Tsubasa Chronicle

 

En este blog continuamos hablando de un gran director con una visión única: Koichi Mashimo. Ya en otras entradas hemos comentado su estilo pausado y reflexivo, aspecto que no siempre será del gusto del grueso de los fans del anime. Aún así, vale la pena recuperar sus obras y disfruar de un anime de autor como ya no tenemos hoy en día. No está de más mencionar que fue quizás el director que potenció la carrera de Yuki Kajiura, una de las mejores compositoras del anime contemporáneo. 

   Sumergirse en el universo de Tsubasa: Reservoir Chronicle es aceptar un boleto de ida a un multiverso donde los hilos del destino, los sacrificios dolorosos y la memoria son los verdaderos protagonistas. Publicada originalmente en el manga por el legendario cuarteto Clamp, esta obra se convirtió en un fenómeno de culto a mediados de los 2000. Sin embargo, su salto a la pequeña pantalla de la mano del estudio Bee Train dejó luces y sombras memorables.

    A continuación, comentamos a fondo la adaptación televisiva, sus infames arcos de relleno, la genial dirección de Koichi Mashimo, la legendaria banda sonora de Yuki Kajiura y el motivo por el cual la historia que vimos en televisión quedó a medias frente a la brutal maestría de sus OVAs.

 

La Magia del Multiverso de Clamp y la Premisa Original

La historia arranca con un planteamiento tan sencillo como devastador: Syaoran, un joven arqueólogo, y la Princesa Sakura del reino de Celes comparten un amor profundo pero no correspondido. Durante un atentado político, los recuerdos de Sakura se fragmentan en miles de plumas con forma de pluma de ave que se dispersan en distintas dimensiones. Para salvarle la vida, ambos deben viajar a través de mundos paralelos guiados por la bruja dimensional Yūko Ichihara, acompañados por el misterioso mago Fai D. Flourite y el estoico ninja Kurogane.

   Lo que hace brillante al manga de Clamp es cómo utiliza este viaje dimensional para integrar un crossover masivo con sus propias obras anteriores (Cardcaptor Sakura, xxxHolic, X/1999, Tokyo Babylon). Lejos de ser un simple recurso de nostalgia o fan service, cada versión alternativa de personajes clásicos juega un papel causal y emocional indispensable en la intrincada mitología de la obra.

 

El Anime de TV: Decisiones de Adaptación y el Problema del Relleno

La serie de televisión emitida entre 2005 y 2006 abarcó 52 episodios divididos en dos temporadas. Dirigida por Koichi Mashimo, la serie manifestó su sello autoral: un ritmo pausado, una fuerte apuesta por la atmósfera, silencios contemplativos y un diseño artístico estilizado que priorizaba el drama íntimo y la melancolía de los viajes por encima de la acción frenética.

   No obstante, la producción tropezó con un obstáculo insalvable: el manga de Clamp seguía en publicación y dio un giro argumental radical. Lo que comenzó como una aventura de fantasía luminosa se transformó paulatinamente en un thriller psicológico oscuro, repleto de paradojas temporales, clones y tragedias existenciales.

   Para evitar alcanzar al manga, el estudio optó por introducir abundantes episodios de relleno y mundos originales que diluyeron la urgencia dramática de la trama principal. Como resultado, la serie de TV cerró con un arco original y un final completamente abierto que dejó la verdadera historia inconclusa, ignorando por completo los arcos definitivos y más oscuros de la obra escrita.

   Pero la serie contó con más problemas de la cuenta. La animación del estudio Bee train siempre fue limitada, aspecto que hizo enfurecer a quienes aman las animaciones fluidas y más en historias de acción y magia. Si bien los momentos contemplativos buscan ser sublimes, el problema principal de la serie son sus arcos de relleno con historias que rompen con parte del universo propuesto. Además, hay que señalar que la historia quedó inconclusa mientras que la serie se saltaba tramas, aspecto que al final obligaba al espectador a revisar el manga original para poder disfrutar por completo de la historia. 

 

El Renacimiento Definitivo: Las OVAs de Tsubasa

Para los fanáticos que se sintieron decepcionados por el tono edulcorado y abierto del anime de televisión, la salvación llegó en formato de alta gama con las OVAs que adaptaron los arcos más aclamados del manga:

• Tsubasa Tokyo Revelations (2007): Tres episodios que abrazan un tono postapocalíptico, seco y desolador, revelando las verdaderas identidades y los oscuros secretos que los protagonistas cargaban a sus espaldas.

• Tsubasa Shunraiki (2009): Dos OVAs que profundizan en los pasados del reino de Celes y el inminente enfrentamiento contra el antagonista principal, Fei Wang Reed.

Estas producciones elevaron exponencialmente la calidad de animación, la fluidez en coreografías de combate y la crudeza narrativa, convirtiéndose en el estándar de oro para los seguidores de la franquicia.

 

El Alma Sonora: La Obra Maestra de Yuki Kajiura

Si hay un elemento que raya en la perfección absoluta y que sostiene tanto al anime de TV como a las OVAs, es la banda sonora compuesta por Yuki Kajiura.

   Kajiura construyó un paisaje musical inconfundible basado en vocalizaciones operísticas corales, pseudo-idiomas místicos y arreglos de cuerdas y percusión étnica. Piezas icónicas como A Song of Storm and Fire o It's Only the Fairy Tale logran transmitir instantáneamente el peso de la soledad, el misticismo de los mundos desconocidos y la desolación de un destino que parece imposible de cambiar. Sin la música de Kajiura, la dimensión emocional de Tsubasa simplemente no existiría.

 

Conclusión: ¿Vale la pena ver Tsubasa Chronicle hoy?

Tsubasa: Reservoir Chronicle es una experiencia bifásica. La serie de televisión funciona como una introducción nostálgica, contemplativa y musicalmente impecable, ideal para apreciar la dirección de Koichi Mashimo y el arte de Clamp. Sin embargo, para quienes busquen la verdadera profundidad, la madurez argumental y el clímax que la historia merece, es estrictamente necesario complementar el visionado con la lectura del manga y el disfrute obligatorio de sus OVAs.

   La serie ss una obra compleja, desgarradora y profundamente humana sobre lo que estamos dispuestos a sacrificar por aquellos que amamos. Apta para fans de los aniems de los años 2000 que se adelanta a toda la efervescencia que vendría con historias que tratan el multiverso.

 

 

 

.hack//SIGN

 

.hack//SIGN, dirigida por el aclamado director Koichi Mashimo y producida por el estudio Bee Train en 2002, se erige como una piedra angular indispensable en la historia de los animes ambientados en mundos virtuales. Mucho antes de que el fenómeno del isekai moderno se llenara de mecánicas complejas y acción desmesurada, esta obra apostó por un enfoque radicalmente distinto: una atmósfera íntima, pausada y volcada hacia la introspección psicológica dentro del MMORPG ficticio conocido como The World.

   La trama sigue a Tsukasa, un joven místico que despierta dentro de The World para descubrir que no puede desconectarse del juego ni recordar los detalles de su vida en el mundo real. Acompañado por la misteriosa imposibilidad de sentir dolor físico dentro del entorno digital y la presencia de un guardián incorpóreo, Tsukasa se convierte en el centro de una investigación llevada a cabo por diversos jugadores, desde la noble Subaru y el pragmático Bear, hasta el desconfiado Mimiru. A través de estos encuentros, la serie explora el aislamiento, la evasión de la realidad y la búsqueda de identidad.

   El sello distintivo de Koichi Mashimo se percibe en cada fotograma. Con su característico ritmo parsimonioso y el uso de encuadres contemplativos, Mashimo prioriza los diálogos cargados de subtexto y los silencios expresivos por encima de las batallas espectaculares (para ello, la serie contó con un total de 7 guionistas). Su dirección convierte a The World no solo en un mero escenario de fantasía, sino en un laberinto emocional donde los personajes proyectan sus traumas, inseguridades y deseos más profundos mientras navegan por áreas desoladas y catedrales olvidadas.

   El apartado artístico se ve sublimado de manera magistral por la estupenda banda sonora de Yuki Kajiura. La compositora entrega una de las obras más icónicas y evocadoras de su carrera, fusionando cantos gregorianos, elementos de música folclórica europea y bases electrónicas contemporáneas. Canciones como Key of the Twilight, Obsession o Aura no solo acompañan las escenas, sino que narran la historia por sí mismas, aportando una carga mística y melancólica que define por completo la identidad de la franquicia. La voz de la cantante estadounidense Emily Bindiger, colaboradora frecuente de Kajiura en la década de los años 2000, aporta una carga emotiva extra que no se puede ignorar.

   Quien escribe estas líneas sugiere que esta serie se presenta como una extensión de la trilogía de guns and girs dirigida por Mashimo. El estilo del directo resulta pausado y atmosférico, aunque por momentos muy arriesgado para el anime de principios de siglo. Hoy en día, resultaría difícil o casi imposible llevar a cabo una serie como ésta debido a las redes sociales y a la poca atención de los jóvenes espectadores, mismos que se sentirían desesperados frente a una historia con poca acción y repleta de diálogos.

   A más de dos décadas de su estreno, .hack//SIGN se mantiene como un clásico de culto indispensable para quienes buscan una narrativa profunda y reflexiva. Su capacidad para cuestionar la desconexión humana en la era digital y la naturaleza de las relaciones en línea la vuelve una obra sorprendentemente vigente. Es una recomendación imprescindible para amantes de la animación japonesa pausada, seguidores del trabajo conceptual de Bee Train y apasionados de las bandas sonoras memorables.

El cazador de la bruja

 

Hay directores que marcan época al definir una estética inconfundible, y Koichi Mashimo es, sin duda, uno de ellos. Al timón del estudio Bee Train, Mashimo cimentó una trilogía espiritual de heroínas armadas que fascinó a toda una generación de amantes del anime a principios de los 2000: Noir (2001), Madlax (2004) y, finalmente, El cazador de la bruja (2007). Sin embargo, mientras que sus predecesoras cultivaban una atmósfera hipnótica a través de la elipsis, el misterio y el existencialismo, este cierre de trilogía suele ser recordado, con justicia y pesar, como el proyecto más irregular y frustrante de su director. La premisa prometía un viaje por carretera cargado de misticismo a través de los vastos y polvorientos paisajes de México, pero el resultado final quedó atrapado en un bucle narrativo que desaprovechó sus mejores bazas.

   La historia sigue a Ellis, una joven misteriosa que ha perdido la memoria y posee el poder críptico de abrir las puertas hacia el legendario territorio de Wiñay Marka, y a Nadie, una cazarrecompensas dura y pragmática que acepta escoltarla mientras huyen de una conspiración internacional. Sobre el papel, la dinámica de opuestos —la inocencia etérea frente al cinismo curtido— encendía la chispa para una road movie memorable. No obstante, el gran fallo de El cazador de la bruja radica en su estructura episódica desdibujada; durante más de la mitad de sus veintiséis episodios, la trama se empantana en subtramas circulares y persecuciones repetitivas que no aportan nada sustancial a la mitología central ni al desarrollo de los personajes, agotando la paciencia del espectador antes de alcanzar su recta final.

   A pesar de los profundos tropiezos en el ritmo y la escritura de guion, la obra conserva destellos del característico cuidado visual y sonoro que definía al estudio en su época dorada. Los escenarios abiertos, inspirados en la geografía y el folclore latinoamericano, ofrecen postales atípicas dentro del medio, alejándose de los habituales callejones urbanos de Tokio. Y es precisamente aquí donde el anime encuentra su auténtico salvavidas: la música de Yuki Kajiura. Lejos de limitarse a acompañar las escenas, la legendaria compositora firma una banda sonora monumental que trasciende por completo la calidad de la serie. Mezclando coros operísticos, guitarras acústicas de sabor fronterizo y melodías vocales etéreas, Kajiura dota de una urgencia mística y un lirismo desgarrador a cada plano, logrando que los momentos más monótonos de la travesía adquieran una belleza y una dignidad emocional que el libreto por sí solo jamás logra sostener.

   Quizás su aspecto más disparatado es justo el viaje que ofrece a lo largo de México. Se nota que los animadores y el director estaban abordando desde fuera un país totalmente ajeno a ellos. Para empezar, muestran al país como un lugar desértico o casi post-apocalíptico. Los jefes mafiosos, en lugar de ser narcotraficantes tipo jefes feudales, resultan ser mafiosos italianos elegantes que no tienen mucho sentido. Además, la búsqueda de aguas termales, propias del estado mexicano de Hidalgo se ubica en Aguascalientes (nombre que creen propio de dichas aguas). Para acabar de amolar el asunto, la compositora fue enviada a conocer música de Perú en lugar de México, aspecto que hace que la serie se sienta un raro pastiche lleno de burradas y visiones disparatadas del país en donde ocurre la acción.

   No hay que olvidar lo fallido de los personajes, especialmente del propio villano. Si bien es interesante el guiño casi amoroso entre las dos protagonistas, los antagonistas se presentan de forma absurda y ninguno de ellos es memorable. Del mismo modo, la batalla final con el villano principal se siente desolada y sin emoción al igual que la zona arqueológica y prehispánica que supuestamente deciden mostrar como escenario último. Así, el sentido de las gun and girls se desdibuja y muestra un cansancio luego de las dos series anteriores que resultaban mucho más logradas e interesantes. 

   En definitiva, El cazador de la bruja se erige como una obra de profundos contrastes, un doloroso recordatorio de que ni los nombres más consagrados de la industria son inmunes al desgaste creativo. Para los seguidores acérrimos de la dirección contemplativa de Koichi Mashimo o para los coleccionistas de la discografía de Yuki Kajiura, la serie sigue albergando valor arqueológico y pasajes musicales inolvidables. Sin embargo, para el público general que busca una narrativa sólida y resolutiva, este viaje por los caminos mexicanos se siente más como una interminable caminata bajo el sol que como una gran aventura mítica.

Madlax

 

 En este blog nos gusta hablar de grandes directores un tanto olvidados y su paso por el anime. Si bien ya comentábamos en una entrega pasada el anime Noir, poco después salió esta segunda serie que conforma la trilogía de las gun and girls, producción que popularizó el tema y llevó a que años después se produjeran series de acción rápida mezcladas con lo absurdo de tener a varias chicas cargando armas pesadas y dándose de disparos con toda clase de criminales. Así, Madlax se presentó como la segunda propuesta contemplativa de su director cargada de una fascinante banda sonora.

   Lanzada en 2004 por el legendario estudio Bee Train, la serie que ahora comentamos se erige como una joya de culto dentro de la animación japonesa de la década de los 2000. Concebida bajo la batuta del magistral director Koichi Mashimo, este anime logró cautivar a la audiencia con una atmósfera única que fusiona el thriller psicológico, el espionaje internacional y elementos sobrenaturales. La serie sigue los pasos de dos mujeres con destinos aparentemente desconectados: Margaret Burton, una joven aristócrata atrapada en una nación asolada por la guerra civil sin recuerdos claros de su pasado, y Madlax, una enigmática agente a sueldo con habilidades de combate sobrehumanas que opera en el mismo conflicto.

   A medida que la trama avanza, ambas protagonistas descubren que sus identidades están unidas por un misterioso libro antiguo y una serie de recuerdos fragmentados relacionados con una tragedia pasada. El guion dosifica el misterio con maestría, introduciendo a personajes secundarios memorables como la agente secreta Vanessa René, cuyas investigaciones desvelan una conspiración global tejida por una siniestra organización conocida como Bookwald. Lejos de ser un simple anime de disparos y acción desenfrenada, la obra explora temas profundos como la dualidad de la psique humana, la búsqueda de la identidad y la culpa, manteniendo al espectador al borde del asiento mientras las piezas del rompecabezas encajan de forma impactante.

    Uno de los apartados más elogiados de la serie es su impecable dirección artística y su puesta en escena. Koichi Mashimo imprime su sello característico a través de un uso magistral de la luz, los silencios y encuendros cinematográficos que realzan la tensión de cada secuencia. Sin embargo, el verdadero pilar que eleva a Madlax a la categoría de obra maestra es la banda sonora compuesta por la virtuosa Yuki Kajiura. Con temas corales inolvidables, melodías operísticas y el icónico tema principal Nowhere —marcado por su pegadizo estribillo "Ya-la-tali"—, la música no acompaña simplemente a las escenas, sino que dicta el ritmo emocional, otorgando una solemnidad mística a cada enfrentamiento y a los momentos más introspectivos.

   La serie también destaca por su peso temático, sirviendo como la corpus espiritual de la trilogía informal de director sobre chicas con armas y destinos trágicos, precedida por Noir y continuada por El Cazador de la Bruja. En Madlax, la guerra no es solo un telón de fondo político, sino un espejo de la fragmentación mental de sus personajes. La evolución emocional de Margaret y la dualidad de la propia Madlax desafían las expectativas del espectador, ofreciendo un comentario sobre cómo el dolor y los recuerdos moldean aquello en lo que nos convertimos, todo ello envuelto en un aura de misterio metafísico que perdura mucho después de finalizar los créditos.

   Si bien es una serie recomendable, de nueva cuenta las limitaciones de la animación en algunos tramos pueden molestar o decepcionar a los fans contemporáneos del anime más pulido. De igual forma, el ritmo es pausado y contemplativo, y otorga a la serie un ambiente que requiere paciencia por parte del espectador, por lo que aquellos que estén acostumbrados a ritmos frenéticos pueden sentirse algo desesperados. A pesar de esto, los defectos y la falta de recursos son aprovechados por el director para ofrecer su propio estilo a la serie. 

   En resumen, Madlax es un anime imprescindible para los amantes del misterio complejo, las tramas de espionaje y las producciones con una fuerte identidad visual y sonora. Aunque su ritmo inicial pausado requiere paciencia, la recompensa es una de las experiencias narrativas más fascinantes y atmosféricas de los años 2000. Es una recomendación absoluta tanto para los veteranos de la industria que buscan nostalgia de calidad como para las nuevas generaciones dispuestas a descubrir los pilares del thriller otaku.

Noir

 

Noir es una serie ya olvidada que, no obstante, guarda su magia y el estilo de su director. Lanzada en el año 2001 por el estudio Bee Train, esta serie es una de las más icónicas de principios de siglo. Dirigida por Koichi Mashimo y acompañada por una inolvidable banda sonora compuesta por Yuki Kajiura, esta obra fundó y definió prácticamente el subgénero de las girls with guns, mezclando con maestría el cine negro clásico, la acción trepidante y un profundo misterio existencial.

   La historia sigue a Kirika Yuumura, una joven estudiante japonesa que padece amnesia pero posee unas habilidades innatas letales para el combate. A través de una extraña corazonada, contacta a Mireille Bouquet, una experimentada asesina a sueldo independiente que opera en París. Juntas forman una sociedad bajo el nombre clave de Noir. Un antiguo mito que representa el destino y la muerte.

   Mientras aceptan contratos por todo el mundo, ellas intentan desentrañar el pasado de Kirika y su conexión con una enigmática organización secreta. A diferencia de otros animes de acción de la época, Noir destaca por un ritmo pausado y contemplativo que prioriza la atmósfera, el silencio y la tensión psicológica sobre la pirotecnia visual constante.

   Lo mejor de Noir justo son los escenarios europeos melancólicos, los callejones solitarios y una iluminación que homenajea al cine noir tradicional. Del mismo modo, las melodías vocales y operísticas de Yuki Kajiura (con temas icónicos como Canta per me) elevan cada escena a otra categoría. En cuanto a los personajes, la relación entre Mireille y Kirika evoluciona de una fría alianza profesional a un vínculo profundo de confianza y protección.

   Hay que señalar que el estudio de animación fue criticado por su animación pobre, aunque en su defensa se puede afirmar que esto permitió su director, Koichi Mashimo, aprovechara esto para ofrecer su visión pausada y contemplativa que ya mencionábamos arriba. Se trata posiblemente del último director de anime con un estilo de cine de autor que sin bien no era para todo público, sus propuestas llamaba poderosamente la atención.

   En esta línea, los fanáticos de la acción vertiginosa al estilo shonen pueden encontrar los episodios un tanto lentos, ya que la serie se toma su tiempo para construir el misterio. Asimismo, aunque su dirección artística llama la atención, la animación digital de principios de los 2000 ha sido un tanto castigada por el tiempo.

   En resumen, Noir es un anime de culto indispensable para cualquier amante del anime clásico. No es solo una historia de disparos y espionaje, sino un viaje psicológico elegante y oscuro que dejó una huella en la industria de principios del milenio.

Yuki Kajiura, bandas sonoras y anime

Yuki Kajiura es una de las compositoras más queridas y cotizadas en el anime contemporáneo. Ingeniera en computación de profesión, Kajiura-san vivió muchos años en Alemania debido al trabajo de su padre, por lo que pudo desarrollar su gusto por la música mientras exploraba nuevos estilos en Europa. Ha trabajado en comerciales, obras de teatro, videojuegos y especialmente haciendo bandas sonoras de anime. Desde trabajar para directores como Takeshi Kitano, hasta alcanzar el éxito en el J-pop con sus dos grandes bandas: Fictionjunction y Kalafina, la compositora que hoy comentamos ofrece un toque único a los animes que llevan su registro musical.

  Su versatilidad llama poderosamente la atención al jugar con música barroca, electrónica, jazz, rock progresivo y un largo etcétera. Su estilo juega con voces femeninas operísticas mientras que los violines acompañan las piezas interpretadas por grandes músicos de la escena contemporánea japonesa, ya sean aquellos que hacen música de cámara hasta cantantes de alto octanaje como Aimer. Su música suena como el sonido de los ángeles y se adapta muy bien en historias con un marcado componente fantástico.

   Así pues, a continuación comentaremos algunas de las obras más relevantes de reciente factura, dejando de lado obras de la década de los 90s o los 2000s para otra ocasión, dado que 30 años de carrera de Kajiura-san requerirían varias entradas.

 

Puella Magi Madoka Magica

Se cuenta que el guionista Gen Urobuchi exigió que Yuki Kajiura fuera la compositora de la banda sonora de esta serie (y sus posteriores películas). En esta historia se deconstruye la figura de la chica mágica en un ambiente de fantasía oscura, viajes en el tiempo y planteamientos filosóficos. Su animación experimental proveniente del estudio Shaft aunado a la magistral dirección de Akiyuki Shinbo (director de la conocida Bakemonogatari y sus numerosas secuelas y precuelas) ofrecen una de las mejores series de la década pasada (2011-2020).

   El thriller psicológico se agrega a la historia mientras que la banda sonora nos transporta a los eventos fantásticos que tan duramente están experimentando las protagonistas. Todo ello nos lleva a una de las obras maestras del anime de este siglo  para disfrutarse en un buen maratón.

 

Fate/Zero

Otro de los grandes animes de la década anterior, en este caso una gran precuela del famoso Fate/stay night aparece en escena como una gran serie que ofrece un tono mucho más oscuro y adulto. La cuarta lucha por el Santo Grial y los planteamientos filosóficos, de nueva cuenta puestos en la mesa por el guionista Gen Urobuchi, nos hablan del mal, la moral y la ambición.

   Kajiura-san ofrece una banda sonora en el género en el que mejor se desarrolla: la fantasía urbana.  Los sonidos de violines, los cánticos oscuros de Fictionjunction así como las canciones de Kalafina le agregan a la historia una complejidad adictiva que mantendrá a los fanáticos al borde del asiento.

 

Sword Art Online

Uno de los isekais por excelencia en el que sus protagonistas quedan atrapados en mundos virtuales de fantasía y ciencia ficción. Las batallas y los súper poderes llevan al espectador a un mundo shonen en donde la aventura y el heroísmo juvenil están puestos sobre la mesa. Quizás los arcos de su segunda temporada son bastante endebles, aunque sus historias posteriores recuperan el tono épico de los inicios de la serie.

   En esta historia, la compositora en cuestión juega con un estilo musical heroico que nos recuerda a los mitos artúricos. La experimentación con violines y sintetizadores refuerzan el efecto de las aventuras y las batallas, maravillando a millones de fan que esta serie tiene en todo el mundo.

 

Erased

Una historia clásica en la literatura pero novedosa en la animación japonesa: ¿qué pasaría si volvieras a la época en que tenías 8 años de edad pero conservaras tus recuerdos de adulto? Los viajes en el tiempo y el misterio de varios asesinatos de niños en etapa escolar nos transportan por una premisa atractiva que no dejará a nadie indiferente. Si bien su final resulta fallido, el desarrollo del resto de la trama se mantiene durante la mayor parte de tiempo.

   En cuanto a la música se refiere, la banda sonora es mucho más ambiental pero refuerza el aspecto fantástico de la historia. No obstante, estamos lejos de las mejores obras de su compositora.

 

Princess Principal

Steampunk, espionaje y protagonistas femeninas atractivas nos transportan a esta serie cuya continuación en formato de películas aún sigue pendiente para terminar la historia. Las protagonistas son estudiantes en un mundo con estética victoriana, pero en realidad cada una tiene una habilidad que será útil para resolver los diferentes casos así como la conspiración principal. Acción y ciencia ficción delirante le esperan a cualquier fan del medio que le dé una oportunidad.

   Kajiura-san juega con una banda sonora que suena como a casa de muñecas (sus protagonistas justo son como pequeñas muñecas que salen bien paradas frente a cada situación). Los violines y los cánticos siguen retumbando en el oído del espectador, mientras que su opening nos introduce a una historia de acción alocada pero sumamente entretenida.

  

Kimetsu no yaiba / Demon Slayer

Uno de los shonen más aclamados en la actualidad especialmente por su magistral animación. Ubicado en el contexto de la era Meiji, y con fuertes referencias a la mitología japonesa, esta serie se luce especialmente por su tono de acción, aventura y batallas en un universo de fantasía oscura. Pese a que el humor es exagerado y por momentos innecesario en su gran mayoría, el tono épico de la historia se mantiene en todo momento.

   Yuki Kajiura juega no solo con música electrónica y con sus violines de siempre, sino que aprovecha instrumentos clásicos japoneses para envolver al espectador en la historia de Japón. Por momentos la ambientación musical es sumamente atmosférica y relajante, mientras que lo electrónico se luce en el paroxismo de las peleas y las técnicas que utilizan los héroes para derrotar a los villanos.