jueves, 31 de julio de 2014
Cortometrajes Anime Cineteca Nacional: Amor (Ai, 1963) de Yoji Kuri
En el ciclo de animación japonesa de la Cineteca Nacional pudimos disfrutar cortometrajes de animación de distintas épocas. La gran mayoría son un tanto difíciles de conseguir, pero algunos si están en Internet como éste: Amor (Ai, 1963) de Yoji Kuri.
Trataré de postearles algunos de los mencionados cortometrajes. Mientras, aquí les dejo éste.
domingo, 27 de julio de 2014
Gen de los pies descalzos
Sábado de anime en la Cineteca Nacional con
función gratuita incluida y algunas lágrimas del público presente. En esta
ocasión, el resumen en la página web de la cineteca dice:
“Cinta basada en el manga autobiográfico de Keiji Nakazawa, un
superviviente de la bomba atómica de Hiroshima. La película muestra, desde el
punto de vista de Gen, el niño protagonista, el antes y el después de la caída
de la primera bomba. La vida en Hiroshima durante los últimos años de la
Segunda Guerra Mundial es retratada a través de las vivencias de una familia
japonesa, en una ciudad en la que sus habitantes sufren la escasez de alimentos
y el constante miedo por ser atacados”.
De
nueva cuenta tenemos una historia anti bélica en la que se muestran los
horrores de la guerra a partir de las víctimas inocentes. En 1945, en la ciudad
de Hiroshima, Gen es un niño que junto con su hermano menor vive el día a día
en una ciudad en la que los bombardeos son constantes y la comida escasea. En
una de esas, la detonación de la primera bomba atómica lanzada sobre una ciudad
nos muestra algunos de los horrores que muchos libros de historia no siempre revelan.
Por
un lado, se invita al espectador a pensar en quienes murieron instantáneamente.
Madres con sus niños, jóvenes y ancianos fueron vaporizados al instante. En
segundo lugar los sobrevivientes. Miles de personas malheridas y deformadas que
en poco tiempo murieron debido a las heridas. También tenemos a los soldados y
demás personas a quienes la radiación afectó e hizo que murieran de cáncer y leucemia.
Un
de las escenas más fuertes es la de los recogedores de cadáveres. Teniendo
decenas de miles de muertos, estas personas tuvieron que recoger y quemar casi
todos los cuerpos que se fueron encontrando.
Pero
la cinta también tiene un componente trágico para Gen. Poco a poco, irá
perdiendo a varios de sus familiares y tendrá que aprender a vivir en una
ciudad devastada.
El
tono antibelicista en esta cinta es mucho más sincero y menos adornado. Se
retrata sin ninguna censura ni piedad a las víctimas de la bomba atómica. Del
mismo modo, la cinta nos ofrece un retrato de una infancia interrumpida que debe
enfrentarse a la catástrofe y a la muerte.
Una
cinta casi a la altura de La tumba de las luciérnagas. Sin embargo, Gen de los
pies descalzos deja abierto un final con algo de esperanza mientras que la
cinta de Isao Takahata es mucho más cruda: en una terrible guerra y para
muchos, la esperanza también murió y no hubo segunda oportunidad.
En
definitiva, una cinta poderosa que nos muestra una cara cruda sobre las
víctimas de la guerra.
sábado, 26 de julio de 2014
La arcadia de mi juventud
Continuamos con un viernes lleno de animación japonesa
disfrutando de una cinta clásica que demuestra que estos productos
audiovisuales pueden ofrecer historias adultas desintoxicadas de muchas ideas
occidentales. En la página web de la Cineteca se lee el resumen:
“Cuando los
extraterrestres conquistan la Tierra y esclavizan a la raza humana, toda
esperanza de la libertad se pierde. Pero un hombre no se dará por vencido: el
capitán Harlock, un valiente piloto del espacio que dirige a la resistencia y
promete restaurar la libertad de su planeta. Aunque la historia nació del manga
y se popularizó en una serie animada, la película profundiza en los orígenes
del héroe antes de convertirse en un pirata del espacio que lucha contra
gobiernos totalitarios”.
Lo primero que vino a mi mente cuando estaba disfrutando la cinta es que ya la había visto en el legendario canal 5 de México cuando tenía
cinco o seis años. Lo curioso es que no recordaba en
absoluto al capitán Karlock, mas mi mente trajo recuerdos a los otros
personajes.
La trama de
ciencia ficción es de lo más interesante. En el siglo XXX, la humanidad ha sido
casi destruida por una poderosa raza alienígena con forma humanoide. Dicha raza
en expansión ya ha conquistado y destruido sin piedad otros mundos. En una
Tierra post-apocalíptica, el capitán Harlock, con ayuda de unos cuantos amigos,
conseguirá inspirar a la resistencia humana e inclinar la balanza a favor de
los terrícolas.
La estética es
de lo mejor. Se utilizan batallas espaciales que recuerdan a las clásicas
batallas de barcos piratas. De la misma forma, los aviones empleados en la
trama recuerdan poderosamente a muchos de los combates aéreos de la Segunda
Guerra Mundial. Incluso hay muchos flashbacks en donde se cuenta una bella
historia de amistad: a través de las generaciones, los ancestros de Harlock y
Tochiro se han encontrado y ayudado, viviendo grandes aventuras.
Pero también llama
poderosamente la atención la formación del héroe. Harlock no quiere poder ni
renombre, sino sólo desea hacer justicia. Siendo un pirata y un viajero de las
estrellas, tiene todo el universo para sí mismo, por lo que no le interesa
tener poder o una patria establecida.
En definitiva,
una larga, exquisita y bien trabajadas cinta que nos pasea por el origen de un
gran héroe que no desea la gloria pese a que ha salvado al mundo.
jueves, 24 de julio de 2014
La leyenda de la nieve
Continuamos de vacaciones y disfrutando de este ciclo de
anime en la Cineteca Nacional. Sería interesante si este recinto cinéfilo
ofreciera de vez en cuanto los últimos títulos cinematográficos en cuanto a
animación japonesa se refiere.
Mientras tanto, en el
resumen de la página web del mencionado recinto se lee:
“Yuki, un
espíritu de la nieve que vive en el cielo, es enviado a la Tierra con la misión
de combatir a seres malvados y ayudar a la gente. Es la época feudal en Japón y
Yuki desciende a una aldea, enfrentando valientemente a una banda de ladrones.
Los aldeanos, alentados por el valor de Yuki, van superando una serie de
adversidades que los aquejaban. Sin embargo, deberán enfrentar un reto mayor
cuando un demonio que vive dentro de un volcán emerge para destruir todo a su
paso”.
Esta cinta es
una muestra de que también en la animación se pueden abordar problemas políticos
y sociales. En una aldea azotada por bandidos, Yuki es enviada para tratar de
poner orden. Gracias a su ayuda, los bandidos serán eliminados. Sin embargo,
una vez que termina una amenaza inicia otra: grupos de guerreros samuráis extorsionan
a los aldeanos, mas nuevamente la ayuda de Yuki y una buena organización de los
pobladores ayudará a combatir la amenaza. Pero si eso no fuera suficiente, uno
de los magnates y gobernantes del pueblo también quiere aprovecharse de la
situación.
La cinta no
remite por un lado a la idea de que una sociedad organizada y unida puede
revelarse contra la opresión. Si bien las amenazas son eliminadas, siempre
llegarán nuevos villanos que desearán aprovecharse de los débiles y gobernar de
la forma más déspota.
El personaje de
Yuki es de lo más interesante. A pesar de ser una especie de ser sobrenatural,
su valentía y astucia permitirá inclinar la balanza a favor de los buenos. Lo
curioso es que nunca utilizará ningún recurso sobrenatural para detener a los
malos. Esto es curioso: en una historia de fantasía, los escritores y
guionistas muchas veces no pueden evitar inventar más de un recurso mágico.
Sin embargo, en esta cinta, un personaje sobrenatural que no usa nada de magia
ofrece un buen panorama para llevar la historia por otros linderos.
En definitiva,
una película con un buen componente social y fantástico que explota la
naturaleza humana y, en especial, la situación entre el opresor y los
oprimidos.
Galaxy Express 999
Continuamos con el ciclo de animación japonesa explorando
en esta ocasión algunas películas realizadas a finales de los 80’s y principios de esa década. En esta
ocasión ha tocado el turno a Galaxy Express 999. El resumen de la página web de
la Cineteca Nacional dice:
“En un futuro
donde los humanos aprendieron a transferir sus mentes a cuerpos robóticos,
otorgándoles así la inmortalidad, el joven Tetsuro se convierte en un
delincuente callejero después de que el conde Mecha asesinara a su madre. El
gran anhelo de Tetsuro es obtener algún día suficiente dinero para abordar el
Galaxy Express 999, un tren que tiene como destino final un planeta donde los
cuerpos mecánicos son ofrecidos de forma gratuita”.
Lo primero que
llama la atención es que esta cinta es un resumen de la serie del mismo nombre
que consta de 113 episodios. No sé qué piensen ustedes, pero resumir tal cantidad
de episodios en dos horas podría ser un buen ejemplo de cómo comprimir o resumir
largas historias dejando solamente los mejores elementos de la historia.
Por otra parte,
su uno hace caso omiso de la extensa serie, la cinta juega con falsos finales
que por momentos pueden resultar confusos. Hay un momento en donde Tetsuro
consigue vengar a su madre, mas lo que parecería ser el final de la película en
realidad sólo es la conclusión de una de las varias secciones en las que está
dividida esta producción.
Un aspecto
interesante, aunque ya manejado en la literatura, es la idea de que la moda en
el distante futuro de la cinta consiste en abandonar el cuerpo humano para
conseguirse uno robótico y así alcanzar la inmortalidad. Pese a que esta práctica puede
estremecer a más de uno, la trama juega con un aspecto moral derivado del uso
de los robots: la pérdida de lo humano y la adquisición de una identidad
artificial y vacía.
Como muchos
finales de películas de animación japonesa, todo se lo carga el carajo. Es
decir, al final los buenos ganan no sin antes que se desaten toda suerte de
explosiones tras explosiones.
En definitiva,
una película muy movida e interesante que invita al espectador a acercarse a la
serie original, a las películas, OVAs, Spin-offs, etc.
miércoles, 23 de julio de 2014
El gato con botas
Iniciamos esta semana con más películas del
ciclo “Anime. La animación japonesa de posguerra”. En esta ocasión, la Cineteca
Nacional ha ofrecido un panorama interesante de la animación en Japón durante
la década de los 60’s. El gato con botas es la cinta que en esta ocasión nos ha
tocado disfrutar. Primero lean el resumen:
“Pero es un gato con botas que ha sido
condenado a muerte por ayudar a un ratón. En su huida del Clan de los Gatos,
conoce a Pierre, un joven de buen corazón, al que sus egoístas hermanos obligan
a irse de casa para quedarse con su herencia. Juntos emprenden el camino hasta
que conocen a la princesa Rosa, a quien tendrán que salvar de casarse con el
ogro Lucifer. El éxito de la película fue tal que su personaje principal se
convirtió en la imagen corporativa de la compañía de anime Toei Animation”.
Y
precisamente la cinta es divertida y entrañable. Pero, así se llama el gato con
botas, es acusado de ayudar a un ratón y condenado a la horca. Sin embargo, es
inteligente y astuto y no dejará que la vida se le vaya. En su huida, tres
gatos serán los encargados de capturarlo a como dé lugar.
En
su escape, Pero conoce a Pierre, un niño cuyos hermanos le arrebatan la
herencia paterna. Tratando de ayudarlo, el gato con botas descubre que el rey
de la comarca quiere casar a su hija y se encarga de que Pierre, humilde hijo
de un campesino, se haga pasar por un acaudalado marqués. Con ayuda de toda una
pandilla de ratones, el gato inclinará las cosas a favor del chico para que
este abandone la pobreza y encuentre el amor.
Pero
el ogro Lucifer, lleno de ambición y de poder mágico, deseará casarse con la
princesa a cualquier costo y no dejará que nadie se interponga en su camino.
La
cinta es entrañable, muy movida y divertida. Las constantes y eternas luchas de
los tres gatos con Pero harán que más de uno se muera de la risa. Del mismo
modo, la pandilla de ratones que ayudan al gato con botas le darán un peso
importante a la trama. Todo está lleno de peleas con espada y magia, de
persecuciones chuscas al por mayor. Incluso el humor utilizado en la cinta es
sofisticado y encantará no sólo a los niños, sino también a jóvenes y adultos.
En
resumen, una película sumamente entretenida, inteligente y divertida que
garantiza hora y media de carcajadas.
lunes, 21 de julio de 2014
La gran aventura de Horus, príncipe del Sol
La segunda cinta de animación japonesa que he tenido la
oportunidad de ver el domingo 20 de julio en la Cineteca Nacional es La gran aventura de Horus,
príncipe del Sol. El resumen de la cinta, desde la página web de la cineteca,
dice lo siguiente:
“Ambientada en el norte de Europa durante la
Edad del Hierro, la historia narra cómo el valiente y joven Horus cumple con la
última voluntad de su difunto padre: buscar y defender el pueblo que años atrás
fue arrasado por el demonio Grunwald. Sólo la espada del Sol podrá acabar con
el demonio y para ello necesitará la ayuda de los hombres del pueblo. Primera
película dirigida por Isao Takahata, que además contó con Hayao Miyazaki como
parte del equipo de animación”.
La película es
un adelanto de las producciones que en unos años se llevarían a cabo en el
famosísimo Studio Ghibli. Isao Takahata, con el apoyo de Hayao Miyazaki,
construye un personaje juvenil que ya veremos en futuras producciones: un chico
con una energía gigantesca y una fuerza extraordinaria que, pese a las
adversidades, tiene la capacidad para inclinar la balanza y salvar el día.
Dicha idea incluso ya la vimos en la primera serie dirigida por Miyazaki en
1978: Conan, el niño del futuro.
Aunque me parece
que la cinta presenta algunos elementos inspirados en las producciones
occidentales (se ha dicho incluso que Miyazaki tiene un componente muy
anglosajón o europeo en sus producciones). En esta línea, la historia nos habla
de un héroe que llega para cambiar las cosas, de un aliado del villano en turno
que está en una especie de crisis, de un momento en el que el héroe pierde
credibilidad frente a quienes ha salvado, y, finalmente, en la batalla final en
la que un arma especial permitirá que Horus obtenga la victoria.
En cuanto a la
animación, la cinta es de 1968, más podemos observar que hay un trabajo
elaborado en los trazos y dibujos que nos produce una especie de sentido de la
maravilla frente a lo fantástico. Producciones posteriores de Takahata y
Miyazaki explotarán con creces este elemento.
La historia en
sí en para niños y jóvenes, mas muchos adultos también disfrutarán de la misma.
Hay escenas muy chuscas y personajes entrañables. También hay animales
humanizados que fungirán como los grandes compañeros de los héroes (Una
curiosidad es que la ardilla que aparece en la peli no tiene una
voz agudizada como se acostumbra en occidente, aspecto que se agradece).
En definitiva,
una película juvenil que corre muy bien, tiene final feliz y que dejará satisfechos a todos.
El conejo de cristal
Continuamos en la Cineteca Nacional con un domingo lleno
de animación japonesa que se disfruta en la pantalla grande y con sala de cine
abarrotada. En esta ocasión tocó el turno de El conejo de cristal, cinta que inauguró el ciclo de anime el
pasado jueves 17 de julio de 2014.
En el recinto
cinéfilo, la peli es presentada así:
“El conejo de cristal conmemora los sesenta años del lanzamiento de la bomba en
Hiroshima durante la Segunda Guerra Mundial. A través de la historia de la
familia Ei -hijos y esposa de un afamado artesano del cristal- se da cuenta de
los trágicos acontecimientos que se desencadenaron después del ataque nuclear.
La historia relata cómo la familia, al tratar de reunirse de nuevo, es víctima
de la situación crítica del momento”.
Nos
encontramos con otra cinta antibelicista al más puro estilo aunque no superior a La tumba de las
luciérnagas. Nuevamente tenemos a una familia con niños japoneses que se
enfrentan a los bombardeos y a la pérdida de sus seres queridos.
De
una forma cruda, la cinta nos cuenta la historia de Toshiko, una niña que sufrirá toda clase de calamidades al
por mayor. Por un lado, su ciudad natal está siendo bombardeada y al inicio
perderá su casa, a su madre y a sus hermanas menores. Más adelante, otra
tragedia ocurrirá agudizando y haciendo aún más trágicos los acontecimientos que va viviendo.
Sin
embargo, siempre hay algo de esperanza. Los hermanos de la niña han
sobrevivido, y gracias a uno de ellos y a la ayuda de otros parientes, Toshiko
podrá levantarse frente a las adversidades y seguir con su vida hasta llegar a
la tercera edad.
Un
aspecto que considero interesante es que la explosión de las bombas atómicas
apenas y se mencionan. Si bien tienen un efecto importante en la trama, los realizadores
se han concentrado en el aspecto humano de la historia y han dejado de lado
otros recursos que quizás desviarían un tanto la atención del espectador.
También resalta la animación. Hecha completamente a mano y sin mayores
florituras, la historia maneja un elemento antibélico utilizado en muchas
ocasiones: la idea de que las guerras no deberían existir debido a que muchas
de las víctimas son civiles inocentes que sufren, lloran y pierden a sus seres
queridos.
Y en
esta línea, la película no sólo ofrece un panorama desolador sobre los
bombardeos, las ciudades destruidas, la infancia arrebatada y la muerte, sino que también ofrece un vistazo de una nación japonesa devastada moral y
psicológicamente en donde el nacionalismo que se lleva en las venas ha sido humillado.
Así,
la cinta, realizada por encargo, tiene un fuerte componente propagandístico que
habla sobre los riesgos de la guerra y las decisiones de la nación japonesa
para que un acontecimiento de este estilo no vuelva a ocurrir nunca.
En
resumen, una película de animación poderosa, triste, que ofrece un panorama
sobre las víctimas de la guerra pero, a la vez, con una moraleja bonita aunque
un tanto artificial.
domingo, 20 de julio de 2014
Las aventuras de Anju y Zushio
Mi segundo día de animación japonesa en la Cineteca
Nacional ofrece sorpresas y sala abarrotada. Hay mucha gente realmente
interesada en el anime, género visual de culto que está dirigido a un nicho muy
específico que incluye a miles de fans.
El resumen de la
cinta, directo de la página del mencionado recinto cinéfilo, dice lo siguiente:
“Adaptación del cuento clásico El intendente Sansho, que
ya había sido filmado en 1954 por Kenji Mizoguchi. Un ambicioso oficial que
desea destruir a un honesto gobernador, ordena a sus secuaces que lo capturen
junto a toda su familia. A pesar de sus intentos por huir, el gobernador es
capturado y muere en prisión. Sus hijos tienen algo más de suerte: son vendidos
como esclavos al intendente. Con ayuda de sus amigos, uno de los hijos tratará
de recuperar las posesiones arrebatadas”.
En el caso de la cinta de
animación, poco sabemos sobre el gobernador capturado. La historia nos cuenta
las peripecias y tribulaciones de la familia y, en especial, de los hijos del
gobernante después de que un cruel y ambicioso oficial, al no poder casarse con
la hija de éste, incendia una región del bosque que forma parte de los dominios
del emperador. Buscando la venganza, el oficial inculpa al gobernador, quien es
acusado y encarcelado. La familia no tiene opción mas que escapar.
En el intento de la
familia por llegar al emperador para apelar la sentencia, la esposa y los hijos
son engañados y convertidos en esclavos. A partir de ahí, ocurrirán varias
situaciones y desgracias: la venganza del oficial ha surtido efecto, y por más
esfuerzos para liberarse y buscar que la familia se reencuentre, el daño está
hecho.
La cinta nos muestra una
animación japonesa distinta de lo que observamos hoy en día. Los personajes no
tienen ojos enormes, sino que presentan rasgos característicos de las pinturas
de los japoneses antiguos, entre éstos, destaca la piel muy blanca y los ojos rasgados.
La cinta nuevamente nos
transporta a varios siglos en el Japón antiguo, cuando la magia estaba a la orden
del día. Mas un aspecto realmente sobresaliente es el papel que la naturaleza
tiene en la historia. He leído que personajes como Godzilla, si bien alguna vez
formó parte de ese terrible estigma japonés referente a la bomba atómica, ahora representa a la naturaleza que busca mantener el orden frente a unas
insignificantes e inefectivas hormigas conocidas como los humanos. Muchas de
las invasiones de monstruos gigantes representan a la naturaleza que reacciona
frente al orgullo y arrogancia de la humanidad.
Y en la película que nos
compete, la naturaleza reacciona de una y mil formas frente a la desgracia. Si
bien actúa favorablemente frente a quienes sufren injusticias, su papel es
reaccionar frente a la maldad del hombre.
También podemos ver en la
peli el papel de los animales humanizados. Pese a que gran parte de la historia
tiene un tono agridulce, los pequeños personajes le dan un toque de inocencia y
carisma infantil a la cinta, alegrando por momentos la amargura de las
situaciones que viven los personajes.
En definitiva, otra gran
cinta con buena banda sonora, una animación maravillosa, artesanal y bien
hecha para la época.
sábado, 19 de julio de 2014
La guarida de la serpiente blanca
Este fin de semana iniciamos en la Cineteca Nacional con
el ciclo “La animación japonesa de posguerra”, películas de animación japonesa
de distintas épocas en las que el talento de los animadores de su tiempo sobresale por doquier. La guarida de la serpiente blanca, primera cinta que he
visto del ciclo, es presentada por el mencionado recinto para cinéfilos así:
"La primera película de animación
japonesa a color es una adaptación del cuento chino La leyenda de la serpiente blanca. La razón de utilizar una historia china era la
reconciliación entre ambas naciones. Cuando era joven, Xu-Xian tenía como
mascota a una serpiente blanca, pero sus padres lo obligaron a deshacerse de
ella. Años más tarde, la serpiente se transformó mágicamente en la hermosa
princesa Bai-Niang y se reencontró con Xu-Xian".
Lo primero que sale a la vista es que la animación está muy bien hecha
para 1958 (hay cintas de animación de los 80’s que no tienen semejante
calidad). Los personajes están bien delineados y tienen tanto atractivo que el
espectador, esperando apenas ver un clásico, se encuentra con una película muy
interesante, bien contada y con grandes dosis de humor.
La historia nos habla sobre los conflictos para encontrar al amor.
Bai-Niang es una serpiente mágica, mas se enamora de un ser humano. Cuando la
relación parece haberse consolidado, un brujo enemigo de toda clase de
espíritus malignos aparece en escena para frustrar el noviazgo. Pero el brujo
no es ni bueno ni malo, sino un enemigo de los espíritus un tanto cerrado que
cree que todo ser sobrenatural es demoníaco. Sin embargo, a la larga,
descubrirá lo contrario.
Los animales en la cinta tienen un gran papel. Dos animalitos, amigos de
Xu-Xian, harán lo imposible por ayudarlo e incluso pondrán en su lugar a una
peligrosa pandilla de animales que se dedica a robar a los comerciantes. En
esta parte, la cinta adquiere un valor infantil muy divertido y que hará reír a
niños y no tan niños.
La visión de una China tradicional también sobresale en la película. En
un tono costumbrista, el espectador puede descubrir con gran detalle cómo era
aquella sociedad antigua costera de comerciantes y cirqueros.
No está de más resaltar que la banda sonora es de primer nivel al grado
que transporta completamente al espectador a una China antigua. Del mismo modo,
la trama es riquísima en situaciones, factor que garantizará que el espectador
no se mueva de la butaca.
En resumen, una cinta clásica de animación japonesa que homenajea a su
vecino chino y encantará a chicos y grandes.
jueves, 17 de julio de 2014
Especial Studio Ghibli: “Ocean Waves / Puedo escuchar el mar”
Seguimos de vacaciones y dándonos escapadas ocasionales
para disfrutar de todas las películas de Studio Ghibli. Y en esta ocasión toca
el turno a Puedo escuchar el mar, una cinta que aunque no contó con la
participación de Isao Takahata y Hayao Miyazaki, sí cuenta con la participación
de creadores jóvenes que unieron todo su talento para contarnos una historia
cotidiana pero llena de vida.
Concebida para
transmitirse en televisión, la cinta nos cuenta la historia de Rikako Muto, una
chica con toda clase de virtudes pero que a la vez tiene dificultades para
adaptarse. A su vez, Taku Morisaki es un chico que se fija casi al instante en
Rikako y tratará de ayudarla en sus problemas cotidianos.
Sin embargo,
Rikako también es conflictiva y mete en problemas a su pretendiente secreto. Y
en esta línea, la estrategia de Taku para que la pareja se libre de los
conflictos tendrá un peso importante en la historia.
La historia en sí es una telenovela muy
relajada de apenas una hora y unos cuantos minutos. La historia de amor con
final distinto está a la orden del día y las vivencias de los jóvenes
universitarios formarán parte del resto de la trama.
En resumen, una
historia muy sencilla y entretenida que tiene un público muy específico: los
adolescentes que están a punto de pasar a la etapa adulta.
viernes, 11 de julio de 2014
La animación japonesa de posguerra
A partir del 17 de julio y hasta el 3 de agosto, la Cineteca Nacional, en colaboración con la Fundación Japón en México, ofrecerá una muestra muy variada de animación japonesa. Sobresalen algunas películas poco conocidas, cintas de los 50's en adelante, ciclos de cortometrajes, directores invitados y hasta algunas de las cintas más conocidas de Hayao Miyazaki. Así que no lo olviden, vale la pena un ciclo como este para disfrutar de cintas de distintas décadas en la gran pantalla.
Aquí pueden ver más detalles y descargar el programa completo.
Anime en el IPN
Esta semana quiero invitarlos al ciclo de animación japonesa que se celebrará en diferentes escuelas del Instituto Politécnico Nacional de México.
La opción vale la pena: de agosto a diciembre podremos disfrutar de algunas de las mejores cintas japonesas que se han presentado en diferentes festivales a lo largo y ancho del mundo. Revisen la página y la cartelera aquí.
Especial Studio Ghibli: “Porco rosso”
Seguimos de vacaciones disfrutando de algunas de las
películas pendientes en el anaquel familiar. Y en esta ocasión, toca el turno a
Porco rosso, quizás una de las cintas más adultas y occidentales que Hayao
Miyazaki nos ha regalado.
La historia nos
adentra en el periodo de entreguerras, y nos relata las travesías y aventuras de
Marco Pagot, una especie de piloto del ejército y pirata aéreo que ha huido de
su país y se dedica a realizar toda clase de trabajos como cazarrecompensas.
Pero hay un
placer de Pagot por frustrar los esfuerzos de la competencia. Él domina el mar
Adriático, y cualquiera que desee hacer negocios en su territorio se tendrá que vérselas con él.
La cinta juega
con distintos misterios. Por un lado, nunca está del todo claro por qué ha
adquirido esa especie de maldición en la que su cabeza tomó la forma de la de
un puerco. Asimismo, el final es demasiado juguetón: nunca nos enteramos si
regresa a la normalidad o sigue con su maldición.
Pero hay dos aspectos que me gustaría resaltar de esta cinta.
El primero de
ellos es el gran homenaje al cine negro. El nombre de Donald Curtis, uno de sus
más férreos enemigos de Pagot, recuerda a la famosa familia de actores Curtis.
Pero además, la cinta transmite el espíritu del cine de los 50’s con los
enfrentamientos entre rivales, con los centros de baile y la música, con las
historias de amor que no terminan bien. De hecho, la peli ofrece una
historia de amor tan interesante como triste: el amor imposible en su máxima
expresión, en el que la doncella ama a Pagot y él, debido a su maldición, nunca
podrá estar con su amada.
El segundo
aspecto a resaltar es el placer de Miyazaki por los aviones. Siendo un gran admirador
de la aviación, el director nos ofrece escenas detalladas del funcionamiento de
estos aparatos, de cómo planean, de cómo es que se construyen o reparan.
En resumen, una
cinta memorable que fascinará a los gustosos del cine estadounidense de antaño
y que posee el sello característico de su director.
sábado, 5 de julio de 2014
Jyu Oh Sei
Seguimos aprovechando las vacaciones para disfrutar de
algunas series pendientes que andaban arrumbadas en la habitación. A su vez,
continua mi revisión de algunas series importantes del estudio Bones.
En esta ocasión
tocó el turno de Jyu Oh Sei, serie cien por ciento de ciencia ficción que
esconde agradables sorpresas al espectador gustoso de este género.
La historia nos
ubica a varios siglos en el futuro. La humanidad ha logrado colonizar un
sistema planetario conocido como Balkan y ha terraformado sus mundos para
habitarlos. En una de esas, los gemelos Thor y Rai viven cómodamente en uno de
aquellos mundos: el primer hermano es fuerte y decidido, mientras que el segundo en
nervioso y débil.
Pero
sorpresivamente ocurre una tragedia: los gemelos de 11 años descubren que sus
padres han sido asesinados. Luego de ser adormecidos, los niños despertarán y
descubrirán que han sido enviados a Quimera:
un mundo hostil habitado por plantas carnívoras súper desarrolladas que funge
como prisión.
Una vez ahí,
Thor tratará de descubrir quién asesinó a sus padres y buscará la forma de
regresar al mundo en el que nació. No obstante, ocurrirán varios sucesos que
complicarán la aventura: Rai morirá víctima de una extraña planta carnívora.
Cuando Thor
avanza, descubre que aquel mundo se ha dividido en cuatro anillos, cada uno con
su gente y gobernado por un líder. Se cuenta que en una lucha entre los cuatro
líderes, quien sea el vencedor se convertirá en el Jyu Oh Sei, el Rey Bestia, y
tendrá derecho a regresar a casa.
En su viaje,
Thor encontrará algunos buenos amigos que lo ayudarán a escalar posiciones. Sin
embargo, conforme se acerque a la cima encontrará algunas verdades que tendrá
que afrontar de una u otra forma.
En el juego de nombres nórdicos y germanos, la serie ofrece un contexto de ciencia ficción
creíble y bien desarrollada. Por momentos, la vista de Quimera es extraña y
desconcertante y vaya que consigue emocionar al espectador y hacerle creer que
en realidad se trata de un mundo alienígena.
La historia
también juega con algunos elementos de las historias de espada y brujería
(aunque sin ésta última). Hay luchas con espadas, pueblos con reglas,
guerreros, y un sinfín de personajes. A su vez, la trama juega bien con el
romance y nos habla sobre un triángulo amoroso con todo y sus conflictos.
Hay una cosa que
sí me dio risa. Thor tiene once años cuando llega, mas cuando tiene quince y se
vuelve el líder del anillo, su porte es más de un súper modelo de 35 años que
dedica varias horas al día para su arreglo personal en lugar del de un simple
adolescente.
Pese a que al
final conocemos a Odín, la mente detrás del asesinato de los padres de Thor y
de los experimentos genéticos para crear una nueva raza humana resistente a las
condiciones extremas de los planetas que se han terraformado, creo que el desenlace es completamente fallido. Se abusa de los clásicos clichés en donde los
acompañantes del personaje van muriendo uno por uno en actos valerosos de
sacrificio. También algunos personajes que no merecían morir lo hacen y otros
logran sobrevivir. La muerte de Tiz, el gran amor de Thor, es por demás forzado
y un tanto absurdo.
En resumen, una
serie corta de ciencia ficción que empieza muy bien y que termina de forma
fallida, irregular y precipitada.
viernes, 4 de julio de 2014
Especial Studio Ghibli: “Recuerdos del ayer”
Si les gustan las películas de la gustada animación
japonesa y, en especial, las que los hacen desparramarse en lágrimas, esta
cinta sencilla y al parecer sin chiste seguramente encontrarán una grata
sorpresa.
Studio Ghibli es como el Pixar de Japón. Sus
películas son consideradas como bellos trabajos que transportan al espectador a
mundos mágicos sin igual. Pese a que muchas de las historias del estudio son de
fantasía, aquellas que podrían ser “realistas” en realidad convierten lo
cotidiano en algo fantástico.
Y Recuerdos del
ayer no es la excepción.
Isao Takahata,
otro de los grandes de este estudios, estuvo detrás de la dirección de esta
cinta. El propio Hayao Miyazaki estuvo involucrado en la producción.
La historia nos habla de Taeko, una
joven adulta que viaja al campo para pasar las vacaciones con sus parientes. Entre
toma y toma, Takahata nos regala deliciosas tomas costumbristas sobre cómo se
obtienen y preparan diversos cultivos.
Pero la
protagonista trae una especie de fuerte nostalgia por lo que vivió alguna vez
en quinto año de primaria. Así, podemos conocer que en nivel escolar, Taeko tenía talento para la
actuación, tuvo buenos amigos, algunos bonitos amores y algunas gratas
vivencias con la familia.
Con respecto a
esta última, el director nos ofrece un panorama de la familia japonesa en la
que pese a que todos opinan, la figura paterna, seria y lectora del periódico,
es quien tiene al final la última palabra.
En su viaje al
campo, Taeko encontrará el amor y aprenderá que pese a que las vivencias del
pasado fueron grandiosas, uno debe dejarlas ir.
Una de las
escenas del final me parece sumamente conmovedora. En la misma, Taeko viaja de
regreso a la ciudad en medio de tantas dudas y, a manera de símbolo, se
encuentra en el transporte con todos sus compañeros, quienes la convencen de
regresar. Al final, se va sin ellos mientras que la observan alejarse. Esto me
parece una hermosa escena sobre lo bello del pasado que uno al final debe dejar
atrás.
En resumen, una
historia realista y costumbrista que a partir de lo cotidiano nos contará una
poderosa historia sobre la vida misma.
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