Curso online: “Aprendemos con ‘El mundo invisible de Hayao Miyazaki'”

 

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Laura Montero Plata, reconocida especialista en manga, anime y cultura japonesa, nos invita a explorar "El mundo invisible de Hayao Miyazaki". A través de este curso online, desvelaremos los secretos detrás de las películas más icónicas del estudio, como "Mi Vecino Totoro", "El Castillo Ambulante" o "La Princesa Mononoke".

¿Qué aprenderás?

• Historia de la animación japonesa: Conoceremos los orígenes del anime y cómo se gestó el fenómeno Studio Ghibli.
• Análisis de la filmografía de Miyazaki: Desentrañaremos los mensajes y simbolismos presentes en cada una de sus películas.
• El legado de Studio Ghibli: Reflexionaremos sobre la importancia de este estudio en la cultura popular y su influencia en la animación mundial.
• Actividades prácticas: Pondremos en práctica nuestros conocimientos a través de análisis fílmicos y debates grupales.

¿Por qué asistir a este curso?

• Aprender de una experta: Laura Montero Plata es una de las mayores conocedoras de la obra de Miyazaki en el mundo de habla hispana.
• Conectar con otros fans: Comparte tu pasión por Studio Ghibli con una comunidad de amantes del anime.
• Ampliar tus conocimientos: Descubre nuevos detalles y perspectivas sobre tus películas favoritas.

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Isao Takahata: El olvidado maestro de la animación japonesa

 

Isao Takahata, cofundador de Studio Ghibli junto a Hayao Miyazaki, es un nombre que a menudo se eclipsa por la popularidad de su compañero. Sin embargo, su legado en la animación japonesa es innegable. Con una sensibilidad única para contar historias conmovedoras y realistas, Takahata ha dejado una huella imborrable en el mundo del anime. En esta entrada exploraremos su carrera, tanto antes como después de Studio Ghibli, y analizaremos por qué su figura ha sido a menudo invisibilizada.

Antes de Ghibli: Los inicios de un maestro

Hablar del Studio Ghibli siempre implica hablar de Hayao Miyazaki. Pero siempre se nos olvida que hubo otras dos mentes maestras detrás del estudio: Toshio Suzuki, quien fuera presidente de Ghibli e Isao Takahata, el otro gran director del estudio. Los tres empezaron en la década de los 60 en lo que hoy conocemos como Toei Animation como animadores y trabajadores de la recién estrenada industria de la animación japonesa. En especial, Miyazaki y Takahata siempre fueron buenos colaboradores y amigos, participando en toda clase de proyectos. 

   Hay que señalar que Takahata inició como director antes que Miyazaki, aunque este último siempre participó como animador en sus películas y series. La primera colaboración importante de ambos fue Las aventuras de Horus, Príncipe del sol, donde Takahata dirige y Miyazaki se convierte en un animador principal. Con el tiempo vendrían otros proyectos de como Las aventuras de Panda y sus Amigos, o la  muy recordada Heidi, en donde justo Takahata sigue como director mientras que Miyazaki se convierte en uno de los animadores principales. Pero hartos del enfoque comercial de los estudios, los amigos se lanzaron a fundar su propio estudio.

La era de Ghibli: Colaboración y contraste

La asociación de Takahata con Miyazaki en Studio Ghibli dio lugar a algunas de las películas de animación más aclamadas de todos los tiempos. Títulos como La tumba de las luciérnagas, Recuerdos del ayer y Pompoko muestran la sensibilidad de Takahata para abordar temas complejos y emocionales, a menudo en contraste con el enfoque más aventurero de Miyazaki.

   A pesar de su talento y su importante contribución al mundo del anime, Takahata ha sido a menudo eclipsado por la figura de Miyazaki. Esto se debe en parte a la personalidad carismática de de este último y a la popularidad de sus películas. Sin embargo, es importante reconocer a ambos directores y valorar las diferentes visiones que aportaron a Studio Ghibli.

   Hay que señalar que el estilo de Takahata siempre fue más experimental y mucho menos comercial que el de Miyazaki, al mismo tiempo que el director que ahora comentamos se enfocaba más en el realismo a diferencia de las tramas fantásticas de su gran amigo. Incluso los personajes femeninos de Takahata eran mucho más elaborados que los de Miyazaki, ofreciendo interesantes reflexiones sobre las dificultades que deben enfrentar en sus sociedades.

   Así pues, para conocer y revalidar a una gran figura como Isao Takahata, aquí recomendamos algunas de sus mejores películas en el Studio Ghibli.

La tumba de las luciérnagas

Un conmovedor relato sobre la supervivencia de dos hermanos huérfanos durante los bombardeos de Japón en la Segunda Guerra Mundial. A través de sus ojos inocentes, presenciamos las duras realidades de la guerra y el valor de la familia. Una obra maestra del anime que nos dejará con el corazón roto. La película explora temas profundos como la pérdida, el hambre y la inocencia perdida, todo ello envuelto en una animación exquisita. Es una experiencia visual y emocionalmente intensa.

   Hay que señalar que no conozco a nadie que haya visto la película sin al menos derramar una lágrima. Su mensaje pacifista junto con su trágica y dura historia la lleva a convertirse en un clásico de la animación mundial de la década de los 80.

Recuerdos del ayer / Only Yesterday

Una mujer de 27 años "viaja" al pasado para revivir sus recuerdos de la infancia y adolescencia. A través de sus vivencias, reflexiona sobre la vida, el amor y los cambios que experimentamos con el paso del tiempo. Una película introspectiva y nostálgica que nos hará reflexionar sobre nuestros propios recuerdos. La animación es sencilla pero efectiva, y la banda sonora es simplemente perfecta.

   Uno de los aspectos más interesantes de la cinta es la nostalgia. La mujer no para de recordar su etapa en la educación primaria y todas sus vivencias como forma de lidiar con su presente. Confundida con su vida, abandona la ciudad para ir al campo para replantearse sus circunstancias. El mensaje de la historia plasmado en su final metafórico es claro: el pasado es muy bello, pero hay que dejarlo ir.

Pompoko

Se trata de una película animada que combina humor y ecologismo de una manera única. Dirigida por Isao Takahata, este film nos sumerge en el mundo de los tanukis, unos mapaches japoneses con la capacidad de transformarse en diferentes objetos. La trama se centra en la lucha de estas adorables criaturas por proteger su bosque ancestral de la expansión urbana.

   Takahata utiliza la animación tradicional para crear un mundo lleno de vida y encanto, donde los tanukis se transforman en todo tipo de cosas, desde árboles gigantes hasta vehículos. La película es una alegoría sobre la relación entre el hombre y la naturaleza, y cómo el progreso a menudo conlleva la destrucción de los ecosistemas. Con un humor irreverente y un mensaje profundo, Pompoko es una película que tanto niños como adultos pueden disfrutar. La película nos invita a reflexionar sobre nuestro impacto en el medio ambiente y la importancia de preservar los espacios naturales.

   Un último aspecto a resaltar es que la cinta tiene mucha participación de Hayao Miyazaki, especialmente en el tema ecologista. Del mismo modo, su riqueza con la mitología y el folclore japoneses la hacen una película muy especial. Incluso deberíamos hablar casi de una codirección entre ambos cineastas.

 

Mis vecinos los Yamada 

 

Una cálida y realista película que retrata la vida cotidiana de una familia japonesa de clase media durante los 90. A través de pequeñas anécdotas y momentos cotidianos, exploramos los vínculos familiares y los desafíos de la vida moderna. Una película que nos hará sonreír y emocionarnos. La animación es sencilla pero encantadora, y los personajes son tan reales que te sentirás como si los conocieras de toda la vida.

   Plasmada en pantalla como si fuera un manga (o incluso un cómic muy al estilo de Mafalda), la historia nos ofrece pequeños segmentos de la familia Yamada en donde se explora la vida cotidiana japonesa a la par de su historia y folclore. Fue casi un desastre financiero para el estudio, lo que llevó a Takahata a retirarse de la dirección durante muchos años.

El cuento de la princesa Kaguya 

 

Basada en un cuento popular japonés, esta película narra la historia de una princesa que nace de un brote de bambú. A medida que crece, debe enfrentar los desafíos de la vida en la corte y la pérdida de su inocencia. Una obra de arte visual que combina la animación tradicional japonesa con técnicas modernas. La historia es a la vez mágica y realista, explorando temas como la belleza, la mortalidad y la búsqueda de la felicidad.

   Se trata de la última película de su director, una cinta preciosista en la cúspide creativa de Takahata. La situación de la mujer en el Japón antiguo, las delirantes y endurecidas costumbres de los japoneses, así como el tono más mitológico y fantástico de la cinta nos llevan a la despedida de uno de los grandes maestros de la animación japonesa.

La Tortuga Roja

Ofrecemos de pilón una cinta animada de origen franco-belga en la que Takahata también participó. Se trata de una experiencia cinematográfica única que nos sumerge en un mundo de introspección y belleza visual. Dirigida por Michaël Dudok de Wit, con la participación de Isao Takahata como director de animación, esta película sin diálogos nos cuenta la historia de un náufrago que lucha por sobrevivir en una isla desierta.

   La animación tradicional, con su delicadeza y atención al detalle, crea un mundo onírico y lleno de simbolismo. La presencia de una misteriosa tortuga roja, que se convierte en el eje central de la trama, añade un elemento mágico y enigmático a la historia. A través de imágenes poderosas y una banda sonora hipnótica, La Tortuga Roja explora temas universales como la soledad, la supervivencia, la naturaleza y la búsqueda de un propósito. Es una película que invita a la reflexión y a conectar con nuestras emociones más profundas. La influencia de Takahata en la animación es evidente en cada fotograma, aportando una sensibilidad y una profundidad que hacen de esta película una obra maestra del cine de animación.

   Isao Takahata, que falleció en 2018, fue un gran maestro de la animación japonesa cuya obra merece ser reconocida y celebrada. Su capacidad para contar historias conmovedoras y realistas, combinada con su ojo para el detalle, lo convierten en uno de los directores de anime más importantes de todos los tiempos. Al explorar su carrera, tanto antes como después de Studio Ghibli, podemos apreciar la diversidad de su talento y su impacto duradero en el mundo del anime.

 

 

NieR:Automata Ver1.1a Part 2

 

Nos encontramos en una época en donde segundas partes estás resultando sumamente atractivas y mejores que sus antecesoras, ya sea en el cine, los libros y por supuesto en el Anime. Especialmente, las adaptaciones de videojuegos están rompiendo su maldición: de ser frecuentemente fiascos, ahora hay mucho más cuidado en contar buenas historias. Y todo ello se ve en la serie que hoy comentamos.

   Hay que recordar que la serie NieR: Automata Ver1.1a  es una adaptación animada del popular videojuego de acción y rol NieR: Automata, desarrollado por PlatinumGames y publicado por Square Enix en 2017. La serie fue producida por el estudio de animación A -1 Pictures y se estrenó en Japón en octubre de 2023.

   La trama de la serie sigue a los androides 2B, 9S y A2 en su lucha contra la tecnología de la raza extraterrestre de las máquinas, que han invadido la Tierra y exterminado a la humanidad. La historia se desarrolla en un mundo post-apocalíptico y se centra en la relación entre los tres personajes principales y su lucha por la supervivencia y la identidad.

   La primera temporada sufrió de muchos problemas de producción y los primeros visionados por parte de los fanáticos del videojuego original no fueron muy agradables. Se cuestionó el uso de un muy poco elaborado CGI a la par de una trama que no lograba despegar completamente. No obstante, los errores se convierten en aprendizaje y las cosas han mejorado de manera notoria.

   En cambio, la segunda temporada de la serie ha sido muy bien recibida por los fans del videojuego y por la crítica especializada. Uno de los aspectos más destacables es su calidad visual mejorada, con un diseño de personajes y entornos muy detallados y realistas. Además, la serie cuenta con una banda sonora impresionante, que incluye temas del videojuego original y nuevas composiciones.

  Otro aspecto destacable de la serie es su profundidad y complejidad en la trama, que aborda temas como la identidad, la existencia, la moralidad y la naturaleza de la humanidad. La serie es capaz de mantener al espectador en vilo hasta el final, con giros argumentales inesperados y emocionantes.

   En esta segunda temporada se han conseguido atmósferas visuales y sonoras muy interesantes, resaltando la humanización de las IAs en medio de un mundo devastado y vacío. Asimismo, la idea de una pandemia digital que azota a robots y androides debido a un virus informático resulta interesante y relevante para reflexionar sobre los sucesos que hemos vivido durante los primeros años de esta década: especialmente, nuestro enfrentamiento al COVID-19 y al despegue de la inteligencia artificial.

   En resumen, NieR: Automata Ver1.1a Part 2 es una segunda temporada muy mejorada y de alta calidad que ofrece una experiencia emocionante y profunda para los fans del género de la ciencia ficción y la acción. Si eres fan del videojuego original o simplemente buscas una serie de animación con una trama compleja y bien desarrollada, esta serie es una excelente opción.

 

Tren al fin del mundo - Shuumatsu Train Doko e Iku?

 

Continuamos recordando algunas de las series de anime más interesantes y menos conocidas del año 2024. Como habrán leído en este blog, quien escribe busca rescatar algunas series interesantes olvidadas por el público. ¿Qué por qué son ignoradas? Una razón es que algunas series vienen con una gigantesca campaña de marketing y utilicen fórmulas ya probadas para desbordar el éxito de sus respectivas temporadas. En otra ocasión, el fandom mismo es el que se encarga de realzar algunas producciones e ignorar otras. Así pues, en esta ocasión reseñamos una pequeña serie en su momento muy recomendada por el mismísimo Hideo Kojima.

   En un mundo post-apocalíptico donde la realidad ha sido deformada por el desastroso lanzamiento de una red celular 7G experimental, la serie de anime que ahora comentamos cuenta la historia de Shizuru Chikura, una joven estudiante que se embarca en una peligrosa aventura para encontrar a su amiga desaparecida, Yoka Nakatomi.

   La trama se desarrolla en un Japón devastado, donde la civilización ha colapsado y ha quedado reducido a asentamientos dispersos y aislados. El Incidente 7G ha creado fenómenos extraños y ha afectado a la población superviviente de varias maneras, como transformar a los residentes de Agano en animales inteligentes una vez que cumplen 21 años. En este contexto, Shizuru y sus amigas deciden tomar un tren de pasajeros abandonado para seguir la línea ferroviaria hasta Ikebukuro, donde creen que se encuentra Yoka.

   La serie, producida por Kadokawa Corporation y animada por el estudio EMT Squared, se estrenó el 1 de abril de 2024 en Japón y ha sido licenciada por Crunchyroll fuera de Asia.  Con una sinopsis que promete emoción y misterio, Tren al fin del mundo ha llamado la atención de muchos de los fans del género de aventuras y ciencia ficción. La animación es de alta calidad, con detalles cuidados y un diseño de personajes muy logrado. La música, compuesta por Miho Tsujibayashi, es otro de los puntos fuertes de la serie, creando una atmósfera de tensión y emoción que se ajusta perfectamente a la historia.

   En cuanto a los personajes, Shizuru es una protagonista carismática y valiente, que está dispuesta a arriesgarlo todo por encontrar a su amiga. El resto de personajes también están bien desarrollados, con personalidades y motivaciones propias que les dan profundidad y credibilidad. De nueva cuenta, se trata de una historia sobre pequeñas muñecas en una aventura por un mundo post-apocalíptico surreal y deformado en el que cada aldea a la que llegan las chicas presenta alguna situación absurda y por momentos hilarante: desde una ciudad en donde una chica normal es la reina absoluta de un imperio de zombies, campos en donde las verduras han cobrado vida de forma enloquecida, hasta una ciudad que reproduce exactamente un manga que las chicas leyeron cuando eran más pequeñas.

   Así, el mundo onírico y absurdo que la serie nos presenta puede que no sea del agrado de todo fanático al anime, pero si se le da una oportunidad, el espectador descubrirá un gran despliegue imaginativo en cada ciudad que las protagonistas visitan. Puede incluso que llegue el momento en que quien disfruta de la serie esté atento a que nueva ciudad llena de locura llegarán las chicas, qué mundo absurdo e irreal se encontrarán y cómo se las ingenierán para salir de los aprietos.

   En resumen, Tren al fin del mundo - Shuumatsu Train Doko e Iku? es una serie de anime emocionante y misteriosa que nos sumerge en un mundo post-apocalíptico lleno de peligros y sorpresas. Con una animación de alta calidad y una banda sonora impresionante, esta serie es una excelente opción para los fans del género de aventuras y ciencia ficción. En este sentido, se trata de una de las mejores series de 2024 (ve mi lista) para disfrutar en una tarde agradable.

 

Makoto Shinkai: El Pintor de Sueños Animados

 

Makoto Shinkai es un nombre sinónimo de belleza visual y narrativa conmovedora en el mundo del anime. Sus películas, con sus paisajes urbanos bañados en luz y sus historias de amor que trascienden el tiempo y el espacio, han cautivado a millones de espectadores en todo el mundo. Si eres un amante del anime y aún no has explorado su obra, visionar y disfrutar sus películas puede embarcar a cualquier fanático en un viaje inolvidable.

   El director que ahora comentamos juega mucho tanto con los amores imposibles como con la nostalgia. El paso del tiempo, la melancolía por que alguna vez fue, así como el tono artesanal de buena parte de sus películas conforman su sello distintivo. Un aspecto sumamente curioso es que Shinkai inició animando cortometrajes por su propia cuenta y poniendo las voces de los personajes en compañía de su pareja. Con el tiempo, los estudios empezaron a fijarse en su trabajo y comenzaron a invertir amplios presupuestos para que sus producciones fueran cada vez de mayor calidad. Así pues, a continuación comentamos algunas de sus mejores películas.

 

Your Name / Kimi no Na wa

Probablemente la película más famosa de Shinkai, Your Name nos transportará a un mundo donde dos adolescentes intercambian cuerpos. A través de sus vidas entrelazadas, exploraremos temas como el destino, la conexión humana y la importancia de los recuerdos.

   Hay que mencionar que sus anteriores películas tenían un tono mucho más artesanal o de autor, mientras que esta cinta lanza a su director a través de los éxitos en taquilla más aclamados. A su vez, es su primera película con un final feliz, por lo que finaliza su época más autoral para iniciar su etapa actual que apunta a las grandes producciones.

 

El Tiempo Contigo / Tenki no Ko

En esta emotiva historia, un joven fugitivo de Tokio se encuentra con una chica que tiene el poder de manipular el clima. Juntos, desafiarán las leyes de la naturaleza y se enfrentarán a las consecuencias de sus acciones. Romance, aventuras citadinas y una fantasía romántica juvenil cuya banda sonora pone en todo lo alto a su autor.

   Si bien esta cinta fue diseñada para repetir el éxito de su predecesora ya mencionada arriba, quizás no es tan entrañable y se extravía en su propio planteamiento de fantasía urbana. No obstante, no dejará decepcionados a los fanáticos incondicionales de Makoto Shinkai.

 

5 Centímetros por Segundo / Byōsoku 5 Centimeter

Esta conmovedora trilogía de cortometrajes encadenados que explora la fragilidad del amor a distancia a través de tres viñetas que abarcan la infancia, la adolescencia y la edad adulta. La animación de Shinkai brilla especialmente en esta película, capturando la belleza efímera de los momentos fugaces.

   Estamos ante la etapa más autoral y artesanal del director, con una animación preciosista que explora los amores imposibles tan característicos de su autor. No está de más mencionar que esta cinta lo lanzó a la fama nacional e internacional logrando que grandes estudios cada vez pusieran más interés en sus películas.

 

Viaje a Agartha / Hoshi wo Ou Kodomo

 

Se trata de una obra imprescindible en la filmografía de Makoto Shinkai. En esta película, el director nos sumerge en un mundo de fantasía y aventura, explorando temas como la pérdida, la búsqueda de identidad y la conexión con el mundo espiritual. Asuna, la protagonista, emprende un viaje a Agartha, una dimensión paralela, en busca de su padre y del misterioso joven que la salvó de un monstruo. En esta aventura, descubrirá la importancia de la vida y aprenderá a aceptar la muerte. La película destaca por su animación fluida, su banda sonora envolvente y su trama conmovedora, que combina elementos de la mitología y la ciencia ficción.

   Con frecuencia se ha sugerido que Shinkai es el sucesor de Hayao Miyazaki y esta cinta presenta el intento de su autor por transportarnos a mundos de fantasía muy al estilo del Studio Ghibli. No obstante, su trama por momentos se desinfla y muestra que Shinkai no está del todo cómodo con el género de la alta fantasía. En este sentido, se trata de un autor con un estilo y temáticas muy diferentes a Miyazaki, por lo que mejor deberíamos hablar de que su forma de hacer cine busca caminos propios y distintos.

 

 
El Jardín de las Palabras / Kotonoha no Niwa

Un joven estudiante de secundaria se encuentra con una misteriosa mujer en un jardín durante los días lluviosos. A través de sus encuentros, ambos encontrarán consuelo y una nueva perspectiva sobre la vida. El joven es un aprendiz de zapatero mientras que la mujer es una profesora de educación media superior. Sus encuentros traerán una serie de conflictos y tabúes cuando nos enteremos de que el joven es menor de edad y bien podría ser alumno de la profesora.

   En apenas una hora de duración, este mediometraje preciosista y artesanal de nueva cuenta nos transporta por una historia de amor imposible, por las imposiciones sociales y culturales, así como por la nostalgia y melancolía de lo que no pudo ser debido a la diferencia de edades.

 

Suzume

La última obra maestra de Shinkai, Suzume nos presenta a una joven que debe cerrar unas puertas sobrenaturales en todo Japón para evitar que desastres naturales asolen el país. Con una animación vibrante y una historia épica, la película es una adición imprescindible a la filmografía de Shinkai.

   Si bien su amplio presupuesto y producción nos transportan a una historia fantástica digna de ser vista por cualquier fanático o fanática del director, el tono más aventurero no está a la altura de cintas anteriores del director, mas dejará extasiado a cualquier seguidor incondicional de Shinkai.

 

La Magia de la música en las películas de Shinkai

Uno de los elementos que más destaca en las películas de Makoto Shinkai es su banda sonora. La música, compuesta a menudo por artistas como RADWIMPS, se integra a la perfección con la animación, creando una atmósfera única y emotiva. ¿Pero qué hace que la música de Shinkai sea tan especial? Veámoslo en los siguientes puntos:

Sincronía perfecta: La música y la imagen están tan estrechamente vinculadas que a veces parece que una nace de la otra. Los acordes, las melodías y los ritmos se adaptan a cada escena, potenciando las emociones y los momentos clave de la historia.

Melodías inolvidables: Las canciones de Shinkai suelen ser pegadizas y memorables, quedándose grabadas en la mente del espectador mucho después de haber visto la película.

Atmósferas oníricas: La música contribuye a crear atmósferas oníricas y evocadoras, transportando al espectador a mundos fantásticos y llenos de magia.

Reflejo de las emociones: La banda sonora refleja a la perfección las emociones de los personajes, amplificando la tristeza, la alegría, la nostalgia, la melancolía y la esperanza.

   La música de Shinkai no solo acompaña a la historia, sino que la enriquece, dándole una dimensión emocional y sensorial adicional. Es un elemento fundamental que contribuye a hacer de sus películas una experiencia única e inolvidable, potenciándose como algunas de las mejores bandas sonoras que ha dado el anime en el siglo XXI.

   La clave está en la estrecha colaboración entre el director y los compositores. Shinkai suele trabajar con los músicos desde las primeras etapas de la producción, lo que permite que la música se integre de manera orgánica en la historia. Además, tanto la música como la animación comparten un lenguaje visual y emocional que facilita su sincronización.

   Las películas de Makoto Shinkai son una verdadera obra de arte, donde la animación, la música y la narrativa se combinan para crear experiencias cinematográficas únicas. Si aún no has explorado su universo, quien escribe te invita a sumergirte en sus mundos oníricos y a dejarte llevar por la magia de sus historias.

   

Yuki Kajiura, bandas sonoras y anime

Yuki Kajiura es una de las compositoras más queridas y cotizadas en el anime contemporáneo. Ingeniera en computación de profesión, Kajiura-san vivió muchos años en Alemania debido al trabajo de su padre, por lo que pudo desarrollar su gusto por la música mientras exploraba nuevos estilos en Europa. Ha trabajado en comerciales, obras de teatro, videojuegos y especialmente haciendo bandas sonoras de anime. Desde trabajar para directores como Takeshi Kitano, hasta alcanzar el éxito en el J-pop con sus dos grandes bandas: Fictionjunction y Kalafina, la compositora que hoy comentamos ofrece un toque único a los animes que llevan su registro musical.

  Su versatilidad llama poderosamente la atención al jugar con música barroca, electrónica, jazz, rock progresivo y un largo etcétera. Su estilo juega con voces femeninas operísticas mientras que los violines acompañan las piezas interpretadas por grandes músicos de la escena contemporánea japonesa, ya sean aquellos que hacen música de cámara hasta cantantes de alto octanaje como Aimer. Su música suena como el sonido de los ángeles y se adapta muy bien en historias con un marcado componente fantástico.

   Así pues, a continuación comentaremos algunas de las obras más relevantes de reciente factura, dejando de lado obras de la década de los 90s o los 2000s para otra ocasión, dado que 30 años de carrera de Kajiura-san requerirían varias entradas.

 

Puella Magi Madoka Magica

Se cuenta que el guionista Gen Urobuchi exigió que Yuki Kajiura fuera la compositora de la banda sonora de esta serie (y sus posteriores películas). En esta historia se deconstruye la figura de la chica mágica en un ambiente de fantasía oscura, viajes en el tiempo y planteamientos filosóficos. Su animación experimental proveniente del estudio Shaft aunado a la magistral dirección de Akiyuki Shinbo (director de la conocida Bakemonogatari y sus numerosas secuelas y precuelas) ofrecen una de las mejores series de la década pasada (2011-2020).

   El thriller psicológico se agrega a la historia mientras que la banda sonora nos transporta a los eventos fantásticos que tan duramente están experimentando las protagonistas. Todo ello nos lleva a una de las obras maestras del anime de este siglo  para disfrutarse en un buen maratón.

 

Fate/Zero

Otro de los grandes animes de la década anterior, en este caso una gran precuela del famoso Fate/stay night aparece en escena como una gran serie que ofrece un tono mucho más oscuro y adulto. La cuarta lucha por el Santo Grial y los planteamientos filosóficos, de nueva cuenta puestos en la mesa por el guionista Gen Urobuchi, nos hablan del mal, la moral y la ambición.

   Kajiura-san ofrece una banda sonora en el género en el que mejor se desarrolla: la fantasía urbana.  Los sonidos de violines, los cánticos oscuros de Fictionjunction así como las canciones de Kalafina le agregan a la historia una complejidad adictiva que mantendrá a los fanáticos al borde del asiento.

 

Sword Art Online

Uno de los isekais por excelencia en el que sus protagonistas quedan atrapados en mundos virtuales de fantasía y ciencia ficción. Las batallas y los súper poderes llevan al espectador a un mundo shonen en donde la aventura y el heroísmo juvenil están puestos sobre la mesa. Quizás los arcos de su segunda temporada son bastante endebles, aunque sus historias posteriores recuperan el tono épico de los inicios de la serie.

   En esta historia, la compositora en cuestión juega con un estilo musical heroico que nos recuerda a los mitos artúricos. La experimentación con violines y sintetizadores refuerzan el efecto de las aventuras y las batallas, maravillando a millones de fan que esta serie tiene en todo el mundo.

 

Erased

Una historia clásica en la literatura pero novedosa en la animación japonesa: ¿qué pasaría si volvieras a la época en que tenías 8 años de edad pero conservaras tus recuerdos de adulto? Los viajes en el tiempo y el misterio de varios asesinatos de niños en etapa escolar nos transportan por una premisa atractiva que no dejará a nadie indiferente. Si bien su final resulta fallido, el desarrollo del resto de la trama se mantiene durante la mayor parte de tiempo.

   En cuanto a la música se refiere, la banda sonora es mucho más ambiental pero refuerza el aspecto fantástico de la historia. No obstante, estamos lejos de las mejores obras de su compositora.

 

Princess Principal

Steampunk, espionaje y protagonistas femeninas atractivas nos transportan a esta serie cuya continuación en formato de películas aún sigue pendiente para terminar la historia. Las protagonistas son estudiantes en un mundo con estética victoriana, pero en realidad cada una tiene una habilidad que será útil para resolver los diferentes casos así como la conspiración principal. Acción y ciencia ficción delirante le esperan a cualquier fan del medio que le dé una oportunidad.

   Kajiura-san juega con una banda sonora que suena como a casa de muñecas (sus protagonistas justo son como pequeñas muñecas que salen bien paradas frente a cada situación). Los violines y los cánticos siguen retumbando en el oído del espectador, mientras que su opening nos introduce a una historia de acción alocada pero sumamente entretenida.

  

Kimetsu no yaiba / Demon Slayer

Uno de los shonen más aclamados en la actualidad especialmente por su magistral animación. Ubicado en el contexto de la era Meiji, y con fuertes referencias a la mitología japonesa, esta serie se luce especialmente por su tono de acción, aventura y batallas en un universo de fantasía oscura. Pese a que el humor es exagerado y por momentos innecesario en su gran mayoría, el tono épico de la historia se mantiene en todo momento.

   Yuki Kajiura juega no solo con música electrónica y con sus violines de siempre, sino que aprovecha instrumentos clásicos japoneses para envolver al espectador en la historia de Japón. Por momentos la ambientación musical es sumamente atmosférica y relajante, mientras que lo electrónico se luce en el paroxismo de las peleas y las técnicas que utilizan los héroes para derrotar a los villanos.

 

Yatagarasu

 

Finalizamos el 2024 con una de las series más interesantes y menos reseñadas del año: Yatagarasu. Para quienes sean otakus consagrados y busquen una serie de anime para un público mucho más adulto, esta serie de fantasía se presenta como una pequeña sorpresa que conjuga elementos tanto del Japón feudal como de la China milenaria.

   Nos ubicamos en un mundo fantástico en el que las personas pueden convertirse en cuervos gigantes de tres patas y viceversa. En este mundo con pequeños toques fantásticos, Yukiya es un joven astuto e intrépido que es obligado por su familia a ser asistente del príncipe heredero Wakamiya. Yukiya decide quedarse un año al servicio del príncipe mientras va descubriendo que su estancia en la corte imperial no es ninguna coincidencia, debiendo enfrentar toda clase de peligros y amenazas.

   Aquel reino está compuesto por una ciudad central en la que se localiza la sede imperial, así como cuatro reinos por cada uno de los puntos cardinales. Al inicio de la historia, el espectador descubre que cada reino periférico ha enviado una candidata para ser elegida como emperatriz. Mientras vamos conociendo a cada una de las posibles consortes del futuro emperador, las luchas internas de poder y las amenazas de muerte al príncipe llevarán la historia rumbo a un drama político y detectivesco en el que el propio heredero, en compañía de sus escasos seguidores, deberá sacar a la luz las conspiraciones en su contra.

   Las primeras impresiones al disfrutar la serie recuerdan la reciente y exitosa serie de Shogun (2024), especialmente por las conspiraciones dentro de los pasillos del poder. No obstante, la serie que ahora comentamos toma distancia en su tono de misterio, mostrando giros inesperados en donde enemigos aparentes en realidad son aliados cercanos, todo ello se desarrolla mientras los crímenes y las mentes maestras detrás se van desvelando a lo largo de la historia.

   Ya decíamos que el tono detectivesco de la serie mantiene la atención y el interés del espectador. Y es que justo el príncipe Wakamiya es una especie de Sherlock Holmes que debe estar atento a los posibles atentados en su contra, mientras que Yukiya es un Watson neurótico que salva varias veces la vida del heredero. Con respecto a este joven asistente, su carácter se muestra como un sirviente valeroso y fiel y como la única voz decidida a confrontar al príncipe y señalar los posibles riesgos de sus actividades.

   Con 20 episodios en su haber, Yatagarasu adapta tres novelas ligeras y los dos primeros arcos de su serie de diez novelas. El segundo arco tiene un tono diferente al del drama político y se centra más en un peligro inminente para el universo en el que se desarrolla la historia. Los secretos escondidos en los escenarios con estética chino-japonesa, así como el verdadero origen del mundo fantástico y los cuervos gigantes de tres patas le ofrecen un giro interesante y adictivo a una serie en donde las revelaciones se van mostrando poco a poco.

   Así pues, Yatagarasu se presenta como una de las mejores series de 2024, que si bien no desborda el año ni enloquecerá al grueso de los fanáticos del anime, su visionado resultará en una pequeña gran sorpresa para un público joven y adulto.