El cazador de la bruja

 

Hay directores que marcan época al definir una estética inconfundible, y Koichi Mashimo es, sin duda, uno de ellos. Al timón del estudio Bee Train, Mashimo cimentó una trilogía espiritual de heroínas armadas que fascinó a toda una generación de amantes del anime a principios de los 2000: Noir (2001), Madlax (2004) y, finalmente, El cazador de la bruja (2007). Sin embargo, mientras que sus predecesoras cultivaban una atmósfera hipnótica a través de la elipsis, el misterio y el existencialismo, este cierre de trilogía suele ser recordado, con justicia y pesar, como el proyecto más irregular y frustrante de su director. La premisa prometía un viaje por carretera cargado de misticismo a través de los vastos y polvorientos paisajes de México, pero el resultado final quedó atrapado en un bucle narrativo que desaprovechó sus mejores bazas.

   La historia sigue a Ellis, una joven misteriosa que ha perdido la memoria y posee el poder críptico de abrir las puertas hacia el legendario territorio de Wiñay Marka, y a Nadie, una cazarrecompensas dura y pragmática que acepta escoltarla mientras huyen de una conspiración internacional. Sobre el papel, la dinámica de opuestos —la inocencia etérea frente al cinismo curtido— encendía la chispa para una road movie memorable. No obstante, el gran fallo de El cazador de la bruja radica en su estructura episódica desdibujada; durante más de la mitad de sus veintiséis episodios, la trama se empantana en subtramas circulares y persecuciones repetitivas que no aportan nada sustancial a la mitología central ni al desarrollo de los personajes, agotando la paciencia del espectador antes de alcanzar su recta final.

   A pesar de los profundos tropiezos en el ritmo y la escritura de guion, la obra conserva destellos del característico cuidado visual y sonoro que definía al estudio en su época dorada. Los escenarios abiertos, inspirados en la geografía y el folclore latinoamericano, ofrecen postales atípicas dentro del medio, alejándose de los habituales callejones urbanos de Tokio. Y es precisamente aquí donde el anime encuentra su auténtico salvavidas: la música de Yuki Kajiura. Lejos de limitarse a acompañar las escenas, la legendaria compositora firma una banda sonora monumental que trasciende por completo la calidad de la serie. Mezclando coros operísticos, guitarras acústicas de sabor fronterizo y melodías vocales etéreas, Kajiura dota de una urgencia mística y un lirismo desgarrador a cada plano, logrando que los momentos más monótonos de la travesía adquieran una belleza y una dignidad emocional que el libreto por sí solo jamás logra sostener.

   Quizás su aspecto más disparatado es justo el viaje que ofrece a lo largo de México. Se nota que los animadores y el director estaban abordando desde fuera un país totalmente ajeno a ellos. Para empezar, muestran al país como un lugar desértico o casi post-apocalíptico. Los jefes mafiosos, en lugar de ser narcotraficantes tipo jefes feudales, resultan ser mafiosos italianos elegantes que no tienen mucho sentido. Además, la búsqueda de aguas termales, propias del estado mexicano de Hidalgo se ubica en Aguascalientes (nombre que creen propio de dichas aguas). Para acabar de amolar el asunto, la compositora fue enviada a conocer música de Perú en lugar de México, aspecto que hace que la serie se sienta un raro pastiche lleno de burradas y visiones disparatadas del país en donde ocurre la acción.

   No hay que olvidar lo fallido de los personajes, especialmente del propio villano. Si bien es interesante el guiño casi amoroso entre las dos protagonistas, los antagonistas se presentan de forma absurda y ninguno de ellos es memorable. Del mismo modo, la batalla final con el villano principal se siente desolada y sin emoción al igual que la zona arqueológica y prehispánica que supuestamente deciden mostrar como escenario último. Así, el sentido de las gun and girls se desdibuja y muestra un cansancio luego de las dos series anteriores que resultaban mucho más logradas e interesantes. 

   En definitiva, El cazador de la bruja se erige como una obra de profundos contrastes, un doloroso recordatorio de que ni los nombres más consagrados de la industria son inmunes al desgaste creativo. Para los seguidores acérrimos de la dirección contemplativa de Koichi Mashimo o para los coleccionistas de la discografía de Yuki Kajiura, la serie sigue albergando valor arqueológico y pasajes musicales inolvidables. Sin embargo, para el público general que busca una narrativa sólida y resolutiva, este viaje por los caminos mexicanos se siente más como una interminable caminata bajo el sol que como una gran aventura mítica.

Madlax

 

 En este blog nos gusta hablar de grandes directores un tanto olvidados y su paso por el anime. Si bien ya comentábamos en una entrega pasada el anime Noir, poco después salió esta segunda serie que conforma la trilogía de las gun and girls, producción que popularizó el tema y llevó a que años después se produjeran series de acción rápida mezcladas con lo absurdo de tener a varias chicas cargando armas pesadas y dándose de disparos con toda clase de criminales. Así, Madlax se presentó como la segunda propuesta contemplativa de su director cargada de una fascinante banda sonora.

   Lanzada en 2004 por el legendario estudio Bee Train, la serie que ahora comentamos se erige como una joya de culto dentro de la animación japonesa de la década de los 2000. Concebida bajo la batuta del magistral director Koichi Mashimo, este anime logró cautivar a la audiencia con una atmósfera única que fusiona el thriller psicológico, el espionaje internacional y elementos sobrenaturales. La serie sigue los pasos de dos mujeres con destinos aparentemente desconectados: Margaret Burton, una joven aristócrata atrapada en una nación asolada por la guerra civil sin recuerdos claros de su pasado, y Madlax, una enigmática agente a sueldo con habilidades de combate sobrehumanas que opera en el mismo conflicto.

   A medida que la trama avanza, ambas protagonistas descubren que sus identidades están unidas por un misterioso libro antiguo y una serie de recuerdos fragmentados relacionados con una tragedia pasada. El guion dosifica el misterio con maestría, introduciendo a personajes secundarios memorables como la agente secreta Vanessa René, cuyas investigaciones desvelan una conspiración global tejida por una siniestra organización conocida como Bookwald. Lejos de ser un simple anime de disparos y acción desenfrenada, la obra explora temas profundos como la dualidad de la psique humana, la búsqueda de la identidad y la culpa, manteniendo al espectador al borde del asiento mientras las piezas del rompecabezas encajan de forma impactante.

    Uno de los apartados más elogiados de la serie es su impecable dirección artística y su puesta en escena. Koichi Mashimo imprime su sello característico a través de un uso magistral de la luz, los silencios y encuendros cinematográficos que realzan la tensión de cada secuencia. Sin embargo, el verdadero pilar que eleva a Madlax a la categoría de obra maestra es la banda sonora compuesta por la virtuosa Yuki Kajiura. Con temas corales inolvidables, melodías operísticas y el icónico tema principal Nowhere —marcado por su pegadizo estribillo "Ya-la-tali"—, la música no acompaña simplemente a las escenas, sino que dicta el ritmo emocional, otorgando una solemnidad mística a cada enfrentamiento y a los momentos más introspectivos.

   La serie también destaca por su peso temático, sirviendo como la corpus espiritual de la trilogía informal de director sobre chicas con armas y destinos trágicos, precedida por Noir y continuada por El Cazador de la Bruja. En Madlax, la guerra no es solo un telón de fondo político, sino un espejo de la fragmentación mental de sus personajes. La evolución emocional de Margaret y la dualidad de la propia Madlax desafían las expectativas del espectador, ofreciendo un comentario sobre cómo el dolor y los recuerdos moldean aquello en lo que nos convertimos, todo ello envuelto en un aura de misterio metafísico que perdura mucho después de finalizar los créditos.

   Si bien es una serie recomendable, de nueva cuenta las limitaciones de la animación en algunos tramos pueden molestar o decepcionar a los fans contemporáneos del anime más pulido. De igual forma, el ritmo es pausado y contemplativo, y otorga a la serie un ambiente que requiere paciencia por parte del espectador, por lo que aquellos que estén acostumbrados a ritmos frenéticos pueden sentirse algo desesperados. A pesar de esto, los defectos y la falta de recursos son aprovechados por el director para ofrecer su propio estilo a la serie. 

   En resumen, Madlax es un anime imprescindible para los amantes del misterio complejo, las tramas de espionaje y las producciones con una fuerte identidad visual y sonora. Aunque su ritmo inicial pausado requiere paciencia, la recompensa es una de las experiencias narrativas más fascinantes y atmosféricas de los años 2000. Es una recomendación absoluta tanto para los veteranos de la industria que buscan nostalgia de calidad como para las nuevas generaciones dispuestas a descubrir los pilares del thriller otaku.

Noir

 

Noir es una serie ya olvidada que, no obstante, guarda su magia y el estilo de su director. Lanzada en el año 2001 por el estudio Bee Train, esta serie es una de las más icónicas de principios de siglo. Dirigida por Koichi Mashimo y acompañada por una inolvidable banda sonora compuesta por Yuki Kajiura, esta obra fundó y definió prácticamente el subgénero de las girls with guns, mezclando con maestría el cine negro clásico, la acción trepidante y un profundo misterio existencial.

   La historia sigue a Kirika Yuumura, una joven estudiante japonesa que padece amnesia pero posee unas habilidades innatas letales para el combate. A través de una extraña corazonada, contacta a Mireille Bouquet, una experimentada asesina a sueldo independiente que opera en París. Juntas forman una sociedad bajo el nombre clave de Noir. Un antiguo mito que representa el destino y la muerte.

   Mientras aceptan contratos por todo el mundo, ellas intentan desentrañar el pasado de Kirika y su conexión con una enigmática organización secreta. A diferencia de otros animes de acción de la época, Noir destaca por un ritmo pausado y contemplativo que prioriza la atmósfera, el silencio y la tensión psicológica sobre la pirotecnia visual constante.

   Lo mejor de Noir justo son los escenarios europeos melancólicos, los callejones solitarios y una iluminación que homenajea al cine noir tradicional. Del mismo modo, las melodías vocales y operísticas de Yuki Kajiura (con temas icónicos como Canta per me) elevan cada escena a otra categoría. En cuanto a los personajes, la relación entre Mireille y Kirika evoluciona de una fría alianza profesional a un vínculo profundo de confianza y protección.

   Hay que señalar que el estudio de animación fue criticado por su animación pobre, aunque en su defensa se puede afirmar que esto permitió su director, Koichi Mashimo, aprovechara esto para ofrecer su visión pausada y contemplativa que ya mencionábamos arriba. Se trata posiblemente del último director de anime con un estilo de cine de autor que sin bien no era para todo público, sus propuestas llamaba poderosamente la atención.

   En esta línea, los fanáticos de la acción vertiginosa al estilo shonen pueden encontrar los episodios un tanto lentos, ya que la serie se toma su tiempo para construir el misterio. Asimismo, aunque su dirección artística llama la atención, la animación digital de principios de los 2000 ha sido un tanto castigada por el tiempo.

   En resumen, Noir es un anime de culto indispensable para cualquier amante del anime clásico. No es solo una historia de disparos y espionaje, sino un viaje psicológico elegante y oscuro que dejó una huella en la industria de principios del milenio.

Aiyou de Mishi / X&Y

 

El mundo de la animación china o donghua ha experimentado un crecimiento descomunal en los últimos años, alejándose un poco de los tópicos habituales de fantasía para ofrecernos propuestas más que refrescantes. En este blog seguimos con esta línea del anime chino. Para quienes disfrutan exprimiendo su cerebro con historias de misterio, tensión y acertijos, hoy tienen aquí una recomendación curiosa: X&Y (también conocido por su título original, Aiyou de Mishi).

   ¿Qué pasa cuando cruzas la puerta de un misterioso escape room y la realidad comienza a disolverse? ¿Qué pasa cuando los misterios van más allá del juego y fenómenos inexplicables aparecen en escena? Para contestar estas preguntas, el espectador debe ponerse cómodo para disfruttar de esta serie que tiene una interesante banda sonora y una historia un tanto cerebral.

   La historia arranca una noche lluviosa cuando Yan Yuechu y su colega Hu Zhi deciden refugiarse del aguacero en un edificio desconocido. Para su sorpresa, el lugar alberga el X&Y Escape Room, un establecimiento tan enigmático como infame dirigido por una bella, peculiar,  aunque distante Xu Aiyou. Los dos hombres entran por curiosidad, participan en un juego de acertjos y logran pasar los retos en tiempo límite. Sin embargo, lo que parecía ser un simple pasatiempo nocturno deja una huella imborrable: retazos del turbio pasado de Aiyou y secuencias de pruebas imposibles comienzan a colarse en los sueños y en la vida diaria de los protagonistas. ¿Dónde termina el juego y empieza la realidad?

   A diferencia de otros títulos del género, este anime chino normaliza los escape rooms dentro de la cultura urbana, convirtiéndolos en el motor principal de una trama de suspense psicológico. Además, visualmente hablando, la serie cuenta con aciertos notables, destacando una paleta de colores que contrasta de manera muy efectiva el mundo corporativo y gris con la iluminación y diseño de las salas de escape. Resulta interesante que la historia va al grano gracias a sus episodios de muy corta duración, aspecto que permite ver la serie con facilidad y genera un gancho constante impulsado por la duda y los misterios que viven los personajes.

   Pero esta serie cuenta con algunos problemas que es necesario señalar. Aunque la premisa atrapa desde el primer minuto, algunas motivaciones de los protagonistas se sienten algo planas dejando ciertos cabos sueltos y subtramas un tanto atropelladas hacia el tramo final. Para los espectadores que buscan respuestas absolutas y cerradas, el cierre puede resultar un tanto desconcertante (además de inconcluso, dado que todo queda abierto a una segunda temporada de la que aún no hay noticias por el momento). Incluso la trama se entorpece frente a los juegos y coqueteos entre los dos protagonistas, mismos que no aportan nada a la historia y fungen como fanservice muy al estilo chino.

   En definitiva, X&Y es un dongua de misterio interesante aunque irrregular, pero eso sí: muy entretenido. No revolucionará la industria de la animación, pero es una opción ideal para quienes buscan un maratón ŕapido de fin de semana que combine altas dosis de tensión, acertijos lógicos y un toque de thriller psicológico.

Release that witch

 

De una vez podemos decir en el mundo occidental que estamos un tanto hartos de los isekais. Ya saben: esas series en donde un personaje común y corriente es transportado mágicamente a un mundo de fantasía en el que jugará un papel relevante. Este tipo de series hablan mucho del aburrimiento cotidiano de los japoneses, de ahí que se consuman con ahínco en Japón.

   ¿Pero qué pasaría si en vez de enviar a una persona común y corriente se enviara a un ingeniero moderno astuto e inteligente a un mundo de fantasía medieval plagado de magia, caballeros y… brujas perseguidas? Lejos de convertirse en el típico héroe espada en mano, Roland Wimbledon decide aplicar las leyes de la física, la química y la termodinámica para construir una revolución industrial en aquel mundo.

    Así pues, seamos todos bienvenidos a Release that Witch (Zhan Fang Ba, Nu Wu), una de las propuestas más refrescantes del formato donghua (animación china) que mezcla la fantasía oscura con la gestión de recursos e incluso la ciencia ficción ligera.

   La historia arranca cuando Chen Yan, un ingeniero mecánico de nuestro mundo, reencarna en el cuerpo de Roland Wimbledon, un príncipe cuarto de la monarquía del Reino de Graycastle que ha sido exiliado a una zona fronteriza y empobrecida llamada Border Town (Ciudad Fronteriza).

   En este mundo, las brujas no son agentes del mal, sino mujeres nacidas con habilidades genéticas anómalas que la Iglesia persigue implacablemente bajo la etiqueta de “herejes”. Para Roland, estas “brujas” no son monstruos: son la fuerza laboral definitiva y los catalizadores perfectos para la tecnología. ¿Alguien necesita energía prácticamente ilimitada? Una bruja puede generar fuego o vapor. ¿Alguien necesita estructuras precisas? Las habilidades de manipulación de la materia aceleran la metalurgia siglos enteros en cuestión de semanas.

   Hay varios aspectos a resaltar en esta breve serie (cuenta solo con 8 episodios). Roland no gana sus batallas a base de gritos de poder o power-ups injustificados. Su éxito depende de la planificación urbana, la creación de pólvora, la implementación de máquinas de vapor y la educación científica de su pueblo. Por otra parte, la narrativa aborda la discriminación, mostrando cómo la sociedad teme a lo que no comprende, mientras el protagonista construye un refugio seguro (“La Unión de Brujas”) donde la ciencia y la magia coexisten. Aunque también hay que señalar que es gracias a las brujas y su empatía con éstas que el protagonistas logrará salvarse en más de una ocasión.

   Y por supuesto, a diferencia de otros isekais estáticos, en Release that Witch uno siente el progreso real: pasamos de chozas de madera y lodo a fábricas humeantes, murallas fortificadas y un ejército equipado con rifles de chispa. En esta línea, la serie cuestiona la religión y el pensamiento mágico y defiente la ciencia y la técnica como motores del progreso. Todo esto se lleva a cabo mientras que otros grupos políticos mantienen sus intrigas palaciegas en busca de poder.

   La obra está basada en una popular novela web china escrita por Er Mu, muy aclamada por su meticulosa atención al detalle técnico (aunque con libertades de fantasía). Así, la versión donghua ha sabido capturar la escala épica de los asedios y la química entre los personajes, convirtiéndose en un imán para lo samantes de la estrategia militar y el género de gestión (estilo City Builder).

   En definitiva, Release that Witch es un soplo de aire fresco dentro del saturado mercado isekai. Para quienes disfrutan de las historias donde la inteligencia, la ciencia aplicada, la construcción de civilizaciones y los personajes carismáticos toman el timón por encima del cliché tradicional, este donghua merece un lugar de honor en nuestra lista de pendientes.

Lord of Mysteries

 

La comunidad del anime debe estar más que preparada, dado que hoy nos vamos a sumergir en aguas profundas y misteriosas. Para quienes sienten que los animes de los últimos están un poco estancados o llenos de los mismos tropos de siempre, es hora de que el público cambie la mirada y eche un vistazo hacia el gigante asiático vecino de Japón.

   El día de hoy comenzamos una serie de entradas periódicas sobre el anime chino (donghua) con una de sus series más atractivas de sus últimos tiempos: Lord of Mysteries (Guimi Zhi Zhu), la adaptación animada de la colosal novela web de Cuttlefish That Loves Diving. Producida por el prestigioso estudio B.Cmay Pictures (los mismos detrás de The King’s Avatar), esta serie no es solo un estreno más; es el recordatorio definitivo de que el anime chino ha dejado de jugar en ligas menores.

   Muchos ya están más que hartos de los clásicos isekai coloridos donde los protagonistas reciben poderes absurdos de una diosa generosa, por lo que esta serie le da la vuelta a todo. Aquí conocemos a Zhou Mingrui, un joven de nuestra época que despierta en el cuerpo de Klein Moretti, un estudiante de historia en un mundo alternativo con una marcada estética victoriana y steampunk.

   Uno de los grandes atractivos es el giro oscuro: Klein acaba de “suicidarse” en extrañas circunstancias, y la bala que atravesó su cráneo no dejó rastro. A partir de ahí, se ve envuelto en una trama de sociedades secretas, deidades cósmicas sacadas directamente del horror de Lovecraft, y pociones que otorgan habilidades sobrenaturales llamadas como caminos de los “Beyonders”. Para sobrevivir, Klein decide crear su propia organización haciéndose pasar por un dios antiguo: El Loco (The Fool).

   Si algo hace brillar a este anime es su construcción de mundo (worldbuilding). La trama es densa, compleja y requiere que prestemos atención a los detalles. No nos dan las respuestas masticadas: uno descubre las reglas de la magia y la corrupción mental al mismo tiempo que el protagonista. Asimismo, la atmósfera de la serie es atractiva. Desde un punto de vista visual, el trabajo de B.Cmay Pictures captura a la perfección la neblina, los engranajes y la constante sensación de peligro psicológico. La música y la dirección de arte nos sumergen por completo en este thriller sobrenatural.

   Pero el donghua también se convierte en un reto para el espectador. Al adaptar una novela tan rica e intrincada, el ritmo de los primeros episodios a veces puede sentirse abrumador por la cantidad de nombres, secuencias de cartas del Tarot y mitología propia. Sin embargo, la recompensa cuando las piezas del rompecabezas encajan vale totalmente la pena (No está de más mencionar que la serie cuenta con una miniserie complementaria con breves episodios tipo academia inglesa en donde un profesor, también protagonista de la serie, nos explica la terminología y el universo de la historia).

   Una vez que se disfruta la serie, una pregunta aparece al instante en la mente del espectador: ¿El Donghua está a la altura del anime e incluso lo está superando? Aquí el debate en los foros de discusión se pone interesante. Durante años, la animación china fue ignorada en Occidente debido a barreras de distribución y el abuso de la animación 3D de bajo presupuesto. Pero las cosas han cambado radicalmente. Con proyectos del calibre como el anime que ahora comentamos, la industria de la animación china se posiciona en varios rubros.

   El primero de ellos apunta a mejores presupuestos y producción masiva. Respaldados por empresas colosales como Tencent y Bilibili, las producciones chinas actuales cuentan con inversiones que rivalizan (y a veces superan) a los estudios promedio en Japón. En segunda instancia, mientras que Japón a veces satura el mercado con subgéneros repetitivos, China está exportando historias de fantasía oscura y misterios psicológicos que se sienten completamente nuevos para el público occidental. Asimismo, las alianzas directas con plataformas como Crunchyroll están rompiendo la barrera del idioma, permitiendo lanzamientos simultáneos en todo el mundo.

   Muchos analistas y fans del medio auguran que, si la animación japonesa no mejora las condiciones de sus trabajadores y flexibiliza sus comités de producción, el donghua podría dominar el mercado internacional en la próxima década. Lord of Mysteries es el ejemplo perfecto de ese cambio de paradigma: una obra con calidad cinematográfica capaz de competir con cualquier peso pesado de la industria nipona.

   En definitiva, una gran obra animada y narrativa que no dejará indiferente a ningún fanático de la animación (ya sea japonesa o general). Si ustedes son fans del misterio, la magia oculta y las tramas psicológicas complejas, esta es una recomendación obligatoria. No dejen que el prejuicio de “es un anime chino” los deje fuera: se estarían perdiendo una de las historias mejor escritas de los últimos años.

C – Control: The Money and Soul of Possibility

 

El día de hoy toca reseña de una serie que fue recibida como una joya en su año (2011), pero después de ello nadie se acordó de ella. Para quienes están cansados de los mismos isekais de siempre y buscan animes poco conocidos pero con premisas interesantes, ahora es cuando. Desgraciadamente, la serie que ahora comentamos pasó por debajo del radar de la mayoría del público, pero hoy en día curiosamente se siente más relevante: C – Control: The Money and Soul of Possibility.

   Producida por el reconocido estudio Tatsunoko Production y dirigida por Kenji Nakamura (Mononoke, Gatchman Crowds), este thriller psicológico y financiero nos plantea una pregunta incómoda: Si pudieras salvar tu presente vendiendo tu futuro como garantía, ¿lo harías?

   La historia sigue a Kimimaro Yoga, un estudiante de economía atrapado en la mediocridad de una economía japonesa colapsada. Kimimaro no sueña con ser rico: solo quiere estabilidad a través de un trabajo de oficina y una familia. Sin embargo, su vida cambia cuando un extraño hombre con aspecto de sombrerero loco, llamado Masakaki, lo invita al Distrito Financiero.

   A cambio de una inmensa cantidad de dinero en su cuenta bancaria, Kimimaro debe poner su futuro como garantía y participar una vez por semana en los Deals (Tratos). Dichos tratos son en realidad batallas de alto riesgo donde los participantes, llamados Entrepreneurs o Entres, luchan utilizando sus Assets, manifestaciones físicas de su futuro potencial. Si ganan, acumulan riquezas. Pero si pierden y se quedan en bancarrota, el futuro en el mundo real desaparece: sus hijos nunca nacerán, sus empresas quebrarán y sus propias existencias serán borradas de la memoria de los demás.

   Lo interesante de esta obra no solo son los combates visualmente psicodélicos, sino cómo se utiliza la terminología económica real –como inflación, microeconomía, liquidez y apalancamiento- para construir un sistema de magia donde el dinero es, literalmente, la vida. Además, resulta curioso cómo los gobiernos mundiales admiten que la economía también está basada en el dinero obtenido en las mencionadas batallas.

   A diferencia de los típicos villanos que quieren destruir el mundo por maldad pura, el antagonista principial, Souichirou Mikuni, busca algo trágicamente noble: inyectar dinero al Distrito Financiero para mantener el presente de Japón a flote sin importar que esté devorando las posibilidades de las próximas generaciones. Es un debate más que interesante sobre las crisis económicas reales.

   Nakamura, impregna la serie con su estilo característico. El Distrito Financiero es un lugar surrealista lleno de texturas en 3D, colores chillones y distorsiones visuales que capturan perfectamente la naturaleza artificial e inestable del dinero. Aunque el CGI de 2011 ha envejecido un poco, la dirección de arte compensa cualquier carencia técnica. Dato curioso: El anime se emitió justo después del terremoto y tsunami de Japón en 2011, lo que le dio un peso emocional y social gigantesco a su mensaje sobre la resiliencia y el miedo al mañana.

   Un aspecto a criticar es que la serie es demasiado corta (11 episodios) y no está a la altura de sus grandes ideas y elementos. Dado el corto tiempo, la historia se precipita en algunos puntos y no termina de ser memorable, aspecto que seguramente provocó que fuera olvidada muy rápido.

   En resumen, una serie que vale la pena ser recuperada y disfrutada. Como una serie de economía y psicología que busca romper el molde del anime tradicional, C – Control es una apuesta curiosa para quienes han disfrutado de grandes series clásicas como Death Note, Kaiji o The Tatami Galaxy. Se trata de una obra inteligente, profética y entretenida que pese a que su historia se queda un poco corta, merece salir de la lista de los olvidados.