Yuki Kajiura, bandas sonoras y anime

Yuki Kajiura es una de las compositoras más queridas y cotizadas en el anime contemporáneo. Ingeniera en computación de profesión, Kajiura-san vivió muchos años en Alemania debido al trabajo de su padre, por lo que pudo desarrollar su gusto por la música mientras exploraba nuevos estilos en Europa. Ha trabajado en comerciales, obras de teatro, videojuegos y especialmente haciendo bandas sonoras de anime. Desde trabajar para directores como Takeshi Kitano, hasta alcanzar el éxito en el J-pop con sus dos grandes bandas: Fictionjunction y Kalafina, la compositora que hoy comentamos ofrece un toque único a los animes que llevan su registro musical.

  Su versatilidad llama poderosamente la atención al jugar con música barroca, electrónica, jazz, rock progresivo y un largo etcétera. Su estilo juega con voces femeninas operísticas mientras que los violines acompañan las piezas interpretadas por grandes músicos de la escena contemporánea japonesa, ya sean aquellos que hacen música de cámara hasta cantantes de alto octanaje como Aimer. Su música suena como el sonido de los ángeles y se adapta muy bien en historias con un marcado componente fantástico.

   Así pues, a continuación comentaremos algunas de las obras más relevantes de reciente factura, dejando de lado obras de la década de los 90s o los 2000s para otra ocasión, dado que 30 años de carrera de Kajiura-san requerirían varias entradas.

 

Puella Magi Madoka Magica

Se cuenta que el guionista Gen Urobuchi exigió que Yuki Kajiura fuera la compositora de la banda sonora de esta serie (y sus posteriores películas). En esta historia se deconstruye la figura de la chica mágica en un ambiente de fantasía oscura, viajes en el tiempo y planteamientos filosóficos. Su animación experimental proveniente del estudio Shaft aunado a la magistral dirección de Akiyuki Shinbo (director de la conocida Bakemonogatari y sus numerosas secuelas y precuelas) ofrecen una de las mejores series de la década pasada (2011-2020).

   El thriller psicológico se agrega a la historia mientras que la banda sonora nos transporta a los eventos fantásticos que tan duramente están experimentando las protagonistas. Todo ello nos lleva a una de las obras maestras del anime de este siglo  para disfrutarse en un buen maratón.

 

Fate/Zero

Otro de los grandes animes de la década anterior, en este caso una gran precuela del famoso Fate/stay night aparece en escena como una gran serie que ofrece un tono mucho más oscuro y adulto. La cuarta lucha por el Santo Grial y los planteamientos filosóficos, de nueva cuenta puestos en la mesa por el guionista Gen Urobuchi, nos hablan del mal, la moral y la ambición.

   Kajiura-san ofrece una banda sonora en el género en el que mejor se desarrolla: la fantasía urbana.  Los sonidos de violines, los cánticos oscuros de Fictionjunction así como las canciones de Kalafina le agregan a la historia una complejidad adictiva que mantendrá a los fanáticos al borde del asiento.

 

Sword Art Online

Uno de los isekais por excelencia en el que sus protagonistas quedan atrapados en mundos virtuales de fantasía y ciencia ficción. Las batallas y los súper poderes llevan al espectador a un mundo shonen en donde la aventura y el heroísmo juvenil están puestos sobre la mesa. Quizás los arcos de su segunda temporada son bastante endebles, aunque sus historias posteriores recuperan el tono épico de los inicios de la serie.

   En esta historia, la compositora en cuestión juega con un estilo musical heroico que nos recuerda a los mitos artúricos. La experimentación con violines y sintetizadores refuerzan el efecto de las aventuras y las batallas, maravillando a millones de fan que esta serie tiene en todo el mundo.

 

Erased

Una historia clásica en la literatura pero novedosa en la animación japonesa: ¿qué pasaría si volvieras a la época en que tenías 8 años de edad pero conservaras tus recuerdos de adulto? Los viajes en el tiempo y el misterio de varios asesinatos de niños en etapa escolar nos transportan por una premisa atractiva que no dejará a nadie indiferente. Si bien su final resulta fallido, el desarrollo del resto de la trama se mantiene durante la mayor parte de tiempo.

   En cuanto a la música se refiere, la banda sonora es mucho más ambiental pero refuerza el aspecto fantástico de la historia. No obstante, estamos lejos de las mejores obras de su compositora.

 

Princess Principal

Steampunk, espionaje y protagonistas femeninas atractivas nos transportan a esta serie cuya continuación en formato de películas aún sigue pendiente para terminar la historia. Las protagonistas son estudiantes en un mundo con estética victoriana, pero en realidad cada una tiene una habilidad que será útil para resolver los diferentes casos así como la conspiración principal. Acción y ciencia ficción delirante le esperan a cualquier fan del medio que le dé una oportunidad.

   Kajiura-san juega con una banda sonora que suena como a casa de muñecas (sus protagonistas justo son como pequeñas muñecas que salen bien paradas frente a cada situación). Los violines y los cánticos siguen retumbando en el oído del espectador, mientras que su opening nos introduce a una historia de acción alocada pero sumamente entretenida.

  

Kimetsu no yaiba / Demon Slayer

Uno de los shonen más aclamados en la actualidad especialmente por su magistral animación. Ubicado en el contexto de la era Meiji, y con fuertes referencias a la mitología japonesa, esta serie se luce especialmente por su tono de acción, aventura y batallas en un universo de fantasía oscura. Pese a que el humor es exagerado y por momentos innecesario en su gran mayoría, el tono épico de la historia se mantiene en todo momento.

   Yuki Kajiura juega no solo con música electrónica y con sus violines de siempre, sino que aprovecha instrumentos clásicos japoneses para envolver al espectador en la historia de Japón. Por momentos la ambientación musical es sumamente atmosférica y relajante, mientras que lo electrónico se luce en el paroxismo de las peleas y las técnicas que utilizan los héroes para derrotar a los villanos.

 

Yatagarasu

 

Finalizamos el 2024 con una de las series más interesantes y menos reseñadas del año: Yatagarasu. Para quienes sean otakus consagrados y busquen una serie de anime para un público mucho más adulto, esta serie de fantasía se presenta como una pequeña sorpresa que conjuga elementos tanto del Japón feudal como de la China milenaria.

   Nos ubicamos en un mundo fantástico en el que las personas pueden convertirse en cuervos gigantes de tres patas y viceversa. En este mundo con pequeños toques fantásticos, Yukiya es un joven astuto e intrépido que es obligado por su familia a ser asistente del príncipe heredero Wakamiya. Yukiya decide quedarse un año al servicio del príncipe mientras va descubriendo que su estancia en la corte imperial no es ninguna coincidencia, debiendo enfrentar toda clase de peligros y amenazas.

   Aquel reino está compuesto por una ciudad central en la que se localiza la sede imperial, así como cuatro reinos por cada uno de los puntos cardinales. Al inicio de la historia, el espectador descubre que cada reino periférico ha enviado una candidata para ser elegida como emperatriz. Mientras vamos conociendo a cada una de las posibles consortes del futuro emperador, las luchas internas de poder y las amenazas de muerte al príncipe llevarán la historia rumbo a un drama político y detectivesco en el que el propio heredero, en compañía de sus escasos seguidores, deberá sacar a la luz las conspiraciones en su contra.

   Las primeras impresiones al disfrutar la serie recuerdan la reciente y exitosa serie de Shogun (2024), especialmente por las conspiraciones dentro de los pasillos del poder. No obstante, la serie que ahora comentamos toma distancia en su tono de misterio, mostrando giros inesperados en donde enemigos aparentes en realidad son aliados cercanos, todo ello se desarrolla mientras los crímenes y las mentes maestras detrás se van desvelando a lo largo de la historia.

   Ya decíamos que el tono detectivesco de la serie mantiene la atención y el interés del espectador. Y es que justo el príncipe Wakamiya es una especie de Sherlock Holmes que debe estar atento a los posibles atentados en su contra, mientras que Yukiya es un Watson neurótico que salva varias veces la vida del heredero. Con respecto a este joven asistente, su carácter se muestra como un sirviente valeroso y fiel y como la única voz decidida a confrontar al príncipe y señalar los posibles riesgos de sus actividades.

   Con 20 episodios en su haber, Yatagarasu adapta tres novelas ligeras y los dos primeros arcos de su serie de diez novelas. El segundo arco tiene un tono diferente al del drama político y se centra más en un peligro inminente para el universo en el que se desarrolla la historia. Los secretos escondidos en los escenarios con estética chino-japonesa, así como el verdadero origen del mundo fantástico y los cuervos gigantes de tres patas le ofrecen un giro interesante y adictivo a una serie en donde las revelaciones se van mostrando poco a poco.

   Así pues, Yatagarasu se presenta como una de las mejores series de 2024, que si bien no desborda el año ni enloquecerá al grueso de los fanáticos del anime, su visionado resultará en una pequeña gran sorpresa para un público joven y adulto.

Mamoru Hosoda: ¿el sucesor de Hayao Miyazaki?

Mamoru Hosoda es hoy por hoy uno de los más reconocidos directores de anime a nivel mundial. Su reputación ha despegado luego de que sus películas hayan comenzado a presentarse en algunos de los festivales de cine más cotizados del mundo como el famoso Festival de Cannes. Y es que Hosoda se presenta como un director versátil y con propuesta, además de con un estilo de animación muy personal.

   De acuerdo con la investigadora Laura Montero Plata, una de nuestras máximas expertas de habla hispana en el Studio Ghibli, Hosoda por derecho propio sería el sucesor de Hayao Miyazaki. Desde finales de la década de los 70 ha recibido la inspiración de directores como el propio Miyazaki o Rintaro, e incluso ha trabajado en Toei Animation como en su momento los hicieran Hayao Miyazaki e Isao Takahata (dos de los grandes directores de Ghibli, sin olvidar la sabia y brillante mente de marketing para el estudio que ha sido Toshio Suzuki). Resulta interesante que Hosoda fue elegido en su momento como el director de El Castillo Ambulante, aunque por diferencias con la gente de Ghibli que nunca han sido completamente aclaradas, tuvo que retirarse del proyecto y seguir tocando puertas.

   El director que ahora comentamos mostró su gran talento a principios de los años 2000 con películas para las franquicias de Doraemon y One Peace. Gracias a ello, el estudio Madhouse le dio su primera película de encargo con la que su carrera como director se disparó de forma definitiva.

 

La chica que saltaba a través del tiempo (2006)

Si bien estamos ante una película de encargo, en esta cinta ya se nota el estilo de animación propio de su director. Makoto Konno es una estudiante que encuentra la forma para saltar en el tiempo hacia atrás y corregir los eventos de su día a día. Pero en lugar de usar la habilidad para mejores acciones, Makoto utiliza el viaje en el tiempo a su antojo para vivir de nuevo sus experiencias cotidianas. Pronto, se dará cuenta de que está alterando el tiempo de manera que se presentan consecuencias no esperadas que pueden afectar a otros.

   Una historia fascinante que fue un éxito en su momento en Japón y que discute el problema de las causas y efectos imposibles de vislumbrar si es que realmente existieran los viajes en el tiempo. Ciencia ficción juvenil que no dejará indiferentes a los fanáticos del anime.

 

Summer Wars (2009)

Hosoda llega ahora con su primera película autoral en la que tiene mucho más control creativo. En esta segunda historia su estilo se mantiene mientras que ofrece una trama más que actual: los riesgos de la Inteligencia Artificial y nuestra excesiva actividad en el mundo virtual. Kenji Koiso es un estudiante brillante y una especie de genio de las matemáticas y el mundo digital. Invitado al cumpleaños de un familiar por Natsuki Shinohara, su compañera de clase, de forma involuntaria, Kenji provoca un caos al dejar que una IA se salga de control y colapse todos los sistemas, poniendo en riesgo todo dispositivo conectado a Internet e incluso los sistemas de defensa en Estados Unidos. Los dos protagonistas deberán actuar rápido antes de que sea demasiado tarde.

   De nueva cuenta Hosoda entra en el terreno de la ciencia ficción, planteando los riesgos de la automatización. Uno de los aspectos a destacar es la entrada al mundo virtual y el uso de avatares, tan comunes hoy en día, pero que sobresalen en su animación CGI y transportan al espectador a ese mundo digital que recién se estaba generalizando cuando se estrenaba la cinta.

 

Wolf Children / Los niños lobo (2012)

La tercera película que comentamos es un drama familiar con elementos fantásticos. Hana es una joven universitaria que se enamora de un chico misterioso que resulta ser un hombre lobo. Conforme hagan su vida juntos, una tragedia obligará a Hana a ser madre soltera y a criar a sus dos hijos, quienes también pueden transformarse en lobo. Las dificultades de la crianza, los cuidados para que los niños no sean descubiertos, así como el camino que los niños tomarán una vez sean mayores transportan al espectador a una historia conmovedora que reflexiona sobre la familia y los cambios en la vida.

  La película garantiza diversión pero también lágrimas a todo aquel espectador o espectadora que se adentre de lleno en la historia. Un drama apto para todo público pero con el toque muy personal de su director.

 

El niño y la Bestia (2015)

El director entra de lleno es la alta fantasía al contar la historia de Ren, un huérfano de nueve años que es llevado al reino de las Bestias para recibir entrenamiento. No obstante, Kumatetsu, su nuevo maestro, tendrá toda clase de problemas para entrenar al chico mientras este se adapta al nuevo mundo. En esta ocasión, Hosoda despliega toda su magia e incluso la influencia de Miyazaki para meternos de lleno en una historia fantástica visualmente abrumadora.

   Pero la cinta no solo se queda con lo visual, sino que explora las vivencias y los sentimientos de Ren, su protagonista, en una búsqueda de identidad y de sentido en la vida. Gran desarrollo de personajes y una historia muy a la Ghibli destacan para que cualquier espectador se anime a buscarla.

 

Mirai (2018)

Mamoru Hosoda regresa al drama familiar con una historia sencilla pero conmovedora que tiene como protagonista a Kun, un niño de 4 años enojón y fanático de los trenes que lidia con sus emociones frente a la llegada de su nueva hermanita. En clave real o imaginaria (el espectador debe decidir la naturaleza del viaje), Kun hace un viaje a distintos momentos pasados y futuros para lidiar con los cambios de la vida cotidiana. Las dificultades de la paternidad, la llegada de un nuevo miembro de la familia, y la compleja amalgama de emociones que los humanos vivimos en nuestras mentes son solo parte de las temáticas que son tratadas en esta encantadora historia familiar con toques de fantasía.

   Si en algún momento alguien nuevo llega a la vida del espectador, o alguien se va, esta película es para quien se pregunte por la dificultad de lidiar con los cambios.

 

Belle (2021)

Para quien escribe estas breves líneas, esta película muestra la madurez y el estilo cinematográfico alcanzado por su director. De nueva cuenta estamos ante una historia de ciencia ficción en el que se replantea de la famosa historia de La Bella y la Bestia pero, en esta ocasión, mucho de ello ocurre en el mundo virtual. La cinta sigue a Suzu Naito, una estudiante que perdió a su madre hace un tiempo. Para lidiar con el dolor, Suzu se conecta a un nuevo mundo virtual en donde descubre que puede recuperar un talento que creía perdido.

   Con un juego narrativo atractivo en donde la cámara refuerza ciertas situaciones de los personajes, la historia delinea las dificultades de la vida cotidiana, la pérdida de un familiar, la llegada del amor, el reencuentro con uno mismo y el maltrato familiar. Como su historia más redonda y lograda hasta el momento, Belle puede ser un buen punto de partida para descubrir a Hosoda y disfrutar de su cine.

   ¿Será entonces el sucesor de Miyazaki? Comparte una inspiración con este director y sus películas comienzan a ser éxitos de taquilla y crítica, pero el famoso director de Ghibli, creo, es irrepetible mientras que Hosoda ha encontrado su propio estilo y camino como director.

Dead Dead Demon's Dededede Destruction

 

Si le preguntaran a los fanáticos del anime (los otakus) qué géneros son los que más aparecen en la animación japonesa contemporánea sin lugar a dudas mencionarían a la fantasía. Los slice of life (las historias de la vida) también aparecerían en escena como una de las temáticas más señaladas y disfrutadas. Pero resulta curioso que la ciencia ficción no siempre aparece en el radar de los seguidores: viajes espaciales, inteligencias artificiales e incluso invasiones extraterrestres no son tan frecuentes en las series que se estrenan cada temporada. Por ello, Dead Dead Demon's Dededede Destruction (2024) se presenta como una serie no tan conocida pero que resulta una de las joyas que se estrenaron este año 2024.

   La historia se centra en las dos protagonistas, Kadode Kayama y Ouran Nakagawa, grandes amigas que viven su vida cotidiana y sus conflictos personales como cualquier persona común y corriente. Pero de pronto, un enorme platillo volador aparece en el cielo de Tokyo y a partir de ahí la vida de los ciudadanos irá cambiando gradualmente. Y es que no son muy claras las intenciones de los visitantes durante buena parte de la historia, mientras que las personas buscan que sus vidas continúen a pesar de tener en el cielo una gigantesca nave extraterrestre.

   La serie es una adaptación de la obra del mismo nombre del mangaka Linio Asano, autor muy preocupado en su obra por los conflictos y contradicciones de la sociedad japonesa. En este anime que ahora comentamos se delinean temas como la migración y la xenofobia, los intereses privados por explotar la llegada de los visitantes para su propio beneficio, así como el carácter destructivo del ser humano. Con respecto a este último punto, una vez que los visitantes llegan el ejército de Estados Unidos no se detiene para hacer contacto y en lugar de ello se la pasa disparando causando una enorme devastación en la ciudad. Asimismo, el gobierno japonés comete una masacre al ir eliminando a los extraterrestres en lugar de intentar conversar con ellos y entender por qué están en la Tierra.

   La polarización ideológica de una sociedad como la japonesa (y de cualquier sociedad de las grandes ciudades) también es uno de los puntos a tratar. Mientras que se crean escuadrones de la muerte que cazan a los visitantes, otros grupos aparentemente pacifistas buscan detener la masacre y otorgar derechos a los aliens. No obstante, algunos de los pacifistas proponen inclinar la situación a su favor con métodos que resultan nada pacíficos.

   Los extraterrestres son misteriosos pero cercanos, pero si bien cuentan con una avanzada tecnología, en realidad resultan ser bastantes ingenuos creyendo que una posible invasión alienígena sería sencilla y que los humanos terminarían siendo una especie de mascotas. Al contrario, los humanos resultan ser mucho más fuertes y peligrosos. La invasión no solo es un desastre, sino que la propia civilización humana se encuentra cada vez en mayor riesgo debido a sus actos atroces e irracionales.

   Kayama y Nakagawa se presentan como dos protagonistas que se cuidan mutuamente y harían lo que fuera por cuidarse entre sí. Sus conflictos sobre el final de la preparatoria y el posible inicio de la universidad o de la vida laboral las mantienen al borde del estrés más que la propia invasión. El despertar sexual, la pérdida de las amigas y la ambigüedad moral que presentan resulta crucial para su desarrollo como personajes. Con respecto a este último punto, sus relaciones sentimentales resultan por momentos cuestionables: Kayama se ha estado relacionando con un profesor mucho mayor que ella, mientras que Nakagawa intenta algo romántico con uno de los visitantes infiltrados. Así, la vida cotidiana de las dos chicas transcurre entre la búsqueda de una vida normal y los eventos extraordinarios que están viviendo.

  

   La historia no solo juega con el tema de las invasiones extraterrestres, sino con los universos paralelos. Pero para ello, el espectador requiere ser paciente en la conexión entre el primer episodio y el último, mismos que cuentan una historia futura que quizás mereció más episodios y desarrollo para ser mucho más convincente. No obstante, estamos frente a una de las mejores series de 2024 que si bien no está diseñada para desbordar su temporada y enloquecer a todos los fans, resulta una enorme curiosidad para disfrutar de un producto de anime diferente para aquellos otakus más adultos y consagrados.

   

Los mejores animes de 2024

 Lo sabemos: cada lista de lo mejor del año es subjetiva y dejará satisfechos a muchos fanáticos del anime pero dejará molestos e incluso furiosos a muchos otros. Aún así, aquí va mi lista de las mejores series del año. Uno de los requisitos ha sido salirme un poco de los tops que ponen hasta lo alto de sus listas a los shonen que están diseñados para enloquecer a los fanáticos de cada temporada. Es mi top y la lista es subjetiva, así que habrá diferentes puntos de vista sobre las series que vienen a continuación. Si buscan en Internet encontrarán muchos otros tops con opciones igual de interesantes.

Y una nota especial: no hay jerarquía. Cada una de las series de anime que vienen abajo valen mucho la pena para disfrutarse, por lo que aquí no ofreceremos comparaciones para evitarnos problemas.

The Apothecary Diaries - Los diarios de la Apotecaria

El boom del anime en China comienza a crecer, por lo que en el mundo del anime en Japón comienzan a aparecer de nueva cuenta algunas series que nos transportan al mundo de la China milenaria. En este caso, Maomao es la apotecaria / boticaria que resuelve misterios para el reino chino. El tono detectivesco y a la vez novelesco nos llevan por una China idealizada en donde el uso de la herbolaria y los venenos conforman el elemento principal. Del mismo modo, el pasado de la protagonista, la relación con sus padres y la posible historia de amor nos llevan por una serie por momentos cozy que será digna de disfrutar por cualquier fan del anime.

   Sobresale el carácter introvertido de Maomao así como su obsesión por la herbolaria y la forma de utilizar las propiedades de las plantas. Del mismo modo, la protagonista se aleja de las cortesanas enamoradizas para centrarse en sus obsesiones por la botica. Serie con una animación con tonos pastel y fondos CGI que agradará al público.

 Dead Dead Demons DeDeDeDe Destruction

Una de las sorpresas del año para quienes no somos tan fans de los shonen de temporada. Una invasión alienígena poco común alborota a las sociedades humanas y en especial a las dos protagonistas, quienes buscan llevar una vida cotidiana consumista, escolar y sencilla. La serie habla de las historias de la vida, los desafíos de la amistad y de la vida citadina. Del mismo modo, la migración y la xenofobia se analizan en detalle frente a una sociedad japonesa polarizada en donde cada quien busca sacarle partido de cierta manera a la invasión.

   La serie critica no solo a los humanos y su despreocupación, sino a la excesiva confianza de los propios visitantes quienes encontrarán que los humanos son una especie sumamente peligrosa y violenta. Una joya diferente del anime que barajea muy bien dos temas centrales de la ciencia ficción: las invasiones extraterrestres y los universos paralelos.

Soso no Frieren

La serie que se convirtió en la locura del año 2023 para los fans del anime. No obstante, el estilo cozy fantasy sigue siendo sumamente encantador en ella mostrando una premisa sumamente potente: ¿Qué hacen los personajes de un relato de alta fantasía luego del final de su viaje? La nostalgia, el inicio de un nuevo viaje que busca emular al viaje original, así como las batallas pasean al espectador por una historia que reflexiona sobre la fugacidad de la vida.

   Si bien la serie es un absoluto encanto, el arco de la escuela de hechiceros desinfla un poco la historia y la lleva hacia un shonen mucho más convencional. Pese a ello, Frieren es una de las mejores series de la década.

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba - Arco de entrenamiento de Hashira

Tercera temporada muy denostada por los fanáticos debido a la forma en que se alargó el arco del entrenamiento de Hashira. Pero la espera valió la pena: el final abre el arco del Castillo Infinito y deja al público emocionado en espera de las películas que concluirán la historia.

En lo personal, la serie se extendió pero permitió conocer un poco más al resto de personajes que veremos en la conclusión de la serie, por lo que debe ser entendida como una temporada de transición. Si bien hubiera funcionado mejor con un especial o una película, las cartas están puestas para el apoteósico final. 

Un punto a considerar es que en esta temporada pudimos ver a Tanjiro como el gran mesías que adonde va ayuda a sus compañeros. Es tan bueno y honorífico que todo está dispuesto para que le caiga bien a casi todos los personajes, aspecto que puede ser un poco cargante. No obstante, es una serie que se disfruta principalmente por su batallas, animación y melodrama.

Sandland

Ahora que Dragon Ball Daima anda haciendo de las suyas revoloteando la línea temporal oficial de Dragon Ball Z, y ahora que Akira Toriyama se nos fue de manera sorpresiva, Sandland es una serie para recordar el estilo aventurero y mordaz del famoso mangaka. La serie cuenta con dos arcos (el primero se vio resumido como película) en donde las aventuras y los guiños al universo de Dragon Ball no se detienen.

   Si bien es una shonen de peleas al uso con acción sin parangón, su final es un tanto convencional. Sin embargo, si has sido fanático de Toriyama, no debes perderte esta serie que te transportará a lo mejor de la inventiva de su autor

.

Tren al fin del mundo - Shuumatsu Train Doko e Iku?

Una serie que muchos no teníamos en el radar pero que con la recomendación de Hideo Kojima fuimos corriendo a verla. Luego de que el lanzamiento de la red 7G cambiara la realidad del mundo y las leyes de la física y la lógica se volvieran algo absurdo, un grupo de amigas sale de su aldea repleta de humanos antropomórficos en busca de una amiga. Las aventuras que vivirán en ese mundo absurdo resultan curiosas e ingeniosas al grado que el espectador sigue esperando para ver que nuevas vivencias y personajes conocerá.

Si bien no es una serie que desbordó su temporada, resulta una pequeña joyita para todos los fanáticos de la ciencia ficción y la fantasía que quieran disfrutar de un viaje extraño y estrambótico.

Mushishi: Zoku-Shō

Casi diez años después de haber disfrutado de la primera serie de Mushishi, en 2014 apareció la segunda temporada cuyo contenido sigue manteniendo la calidad en las historias planteadas. Gracias a las nuevas tecnologías computacionales, la animación japonesa de hoy en día sigue siendo un espectáculo visual que fascina al espectador. La mezcla de dicha tecnología y de la animación tradicional a mano conforman los elementos principales de esta producción desintoxicada de muchos de los clichés del anime contemporáneo.

   La historia prosigue con los diversos y fascinantes casos de mushis, seres que habitan en la naturaleza y que interaccionan con los animales, plantas y humanos provocando efectos benéficos o perjudiciales. Ginko, el principal mushishi de la serie, tendrá que seguir utilizando su pericia y vastos conocimientos para ayudar a las personas que se han visto afectadas por estas criaturas.

   La mayoría de los episodios son en cierto sentido esquemáticos. Por lo regular, Ginko descubre que hay alguien que sufre de alguna extraña condición, describe (o diagnostica) lo que el sujeto padece y, a continuación, procede a tratar de ayudar de alguna manera al afectado. No obstante, la serie sería un poco aburrida si sólo se concentrara en estos detalles. Cada historia desarrolla el lado humano de las personas afectadas y nos ofrece un delicioso panorama de las consecuencias de la interacción entre mushis y humanos.

   Por otra parte, en esta temporada conoceremos algunas andanzas de otros mushishis y cómo es que Ginko no siempre tiene todas las respuestas para lo que los mushis causan en el mundo. Descubriremos algunos detalles extras del pasado del personaje principal y nos deleitaremos con muchos de los elementos del sintoísmo que han sido desplegados a lo largo de la serie.

   En definitiva, una grandiosa producción cuya banda sonora apoya fuertemente la trama. Como he mencionado en otras entregas, la serie es un ejercicio de relajación para el espectador, es como si hiciéramos yoga. Y lo mejor de todo: no hay fan service, moé o elementos sobrenaturales efectistas por doquier. La fórmula de la historia está hecha para el deleite del espectador y sigue sorprendiendo por su originalidad y la calidad de su argumento en donde los guionistas nunca traicionan el ritmo o el concepto original del manga.

Trinity Blood

Existen ocasiones donde el seinen no siempre ofrece un espectáculo fascinante y desintoxicado de los excesos y clichés del shonen. Por una parte, hay que entender que en Japón se entiende la animación de una forma distinta a la occidental, y las tramas que por lo regular se ofrecen reflejan mucho de los gustos y valores de la cultura en el que se desarrollan. No obstante, hasta donde mi experiencia en la animación japonesa me lo ha permitido, he descubierto que muchas series niponas hacen hincapié en un estilo efectista: lo que importa no siempre es la coherencia de la historia, sino impactar al espectador con ideas muchas veces no consecuentes con lo que se ha planteado.

   Para la serie que ahora nos ocupa, observo un poderoso interés en contar una historia distinta, aunque a la mera hora la trama transpira ciertos clichés que la mantienen a la par de muchas de las series que los amantes del ánime vemos a diario..

   Trinity Blood es una serie que a primera vista nos ofrece una historia fresca e intrépida en la que se replantea hasta cierto punto el tema de los vampiros. Cientos de años después del Armagedón, el mundo occidental se ha reestructurado concentrando los poderes en un Vaticano todo poderoso que se enfrenta a un imperio (pienso que es el nuevo imperio británico) en toda suerte de problemas diplomáticos. Para resolver dichos problemas, uno de los agentes de una facción de la curia romana, el padre Abel Nightroad, es el encargado de resolver toda serie de complicaciones que puedan mermar la paz y la tranquilidad de su país.

   Pero al mismo tiempo, luego del apocalipsis, un nuevo grupo de humanos ha aparecido y posee una serie de poderes que los ha hecho entrar en conflicto con los humanos ordinarios: los matusalenes. Conformando el Imperio de la nueva raza, se trata de vampiros que buscan sobrevivir y establecer su propia nación frente a los intereses católicos.

   Luego de mostrar este panorama, la historia nos habla de Rosenkreuz, un grupo vampírico secreto que busca que los vampiros dominen el mundo y quien teje sus redes de conspiración para que los dos imperios entren en un fuerte conflicto.

   La historia es interesante y, como ya se ha mencionado, busca resolver muchos de los problemas mediante el diálogo o la estrategia política. Pese a ello, hay momentos en los que no hay otra forma de solucionar los conflictos más que empleando la fuerza. Y en este sentido, el padre Abel es pieza clave para la desarticulación de la orden secreta.

   Ya que hablamos del personaje principal, es necesario comentar que el padre Abel genera una gran empatía. Se trata de un sacerdote torpe e ingenuo pero que tiene un gran sentido del deber. Su papel como pieza clave y sus poderes ocultos se convertirán en un factor a considerar a la hora de lidiar con los villanos de turno.

   Como ya se ha dicho, la resolución de los problemas no sólo involucra la fuerza. Pese que al final vemos al padre Abel lidiar con el líder de la orden conspiradora, el espectador apenas y puede vislumbrar un poco del combate. Lo que interesa en la historia es el restablecimiento de relaciones entre los dos imperios y la estrategia diplomática como principal recurso.

   Pero pese a que la serie parece ser diferente, las batallas con los poderes se encuentran a la orden del día. Como un videojuego en el que que enfrentamos una situación y aparece un ser más poderoso que en el nivel anterior, la serie plantea al inicio vampiros un tanto débiles que son eliminados por Abel sin ningún problema. Sin embargo, conforme se van mostrando los siguientes villanos, el padre siempre tiene que elevar sus poderes y estar preparado para elevarlos a cada rato debido a que cada vez aparece un villano más poderoso que el anterior.

   En resumen, una serie refrescante aunque irregular que trata de alejarse un tanto de los estándares de las series japonesas, pero que al final termina optando por retomar algunos elementos que al principio los creadores habían rechazado.