Moribito, guardián del Espíritu Sagrado

 

Resulta interesante que el anime nos permite explorar la obra de una autora para describir sus ideas y propuestas narrativas. Para esta entrada, me gustaría rescatar la figura de la escritora japonesa Nahoko Uehashi, etnóloga de formación, académica y escritora de libros de fantasía. Una de sus series más interesantes es la de los Guardianes, misma que consta de más de 10 libros y que incluye novelas y colecciones de relatos ubicados en el mismo universo. Así, esta serie ha tenido su adaptación en varias temporadas live action cuyo estreno ocurrió la década anterior. Para el caso que nos ocupa, comentaremos la primera adaptación al anime.

   En primera instancia, si el lector busca un buen anime de fantasía que lo sumerja en un mundo rico y bien construido, lejos de los clichés habituales, entonces está en el lugar indicado. Moribito: Guardián del Espíritu Sagrado (Seirei no Moribito), se presenta como una serie de 2007 que, a pesar de sus años, sigue siendo tan relevante y cautivadora como el día de su estreno, dado que se trata de una historia de aventuras y personajes bien desarrollados.

   Moribito nos presenta a Balsa, una formidable guardaespaldas de lanza errante, una mujer fuerte e independiente que vive bajo el juramento de salvar ocho vidas en penitencia por las ocho que le fueron arrebatadas. De pronto, su camino se cruza con el del príncipe Chagum, a quien la emperatriz pide proteger. El joven príncipe es portador de un espíritu acuático milenario, y su propia familia real lo ha marcado para la muerte creyéndolo poseído por un demonio.

   Lo que sigue a continuación es una increíble odisea de supervivencia, amistad y descubrimiento. La trama se desarrolla con un ritmo pausado pero constante, permitiendo al espectador saborear cada momento y sumergirse por completo en las culturas y los paisajes que Balsa y Chagum atraviesan. No hay villanos unidimensionales aquí; las motivaciones de cada personaje son complejas y creíbles, lo que eleva la narrativa a un nivel superior.

   Uno de los puntos más fuertes de Moribito es, sin lugar a dudas, su protagonista Balsa. Lejos de ser la típica heroína femenina idealizada, resulta ser una mujer adulta, experimentada, pragmática y sumamente capaz. Sus habilidades de combate son impresionantes, pero lo que realmente la define es su estoicismo, su compasión y su inquebrantable sentido del deber. Es un personaje al que es fácil admirar y con el que se puede empatizar profundamente. Para quienes sean amantes de la fantasía épica, Balsa es un soplo de aire fresco y un modelo a seguir.

   El desarrollo de la relación entre la protagonista y Chagum es el corazón de la serie. Ver cómo este niño, mismo que creció en un ambiente real opresivo, florece bajo la protección y el cuidado de Balsa, es uno de los mayores placeres de la serie. Otro punto, también de gran interés, nos lleva a la resolución de conflictos. Mientras que el espectador puede disfrutar muchas escenas de acción y artes marciales, en otras se plantea que el diálogo puede ser poderoso para calmar los ánimos y establecer nuevas alianzas. 

   Producida por Production I. G., la calidad visual de Moribito es excepcional para la época e incluso para los estándares actuales. Los escenarios son increíblemente detallados y transmiten una sensación de inmensidad y realismo. Las secuencias de acción son fluidas y dinámicas, coreografiadas de manera magistral, resaltando la habilidad de Balsa con la lanza sin caer en extravagancias.  

   El diseño de personajes, aunque no es el más estilizado y al que muchos están acostumbrados en el anime moderno, es realista y se ajusta perfectamente al tono de la historia. Cada detalle contribuye a la inmersión en este mundo de fantasía inspirado en culturas de Asia oriental.

   Un aspecto interesante es que la dirección viene de la mano de Kenji Kamiyama, exitoso director contemporáneo que en ese entonces venía de dirigir las dos temporadas de la serie Ghost in the Shell. Su respeto por la obra original a la par del tono casi antropológico con el que se maneja la historia, el contexto cultural y los personajes permite disfrutar de una gran trama dado que los libros de la saga aún no están traducidos al español (aunque los dos primeros lo están al inglés). La riqueza y costumbres del mundo fantástico son delineadas con gran detalle, permitiendo que el espectador conecte con dicho universo.

   En definitiva, Moribito es mucho más que un simple anime de fantasía. Es una obra que explora temas como la maternidad, el sacrificio, el deber y la búsqueda de la identidad. Si aún no la han visto, les recomiendo encarecidamente que le den una oportunidad. Es una serie de anime que perdurará en la memoria del espectador mucho después de haber visto el último episodio.

 

Kokkoku

 

Continuamos con las recomendaciones de animes desconocidos en este blog, series infravaloradas dado que se estrenaron en el momento equivocado pero que fueron después rescatadas del olvido. Así, se trata de historias curiosas e interesantes que se alejan de los clichés generales del temáticas como el shonen de peleas y que ofrecen un entretenimiento satisfactorio si se les da una oportunidad. En esta ocasión, comentamos la serie Tokkoku (2018), una historia que pasó casi desapercibida pero que ofrece una trama singular.

   ¿Alguna vez nos hemos preguntado que pasaría si el tiempo se detuviera para todos… menos para nosotros? Esta es la premisa inicial de esta serie producida por Geno Studio, mismo que nos lanza de cabeza y nos ofrece una experiencia tan única como desconcertante. Como ya se mencionó arriba, si el espectador busca algo más allá de lo convencional, he aquí la sorpresa: debemos sumergirnos en el Stasis, un mundo donde cada segundo cuenta y la supervivencia pende de un hilo.

   La historia sigue a la familia Yukawa, quienes se ven envueltos en un secuestro que podría terminar en tragedia. Pero justo cuando todo parece perdido, el abuelo de Juri (nuestra protagonista) revela un secreto ancestral: la habilidad de entrar al Stasis, un lugar donde el tiempo se detiene por completo. Lo que comienza como un intento desesperado por rescatar a sus seres queridos, pronto se convierte en una lucha por entender y controlar este misterioso poder, mientras una organización oculta, los Heraldos, también persigue los secretos del Stasis.

   La serie brilla por su originalidad. La forma en que explora el concepto de tiempo detenido es fascinante, presentando reglas y criaturas que se sienten frescas y a la vez aterradoras. Visualmente, el anime tiene un estilo distintivo, con personajes que, si bien no son los más atractivos para todos, si encajan con la atmósfera peculiar del anime. La tensión se mantiene a lo largo de 12 episodios más que suficientes, todo ello con giros que nos mantendrán pegados a la pantalla.

   Sin embargo, la complejidad de la trama y la rapidez con la que se introducen nuevos elementos puede ser un arma de doble filo. A veces, la narrativa se siente quizás algo apresurada de acuerdo con algunas opiniones encontradas en la red, dejando algunos cabos sueltos o explicaciones que requieren un poco más de atención para ser digeridas. Pero, sinceramente, esa es parte de su encanto: se trata de una historia que reta al espectador.

   Uno de los aspectos más interesantes es justo el tiempo detenido. Cuando todo el conflicto se da en un atardecer, toda la serie transcurre en ese periodo con luz solar todavía en auge y numerosas sombras dada la inclinación del sol, todo ello ofreciendo un ambiente luminoso por momentos opresivo y hasta aterrador. Así, el anime provoca curiosas reacciones en el espectador, mismo que empieza a comentar lo extraño que es nunca ver la noche y que todos los conflictos ocurran en un ambiente de atardecer. De la misma forma, la simple idea de quedar atrapado en aquel mundo donde todo es estático y nunca anochece puede resultar de pesadilla para cualquier ser humano. Y peor aún: el hecho de observar a miles de personas estáticas en una ciudad que no oscurece y descubrir que uno estaría totalmente solo puede convertirse en una garantía para caer en la locura.

   En definitiva, si el espectador y lector es fan de los animes que hacen pensar, que exploran conceptos sobrenaturales y, asimismo, no temen disfrutar de historias un tanto extrañas, Kokkoku es una parada obligatoria. No es una serie para todos, especialmente para quienes buscan acción pura y sin complicaciones. En cambio, si al espectador le atraen los misterios, el suspenso y las historias con toques fantásticos y atmósferas inquietantes, definitivamente le debería dar una oportunidad. Se trata de una serie sin igual.

   

Devil May Cry (2007)

 

Quien escribe estas líneas no ha jugado el videojuego del mismo nombre que inspira esta serie de anime. No obstante, el tono adulto, oscuro y de acción atrae poderosamente al fanático joven y no tan joven al grado que esta serie merece una pequeña oportunidad pese a estar casi olvidada. Y antes de sentarme a disfrutar de la nueva serie de animación que viene directo de la plataforma Netflix, un buen vistazo a esta obra se presenta como un pequeño aperitivo para los grandes seguidores de los videojuegos originales. Pero entremos de lleno en esta serie y discutamos si vale realmente vale la pena.

   Lo primero que viene la mente es que se trata de una serie corta y episódica que puede ser del gusto de aquellos espectadores que vibran con la acción desenfrenada y el estilo gótico de la saga de videojuegos. De seguro ellos ya estarán al tanto y disfruten ahora de la reciente adaptación. Pero, ¿Qué pasa con la serie de anime de 2007? ¿Se trata de una joya olvidada o una mera introducción antes del plato principal?

   Producida por el renombrado estudio Madhouse, conocido por su impecable animación y adaptaciones fieles, la serie de Devil May Cry (2007) nos presenta una visión episódica de la vida de Dante, un legendario cazador de demonios mitad humano, mitad demonio. A lo largo de sus doce episodios, somos testigos de sus variopintas misiones, enfrentándose a hordas de criaturas infernales mientras mantiene su peculiar sentido del humor y su inconfundible estilo despreocupado.

   Quienes han jugado los videojuegos señalan que la serie captura la esencia de éstos, desde la estética gótica y la acción estilizada hasta la personalidad sarcástica y confiada de Dante. Así, los fans de la franquicia se sentirán como en casa. De la misma forma, siendo Madhouse el estudio detrás de la serie, la animación es fluida y detallada, especialmente en las secuencias de combate. Los diseños de los demonios y los efectos visuales son notables para su época.

   Además de Dante, la serie introduce personajes originales interesantes y recupera caras conocidas como Lady y Trish, aunque con roles quizás menos protagónicos que en los juegos. Por otra parte, la ambientación es consistentemente oscura y misteriosa, creando una atmósfera que complemente perfectamente el universo de Devil May Cry.

   Pero no todos es miel sobre hojuelas. Si bien cada episodio presenta una historia auto conclusiva, la falta de un arco argumental principal y evidente puede hacer que la serie se sienta un poco dispersa y menos inmersiva para algunos espectadores. En esta línea, el desarrollo de los personajes secundarios es escaso, lo que puede ahuyentar a más de un espectador. Y quizás uno de sus puntos menos interesantes es que algunos episodios pueden sentirse más lentos en comparación con la acción frenética que caracteriza a los videojuegos.

  En lo particular, el tono de la serie recuerda e incluso intenta emular a otras series  clásicas como Trigun o Hellsing: justo en éstas historias se presentan peleadores altos, elegantes y por momentos soberbios que a punta de pistola se enfrentan contra demonios, zombies o rufianes del viejo oeste. El estilo de las animaciones y las escenas de peleas son similares, mientras que el estilo episódico reluce frente al espectador y le señala que esto ya se ha visto antes.

   ¿Es necesario ver esta serie de anime antes de disfrutar de la nueva serie de Netflix? Para nada, dado que son productos y estilos completamente distintos. La nueva serie animada tiene su propio estilo y animación, con un alto grado de escenas de acción que dejarán satisfechos a todos los espectadores. Sin embargo, ver la serie que ahora comentamos puede proporcionar una comprensión más profunda del universo de Devil My Cry en caso de que el lector no haya jugado a los videojuegos. Asimismo, proporciona detalles extra  sobre la personalidad de Dante, la dinámica entre los cazadores de demonios y las fuerzas del infierno. Es una manera excelente de sumergirse en el lore y apreciar las diferentes interpretaciones de la franquicia.

   En resumen, la serie de anime de 2007 es una adaptación entretenida y visualmente atractiva que captura la esencia de los videojuegos. Si bien su estructura episódica puede no ser para todos, los fans de la saga apreciarán la fidelidad al material original y la calidad de la animación. Como fans del anime y los juegos de video, se recomienda darle una oportunidad si se quiere expandir el conocimiento del universo de la serie antes de visualizar y disfrutar de la serie animada de 2025, o simplemente para disfrutar de un anime de acción con toques sobrenaturales.

 

 

Otogi Zoshi

 

Hacía mucho que no me encontraba con una serie tan extraña, tan olvidada y que produjera sentimientos encontrados. Como una producción de la que casi nadie se acuerda por completo, su estilo es una muestra de cómo no deben escribirse ciertas historias y aún más: cómo no deben ser adaptados ciertos mangas a la pantalla chica. En este sentido, el presupuesto podría ir hacia mejores obras que aún no han tenido la oportunidad de salir al aire. Pero antes de seguir destripando la calidad de esta historia, lo ideal es entender por qué no funciona del todo.

   Otogi Zoshi juega de una manera un tanto extraña con dos arcos: uno ubicado en el Japón feudal y otro en nuestro presente (en este caso, a principios de los años 2000). La historia inicia transportándonos al periodo Heian, una era envuelta en misterio, leyendas y conflictos armados. Al inicio conocemos a Hikaru, una joven enviada por el Emperador para encontrar el legendario Kotokura, un objeto con el poder de restaurar la vitalidad de la capital nipona, misma que sufre en su conjunto de condiciones de pobreza y hambruna. A lo largo de su viaje, la protagonista se encuentra con una variedad de personajes, tanto humanos como sobrenaturales, y se ve envuelta en intrigas políticas y batallas épicas.

   Pero Hikaru no estará sola. En su camino la acompañarán Tsuna, un leal y poderoso guerrero samurái de gran fuerza y habilidad marcial. Raiko, el hermano mayor de la protagonista, se encuentra muy enfermo y trata de sobrevivir hasta que su hermana regrese. Junto con otros amigos que conocerá en su aventura,  la protagonista deberá enfrentarse a bandidos, señores feudales y otros personajes con sus propios intereses.

   El primer arco justo juega con el género de aventuras. Hikaru y sus amigos deberán recopilar diferentes fragmentos mágicos para así armar el Kotokura, salvar a su país y restablecer el orden. El pesimismo en la historia y las pocas concesiones al espectador ofrecen una historia inmersa en elementos históricos y mitológicos, sobresaliendo la importancia en la historia del yin y yang. Los giros de tuerca de la trama también buscan enganchar al espectador.

   El segundo arco resulta mucho más convencional. Todos los amigos han reencarnado y se han reencontrado en el Japón contemporáneo donde cada uno vive una vida sencilla y cotidiana. No obstante, extraños fenómenos sobrenaturales comenzarán a azotar la ciudad de Tokio y Hikaru, de nueva cuenta, deberá hacer frente al caos para así restaurar el orden y salvar a sus amigos.  

   La animación no ha resistido el paso del tiempo y se muestra limitada y desgastada. Production I. G. se muestra poco inspirado al mostrar que en el momento del estreno de la serie (2005) de seguro los animadores más experimentados se encontraban trabajando en proyectos más grandes y atractivos. Sin embargo, las escenas de batalla son correctas, mientras que la banda sonora, especialmente en su segundo arco, fluye mucho mejor pese a que la historia es mucho más atractiva en su primer arco. Todo esto lleva en general a una serie que si bien hace muchos guiños a la historia de Japón, su trama se presenta poco inspirada y sin momentos cautivantes que permanezcan tiempo después en la mente del espectador.

   En definitiva, una historia argumentalmente compleja pero cuya ejecución y ritmo no están a la altura. Aún así, su ambientación histórica y mitológica la llevan a convertirse en una serie que busca ir más allá de las fórmulas convencionales. Pese a sus numerosos problemas, se trata de una historia de interés para los amantes del seinen y del anime retro con una historia fantástica y de tono épico que busca despegar frente a los ojos del espectador. 

Lonely castle in the mirror

Keiichi Hara es uno de esos directores de anime de rango medio: su fama no es tan desmedida como la de Hayao Miyazaki, Makoto Shinkai o Mamoru Hosoda. Como creador y director, frecuentemente ofrece historias interesantes que incluso tratan temas sociales, aunque el desarrollo de las mismas no siempre es el mejor y muchas se sus tramas se quedan a medias. Cintas como El verano de Coo, Colorful, Miss Hokusai o The Wonderland se presentan como ejemplos de una carrera interesante pero que no ha logrado lanzar a su director a la fama absoluta a lado de los directores ya señalados. Para el caso que nos ocupa, Lonely Castle in the mirror (2022), se presenta como un ejemplo más de esta carrera cinematográfica que se ha quedado un tanto a medias.

   Basada en la novela superventas de Mizuki Tsujimura, la historia nos presenta a Kokoro, una joven que ha dejado de asistir a la escuela debido al acoso de sus compañeras. Muy pronto, la protagonista encuentra en un espejo un portal hacia un castillo solitario en medio del mar que se convertirá en un refugio inesperado. Junto a seis adolescentes con dificultades similares, mismos que son convocados por la Señora Loba, deberá encontrar una llave oculta y así cumplir cualquier deseo que tengan. A medida que exploran las habitaciones laberínticas del castillo y se conocen entre sí, descubriremos que cada joven y jovencita cargan con sus propias penas y secretos. En esta línea, la película explora temas de interés social como el acoso escolar, la salud mental adolescente, la amistad y la superación personal.

   La animación de A-1 Pictures es excelente, dado que ofrece paisajes oníricos y personajes expresivos que transmiten bien sus emociones. La banda sonora, delicada y evocadora, aunque a veces demasiado ruidosa, complementa la atmósfera melancólica y esperanzadora de la historia. En este sentido, no estamos solo ante una cinta con elementos de fantasía, sino en un drama adolescente y un slice of life conmovedor que resuena con las experiencias universales de la inseguridad, el aislamiento y la búsqueda de un lugar al que pertenecer. Así, la película nos invita a reflexionar sobre la importancia de la empatía y la conexión humana.

   Pese a los puntos señalados, la historia presenta una serie de problemáticas que le restan fuerza a la trama. Por una parte, el inicio de la historia resulta un poco torpe y la trama divaga bastante entre explicar al espectador el conflicto central y construir una temática fantástica que resulta al final muy secundaria y poco explorada. Si bien el tema del acoso escolar resulta el mayor logro de la cinta, sus lentos giros y sorpresas tardan demasiado en llegar y son sumamente previsibles. Por otra parte, quienes han leído la novela original señalan que esta adaptación resulta torpe, pobre y falta de inspiración, dado que omite muchos momentos cruciales para los personajes.

   Personalmente, uno de los aspectos más fallidos de la película es su banda sonora. Si bien ésta es orquestal y muy elegante, en realidad no embona con la historia que se está contando, siendo necesario que se utilizase una música mucho más sutil y calmada para acompañar a las emociones de los personajes. En algún momento cercano al final, la orquesta es demasiado estruendosa para un drama adolescente, tratando de reafirmar las emociones del espectador de una manera un tanto tramposa. Así, la falta de sutileza en el desarrollo de personajes se busca suplir con un exceso de sonidos sinfónicos.

   En definitiva, una historia agradable con comentario social y personajes interesantes que harán agradable la tarde de cualquier espectador. No obstante, conforme avanza la historia, la cinta se complica la existencia tratando de mantener una historia coherente empleando algunas trampas para mantener la atención del espectador.

 

 

Devil’s line

 

Entramos de nueva cuenta a las historias de vampiros en territorios urbanos, vampiros jóvenes. Pero en esta ocasión estamos ante una historia que se sale de los clichés de las más famosas historias sobre el tema: amores tóxicos, codependencia y un sinfín de elementos que nos ofrecen ideas equivocadas sobre el amor romántico. Y para explorar el asunto en un tono mucho más realista y reflexivo, Devil’s line (2018) aparece como una sorpresa un tanto ignorada pero cuya trama resulta atractiva.

   La serie nos ubica en un Tokyo moderno donde los vampiros, llamados “demonios”, viven en secreto entre los seres humanos. La historia sigue a Anzai, un mestizo mitad demonio y mitad humano que es un tanto estoico y que trabaja como miembro de una fuerza policial especial que se encarga de crímenes relacionados con demonios. Asimismo, también conocemos a Tsukasa Taira, una estudiante universitaria un tanto inocente que se ve envuelta en un peligroso incidente.

   Lo que comienza como un encuentro casual rápidamente se convierte en una conexión intensa y prohibida. Devil’s line explora la complejidad de su relación, marcada por la sed de sangre de Anzai y el miedo y la creciente atracción de Tsukasa. La tensión entre sus diferentes naturalezas crea un drama fascinante y lleno de suspenso.

   Muchísimos de los animes contemporáneos siempre ofrecen algunos alivios cómicos en los que accidentes con referencias sexuales incomodan a menudo a los protagonistas. A su vez, las series se presentan un tanto mojigatas al mostrar personajes que nunca muestran una mucho más realista tensión sexual. En este sentido, la serie que ahora comentamos se presenta mucho más adulta mostrando protagonistas que no solo se quieren y atraen, sino que como todos nosotros, desean tener sexo con las personas que les gustan. Así, algunas escenas están subidas de tono pero se presentan como más realistas.

   Temas como la segregación social y la xenofobia están puestos a la orden del día. Los demonios tratan de vivir vidas normales pero sus condiciones se convierten en maldiciones que los obligan a matar a otros y poder alimentarse. En esta línea, la sociedad japonesa los persigue y aniquila, exigiendo al gobierno su retiro inmediato. Pese a que algunos grupos buscan reformas para comprender y apoyar a los demonios, la serie muestra que las sociedades modernas les asusta el cambio y antes de comprender al otro prefieren eliminarlo.

   Como fantasía oscura e historia de romance, Devil’s line juega bien sus cartas al mostrar la química y la tensión sexual entre Anzai y Tsukasa, mostrando cómo su relación está llena de obstáculos. La mezcla de lo romántico con elementos oscuros y sobrenaturales es un factor clave en la serie: en esta relación veremos cómo los humanos pueden ser más despiadados que los propios demonios y cómo estos últimos solo buscan una vida normal. Por otra parte, los personajes son complejos y fascinantes. Anzai lucha constantemente contra su lado demoníaco, lo que lo convierte en un protagonista atormentado que lucha contra su baja autoestima. En cambio, Tsukasa evoluciona a lo largo de la historia mostrando valentía y determinación. Los personajes secundarios también están bien desarrollados y aportan profundidad a la trama.

   Pero la serie no se centra únicamente en el romance. Los casos criminales relacionados con demonios y las conspiraciones dentro de la sociedad añaden una dosis constante de acción y misterio. Si bien la trama juega bien con los elementos del thirller, el final de la historia resulta precipitado y poco inspirado, con un falso final agridulce que a la larga resulta mucho más esperanzador que deja demasiados cabos sueltos y algunos personajes desaprovechados. Así, se nota a leguas que la historia se hubiese desenvuelto mejor si se hubieran producido dos temporadas en un lugar de solo una.

   En definitiva, un anime que combina con éxito romance oscuro con acción sobrenatural y suspenso. Para quienes disfrutamos de historias con personajes complejos, relaciones prohibidas y toques de misterio, esta serie funciona muy bien en gran parte de su relato.

 

 

 

 

Junji Ito Collection

 

Llevaba años queriendo explorar la obra de Junji Ito, el gran maestro del terror japonés. Como no leo manga, poco a poco he descubierto algunas de sus adaptaciones al anime o el live action, aunque, a decir verdad, no han sido del todo exitosas. Incluso la reciente miniserie de Uzumaki se vislumbraba como la gran adaptación del autor que todos estaban esperando, pero como ya conocerán historia, solo el primer episodio valió la pena y nos envolvió en la atmósfera opresiva del imaginario de Junji Ito, mientras que el resto de episodios apenas y fueron entretenidos. Y luego de pensarlo mucho, por fin me he animado a disfrutar la serie de 2018 que lleva por título Junji Ito Collection.

   Este anime es una adaptación que recoge algunas de las historias más icónicas del maestro del terror y horror japoneses. Como serie antológica que incluye dos historias por episodio, la producción busca sumergirnos en mundos de pesadilla donde lo grotesco y lo inexplicable se entrelazan tratando de crear una experiencia verdaderamente aterradora. Hay mucho del folclore japonés y formas diferentes de contar historias de terror comparado con el mundo anglosajón. Todo ello ofrece una experiencia interesante para quienes no conocemos las obras originales del autor.

   Pero justo mi experiencia fue sumamente irregular. Sin haber leído los mangas, se nota a primera vista que las historias están un tanto suavizadas en su planteamiento aterrador, faltándoles mucha más contundencia en sus desenlaces. Las tramas son interesantes y la idea de que los personajes están atrapados en pesadillas de las que nunca podrán salir resulta un aspecto sumamente atractivo. Pero los remates de las historias resultan edulcorados y solo el acercamiento al manga permitirá disfrutar por completo cada una de las historias de terror. Asimismo, la animación resulta pobre: si bien estamos con dibujos que recuerdan más al ciudadano japonés promedio, la falta de fluidez se presenta tosca y torpe, restando impacto en las historias.

   A pesar de ello, como fan del terror psicológico he encontrado una serie entretenida y con multitud de ideas e historias independientes, aspecto que permite disfrutar una gran variedad de tramas que Junji Ito tiene para ofrecer. Desde maldiciones que se transmiten a través de fotografías hasta universos paralelos, cada relato tiene su atractivo para explorar la mente del maestro.

   El diseño de personajes resulta hasta cierto punto fiel a los mangas del autor y ofrece en ocasiones atmósferas opresivas e inquietantes que buscan que no nos despeguemos de la pantalla. Aún así, en una búsqueda en la red para conocer la opinión de críticos del anime descubrí muchas reseñas negativas sobre la serie: un punto central es que ésta no logra transmitir completamente el nivel de detalle y el toque visceral de los mangas.

   ¿Entonces vale la pena? Para los más puristas del autor los mangas originales siempre serán la mejor opción para disfrutar la obra del maestro del horror. Pero para quienes somos mucho más entusiastas del anime, la serie ofrece interesantes detalles de la perturbadora imaginación de Junji Ito. Cada episodio ofrece una experiencia única y pese al carácter irregular de la serie, el tono de horror cósmico y el horror corporal más repulsivo resultan sumamente atractivos para el espectador.

  En definitiva, una experiencia imprescindible para los amantes del terror japonés que buscan algo más que sustos. Si bien las historias se sienten suavizadas y la animación no está del todo lograda, esta antología invita a explorar los rincones más oscuros de la mente humana y busca dejarnos con una sensación de inquietud que perdure luego de su visionado.