera, tanto antes como después de Studio Ghibli, podemos apreciar la diversidad de su talento y su impacto duradero en el mundo del anime.

 

 

NieR:Automata Ver1.1a Part 2

 

Nos encontramos en una época en donde segundas partes estás resultando sumamente atractivas y mejores que sus antecesoras, ya sea en el cine, los libros y por supuesto en el Anime. Especialmente, las adaptaciones de videojuegos están rompiendo su maldición: de ser frecuentemente fiascos, ahora hay mucho más cuidado en contar buenas historias. Y todo ello se ve en la serie que hoy comentamos.

   Hay que recordar que la serie NieR: Automata Ver1.1a  es una adaptación animada del popular videojuego de acción y rol NieR: Automata, desarrollado por PlatinumGames y publicado por Square Enix en 2017. La serie fue producida por el estudio de animación A -1 Pictures y se estrenó en Japón en octubre de 2023.

   La trama de la serie sigue a los androides 2B, 9S y A2 en su lucha contra la tecnología de la raza extraterrestre de las máquinas, que han invadido la Tierra y exterminado a la humanidad. La historia se desarrolla en un mundo post-apocalíptico y se centra en la relación entre los tres personajes principales y su lucha por la supervivencia y la identidad.

   La primera temporada sufrió de muchos problemas de producción y los primeros visionados por parte de los fanáticos del videojuego original no fueron muy agradables. Se cuestionó el uso de un muy poco elaborado CGI a la par de una trama que no lograba despegar completamente. No obstante, los errores se convierten en aprendizaje y las cosas han mejorado de manera notoria.

   En cambio, la segunda temporada de la serie ha sido muy bien recibida por los fans del videojuego y por la crítica especializada. Uno de los aspectos más destacables es su calidad visual mejorada, con un diseño de personajes y entornos muy detallados y realistas. Además, la serie cuenta con una banda sonora impresionante, que incluye temas del videojuego original y nuevas composiciones.

  Otro aspecto destacable de la serie es su profundidad y complejidad en la trama, que aborda temas como la identidad, la existencia, la moralidad y la naturaleza de la humanidad. La serie es capaz de mantener al espectador en vilo hasta el final, con giros argumentales inesperados y emocionantes.

   En esta segunda temporada se han conseguido atmósferas visuales y sonoras muy interesantes, resaltando la humanización de las IAs en medio de un mundo devastado y vacío. Asimismo, la idea de una pandemia digital que azota a robots y androides debido a un virus informático resulta interesante y relevante para reflexionar sobre los sucesos que hemos vivido durante los primeros años de esta década: especialmente, nuestro enfrentamiento al COVID-19 y al despegue de la inteligencia artificial.

   En resumen, NieR: Automata Ver1.1a Part 2 es una segunda temporada muy mejorada y de alta calidad que ofrece una experiencia emocionante y profunda para los fans del género de la ciencia ficción y la acción. Si eres fan del videojuego original o simplemente buscas una serie de animación con una trama compleja y bien desarrollada, esta serie es una excelente opción.

 

Tren al fin del mundo - Shuumatsu Train Doko e Iku?

 

Continuamos recordando algunas de las series de anime más interesantes y menos conocidas del año 2024. Como habrán leído en este blog, quien escribe busca rescatar algunas series interesantes olvidadas por el público. ¿Qué por qué son ignoradas? Una razón es que algunas series vienen con una gigantesca campaña de marketing y utilicen fórmulas ya probadas para desbordar el éxito de sus respectivas temporadas. En otra ocasión, el fandom mismo es el que se encarga de realzar algunas producciones e ignorar otras. Así pues, en esta ocasión reseñamos una pequeña serie en su momento muy recomendada por el mismísimo Hideo Kojima.

   En un mundo post-apocalíptico donde la realidad ha sido deformada por el desastroso lanzamiento de una red celular 7G experimental, la serie de anime que ahora comentamos cuenta la historia de Shizuru Chikura, una joven estudiante que se embarca en una peligrosa aventura para encontrar a su amiga desaparecida, Yoka Nakatomi.

   La trama se desarrolla en un Japón devastado, donde la civilización ha colapsado y ha quedado reducido a asentamientos dispersos y aislados. El Incidente 7G ha creado fenómenos extraños y ha afectado a la población superviviente de varias maneras, como transformar a los residentes de Agano en animales inteligentes una vez que cumplen 21 años. En este contexto, Shizuru y sus amigas deciden tomar un tren de pasajeros abandonado para seguir la línea ferroviaria hasta Ikebukuro, donde creen que se encuentra Yoka.

   La serie, producida por Kadokawa Corporation y animada por el estudio EMT Squared, se estrenó el 1 de abril de 2024 en Japón y ha sido licenciada por Crunchyroll fuera de Asia.  Con una sinopsis que promete emoción y misterio, Tren al fin del mundo ha llamado la atención de muchos de los fans del género de aventuras y ciencia ficción. La animación es de alta calidad, con detalles cuidados y un diseño de personajes muy logrado. La música, compuesta por Miho Tsujibayashi, es otro de los puntos fuertes de la serie, creando una atmósfera de tensión y emoción que se ajusta perfectamente a la historia.

   En cuanto a los personajes, Shizuru es una protagonista carismática y valiente, que está dispuesta a arriesgarlo todo por encontrar a su amiga. El resto de personajes también están bien desarrollados, con personalidades y motivaciones propias que les dan profundidad y credibilidad. De nueva cuenta, se trata de una historia sobre pequeñas muñecas en una aventura por un mundo post-apocalíptico surreal y deformado en el que cada aldea a la que llegan las chicas presenta alguna situación absurda y por momentos hilarante: desde una ciudad en donde una chica normal es la reina absoluta de un imperio de zombies, campos en donde las verduras han cobrado vida de forma enloquecida, hasta una ciudad que reproduce exactamente un manga que las chicas leyeron cuando eran más pequeñas.

   Así, el mundo onírico y absurdo que la serie nos presenta puede que no sea del agrado de todo fanático al anime, pero si se le da una oportunidad, el espectador descubrirá un gran despliegue imaginativo en cada ciudad que las protagonistas visitan. Puede incluso que llegue el momento en que quien disfruta de la serie esté atento a que nueva ciudad llena de locura llegarán las chicas, qué mundo absurdo e irreal se encontrarán y cómo se las ingenierán para salir de los aprietos.

   En resumen, Tren al fin del mundo - Shuumatsu Train Doko e Iku? es una serie de anime emocionante y misteriosa que nos sumerge en un mundo post-apocalíptico lleno de peligros y sorpresas. Con una animación de alta calidad y una banda sonora impresionante, esta serie es una excelente opción para los fans del género de aventuras y ciencia ficción. En este sentido, se trata de una de las mejores series de 2024 (ve mi lista) para disfrutar en una tarde agradable.

 

Yuki Kajiura, bandas sonoras y anime

Yuki Kajiura es una de las compositoras más queridas y cotizadas en el anime contemporáneo. Ingeniera en computación de profesión, Kajiura-san vivió muchos años en Alemania debido al trabajo de su padre, por lo que pudo desarrollar su gusto por la música mientras exploraba nuevos estilos en Europa. Ha trabajado en comerciales, obras de teatro, videojuegos y especialmente haciendo bandas sonoras de anime. Desde trabajar para directores como Takeshi Kitano, hasta alcanzar el éxito en el J-pop con sus dos grandes bandas: Fictionjunction y Kalafina, la compositora que hoy comentamos ofrece un toque único a los animes que llevan su registro musical.

  Su versatilidad llama poderosamente la atención al jugar con música barroca, electrónica, jazz, rock progresivo y un largo etcétera. Su estilo juega con voces femeninas operísticas mientras que los violines acompañan las piezas interpretadas por grandes músicos de la escena contemporánea japonesa, ya sean aquellos que hacen música de cámara hasta cantantes de alto octanaje como Aimer. Su música suena como el sonido de los ángeles y se adapta muy bien en historias con un marcado componente fantástico.

   Así pues, a continuación comentaremos algunas de las obras más relevantes de reciente factura, dejando de lado obras de la década de los 90s o los 2000s para otra ocasión, dado que 30 años de carrera de Kajiura-san requerirían varias entradas.

 

Puella Magi Madoka Magica

Se cuenta que el guionista Gen Urobuchi exigió que Yuki Kajiura fuera la compositora de la banda sonora de esta serie (y sus posteriores películas). En esta historia se deconstruye la figura de la chica mágica en un ambiente de fantasía oscura, viajes en el tiempo y planteamientos filosóficos. Su animación experimental proveniente del estudio Shaft aunado a la magistral dirección de Akiyuki Shinbo (director de la conocida Bakemonogatari y sus numerosas secuelas y precuelas) ofrecen una de las mejores series de la década pasada (2011-2020).

   El thriller psicológico se agrega a la historia mientras que la banda sonora nos transporta a los eventos fantásticos que tan duramente están experimentando las protagonistas. Todo ello nos lleva a una de las obras maestras del anime de este siglo  para disfrutarse en un buen maratón.

 

Fate/Zero

Otro de los grandes animes de la década anterior, en este caso una gran precuela del famoso Fate/stay night aparece en escena como una gran serie que ofrece un tono mucho más oscuro y adulto. La cuarta lucha por el Santo Grial y los planteamientos filosóficos, de nueva cuenta puestos en la mesa por el guionista Gen Urobuchi, nos hablan del mal, la moral y la ambición.

   Kajiura-san ofrece una banda sonora en el género en el que mejor se desarrolla: la fantasía urbana.  Los sonidos de violines, los cánticos oscuros de Fictionjunction así como las canciones de Kalafina le agregan a la historia una complejidad adictiva que mantendrá a los fanáticos al borde del asiento.

 

Sword Art Online

Uno de los isekais por excelencia en el que sus protagonistas quedan atrapados en mundos virtuales de fantasía y ciencia ficción. Las batallas y los súper poderes llevan al espectador a un mundo shonen en donde la aventura y el heroísmo juvenil están puestos sobre la mesa. Quizás los arcos de su segunda temporada son bastante endebles, aunque sus historias posteriores recuperan el tono épico de los inicios de la serie.

   En esta historia, la compositora en cuestión juega con un estilo musical heroico que nos recuerda a los mitos artúricos. La experimentación con violines y sintetizadores refuerzan el efecto de las aventuras y las batallas, maravillando a millones de fan que esta serie tiene en todo el mundo.

 

Erased

Una historia clásica en la literatura pero novedosa en la animación japonesa: ¿qué pasaría si volvieras a la época en que tenías 8 años de edad pero conservaras tus recuerdos de adulto? Los viajes en el tiempo y el misterio de varios asesinatos de niños en etapa escolar nos transportan por una premisa atractiva que no dejará a nadie indiferente. Si bien su final resulta fallido, el desarrollo del resto de la trama se mantiene durante la mayor parte de tiempo.

   En cuanto a la música se refiere, la banda sonora es mucho más ambiental pero refuerza el aspecto fantástico de la historia. No obstante, estamos lejos de las mejores obras de su compositora.

 

Princess Principal

Steampunk, espionaje y protagonistas femeninas atractivas nos transportan a esta serie cuya continuación en formato de películas aún sigue pendiente para terminar la historia. Las protagonistas son estudiantes en un mundo con estética victoriana, pero en realidad cada una tiene una habilidad que será útil para resolver los diferentes casos así como la conspiración principal. Acción y ciencia ficción delirante le esperan a cualquier fan del medio que le dé una oportunidad.

   Kajiura-san juega con una banda sonora que suena como a casa de muñecas (sus protagonistas justo son como pequeñas muñecas que salen bien paradas frente a cada situación). Los violines y los cánticos siguen retumbando en el oído del espectador, mientras que su opening nos introduce a una historia de acción alocada pero sumamente entretenida.

  

Kimetsu no yaiba / Demon Slayer

Uno de los shonen más aclamados en la actualidad especialmente por su magistral animación. Ubicado en el contexto de la era Meiji, y con fuertes referencias a la mitología japonesa, esta serie se luce especialmente por su tono de acción, aventura y batallas en un universo de fantasía oscura. Pese a que el humor es exagerado y por momentos innecesario en su gran mayoría, el tono épico de la historia se mantiene en todo momento.

   Yuki Kajiura juega no solo con música electrónica y con sus violines de siempre, sino que aprovecha instrumentos clásicos japoneses para envolver al espectador en la historia de Japón. Por momentos la ambientación musical es sumamente atmosférica y relajante, mientras que lo electrónico se luce en el paroxismo de las peleas y las técnicas que utilizan los héroes para derrotar a los villanos.