Tatami Time Machine Blues

El día de hoy vamos a comentar una serie que ha estado en mi radar desde que se estrenó hace pocos años: Tatami Time Machine Blues. Esta miniserie (en realidad, hay que admitirlo, película partida en pequeños episodios de hasta 17 minutos) es la secuela de la icónica y aclamada The Tatami Galaxy. Y, hasta cierto punto, sigue también el estilo de una especie de spin off que lleva por título The night is short, walk on girl: película que sigue el mismo estilo. Estas últimas dos producciones fueron en su momento dirigidas por Masaaki Yuasa, uno de los grandes directores del anime contemporáneo que lamentablemente no es tan conocido como debiera.

   La serie original The Tatami Galaxy estrenada en 2010 presentaba la vida universitaria de  Watashi, el protagonista que quedaba atrapado en un bucle temporal de decisiones y arrepentimientos, todo narrado a una velocidad vertiginosa. En esta primera entrega, los juegos con la animación, el estilo kitsch y los personajes nos transportaban a un Japón contemporáneo repleto de comedia de enredos y juegos temporales, llevando a su director a uno de los puntos más altos en su carrera como animador y creador. No obstante, ahora dicho director no está involucrado en la historia que ahora comentamos, aspecto que resuena cuando el espectador se anima a ver la serie.

   En esta ocasión, la historia nos trae de vuelta al elenco de la serie original, pero con un giro curioso: en lugar de bucles temporales inexplicables ahora tenemos los enredos clásicos que provocan las máquinas del tiempo. La premisa es deliciosamente simple: en un caluroso día de verano, durante la filmación de una película escolar, el único control remoto del aire acondicionado del dormitorio de Watashi y Ozu se descompone de forma accidental. Cuando la desesperación por el calor se cierne sobre ellos, un misterioso estudiante de intercambio, Tamura, aparece con una máquina del tiempo aparentemente funcional. Por supuesto, la tentación de usarla para solucionar un problema tan trivial como un control remoto descompuesto es demasiado grande, lo que lleva a los personajes a un caótico y divertido viaje en el tiempo.

   Lo primero que salta a la vista es el regreso del estilo visual característico de Yuasa, aunque en esta ocasión la producción corre a cargo de Science SARU y Wit Studio. Si bien no es tan experimental como la serie original, mantiene ese encanto peculiar con sus diseños de personajes estilizados y animaciones fluidas que se adaptan perfectamente a la comedia y al absurdo. La paleta de colores suave y vibrante es uno de sus puntos fuertes, haciendo que cada escena sea visualmente atractiva. Asimismo, la velocidad narrativa no es tan frenética como en The Tatami Galaxy, aunque sigue siendo un sello distintivo de la producción. 

   Y justo se nota la ausencia del director original, aunque su esencia permanece hasta cierto punto en la miniserie (película recortada) que ahora comentamos. No obstante, uno de los pequeños problemas es que la historia es demasiado breve, aspecto que hace que la historia no sea del todo digna de ser recordada. Asimismo, la historia requiere agregar un mini episodio tipo precuela para tratar de darle sentido a todo lo que se cuenta. Pero si el espectador omite todo esto, la producción garantiza una historia de viajes en el tiempo, peligrosas paradojas, comedia de enredos y muchos guiños al folclore japonés. 

   En definitiva, esta serie es una adición más ligera pero encantadora que expande el universo y nos permite pasar un poco más de tiempo con los personajes de la serie original. Para los amantes de la comedia, esta producción es perfecta para reír mientras se disfruta de un estilo visual único. Si bien no es tan ambiciosa, densa y filosófica como su predecesora, resulta un complemento perfecto para disfrutar de dos horas seguidas con un anime que busca alejarse del grueso de las producciones que se estrenan hoy en día. 

   

 

Summer Time Rendering

Saludos a toda la banda amante del anime, especialmente aquellos que buscan alternativas a las series que están diseñadas para ser el hit de la temporada. En esta ocasión tuve la oportunidad de disfrutar de una serie que si bien no toca el tema más original del mundo, sí posee un ritmo trepidante que mantendrá al espectador pegado a la pantalla. La serie de ciencia ficción y thriller que ahora comentamos lleva por título Summer Time Rendering, una producción que había pasado por alto y ahora que la pude ver resulta de lo más interesante. Para quienes les gusten las historias con viajes en el tiempo, loops, giros inesperados, misterios sobrenaturales y una atmósfera inquietante, ¡esta es su serie!

   Como ya mencionaba, la historia sobre viajes y bucles temporales no es nada nueva. Series como Higurashi no naku koro ni o Re:Zero, por mencionar algunos ejemplos recientes, ya juegan en tono de shonen con los viajes en el tiempo y los thrillers. De la misma forma, series de este tipo juegan finales juveniles, heroicos y  llenos de paroxismo en donde el héroe o los héroes logran componer las cosas. Así, la historia que ahora comentamos retoma estos elementos casi de fórmula para ofrecer un espectáculo muy entretenido y lleno de sorpresas.

   Summer Time Rendering nos transporta a la idílica y aparentemente tranquila isla de Hitogashima, donde nuestro protagonista, Shinpei Ajiro, regresa para asistir al funeral de su amiga de la infancia, Ushio Kofune, quien supuestamente se ahogó. Sin embargo, lo que comienza como un triste reencuentro se convierte rápidamente en una pesadilla cuando Shinpei descubre indicios de que la muerte de Ushio no fue un accidente y que algo siniestro acecha en la isla. Lo más peculiar es que el protagonista parece estar atrapado en un bucle temporal, reviviendo el mismo día una y otra vez, con cada repetición revelando más secretos y peligrosos entes conocidos como las sombras, mismos que imitan a las personas para ocupar su lugar.

   Lo que hace tan interesante a la serie es su mezcla de géneros. Se trata de un thriller sobrenatural con toques de horror psicológico, un misterio absorbente y pinceladas de ciencia ficción gracias al concepto de bucles temporales. La trama se las arregla para mantener un ritmo trepidante, con cada episodio desvelando nuevas pistas y subiendo la apuesta de forma constante. El espectador nunca se siente un paso por delante de la trama: se encontrará formulando teorías solo para que sean desmanteladas ingeniosamente en el siguiente giro argumental.

   Los personajes están bien construidos. Shinpei es un protagonista astuto y determinado que aprende de sus errores en cada bucle y se adapta a las crecientes amenazas. Su desarrollo a lo largo de la serie resulta por demás interesante. Además, el elenco de apoyo, incluyendo a la enigmática Ushio y su hermana Mio Kofune, son vitales para la trama y añaden capas de complejidad a la historia. Las sombras son antagonistas realmente aterradores, no solo por su naturaleza sobrenatural, sino por la forma en que explotan las debilidades y los miedos humanos.

   La animación, a cargo de OLM, es sólida y efectiva, creando una atmósfera que oscila entre la belleza de la isla y la inquietud del peligro inminente. Las escenas de acción son dinámicas y bien coreografiadas, mientras que los momentos de tensión están manejados con maestría haciendo uso de un excelente diseño de sonido para aumentar la inmersión.

   En cuanto a puntos negativos, el exceso de fan service puede resultar molesto e innecesario (como la mayoría del fan service), al grado de desviar la atención de los giros argumentales. No obstante, para otros este elemento puede darle atractivo extra a la serie. Del mismo modo, por momentos la historia es un tanto acelerada e incluso comete algunas trampas narrativas para que la historia no pierda su ritmo frenético. En cuanto al tono de fórmula, el desenlace puede resultar demasiado convencional y similar a muchas otras series shonen, aspecto que podría decepcionar a muchos espectadores.

   En resumen, Summer Time Rendering es una joyita escondida que merece mucha más atención. Para quienes buscan un anime que los mantenga al filo del asiento, que lo haga cuestionar la realidad y que les ofrezca una historia llena de misterio y adrenalina, esta producción es para ustedes. Se trata de una experiencia muy entretenida y espectacular que combina lo mejor del thriller sobrenatural y los viajes en el tiempo de una manera ágil y emocionante.  

 

 

The Beast Player Erin

 

Regresamos en esta ocasión a hacer honor al blog con un anime muy poco conocido pero que promete una buena experiencia y un buen entretenimiento. De la misma forma, en este blog hablábamos hace unas semanas de la escritora y etnóloga Nahoko Uehashi, escritora de fantasía y profesora de antropología que dota sus historias de un tono casi etnográfico. Con Moribito, El Guardián del Espíritu Sagrado, la adaptación al anime ofrecía una primera aproximación a esta gran obra mezclando fantasía, acción, batalla y política a un nivel sumamente satisfactorio; en cambio, para la serie que ahora nos ocupa, el drama y la fantasía son los puntos centrales a considerar.

   Erin The Beat Player (Kemono no Souja Erin, 2009) es una serie de 50 episodios que busca cautivar la imaginación del espectador, especialmente aquel que ya es maduro y disfrutó hace muchos años la famosa serie anime de Heidi. Basada en las novelas de la autora mencionada arriba, esta pequeña joya escondida del anime busca ofrecer una experiencia rica y profunda para el espectador.

   La historia sigue a Erin, una joven con un don excepcional y una conexión única con las criaturas fantásticas de su mundo, especialmente los Touda y los Ouju, bestias míticas que juegan un papel crucial en la política y la guerra de su reino. A lo largo de sus episodios, acompañamos a Erin en un viaje de crecimiento, descubrimiento y desafíos mientras navega por un mundo complejo donde la naturaleza, los conflictos político-militares y las creencias ancestrales chocan constantemente.

   Lo que hace que la serie de anime sea tan especial es su enfoque en la ecología, la ética y la coexistencia. No se trata de una serie de acción trepidante, sino una narrativa pausada que invita a la reflexión. Las animaciones, aunque no sean las más modernas, poseen un encanto propio y logran transmitir la belleza y la crudeza del mundo de Erin. La banda sonora es igualmente evocadora, sumergiéndonos por completo en la atmósfera de la serie.

   Al igual que con sus otras obras, Nahoko Uehashi nos envuelve en una visión casi antropológica de aquel mundo fantástico inmerso en conflictos bélicos, permitiéndonos conocer cómo es que los humanos crean sus propias costumbres en función de su relación con los animales fantásticos. De igual forma, conocemos a lo largo de la serie una escuela de crianza y herbolaria, misma que es descrita con calma y detalle en la serie.

   Si algo podemos criticar del anime que ahora comentamos es justo su larga duración. El alivio cómico y el relleno por momento desvían la atención de los temas centrales de la historia al grado de resultar innecesarios. Del mismo modo, la trama por momentos es un tanto tramposa al darle a Erin todo el mérito en la historia. Un ejemplo viene a discusión: en uno de los episodios hay una persona que ha sido envenenada y lo lógico es que se envía al profesor de venenos para desarrollar una cura, no obstante, la protagonista es enviada a buscar la cura siendo que aún es una estudiante que no está especializada en el asunto (todo por lucir en exceso a Erin en la serie).

   Fuera de estos pequeños problemas, la serie está diseñada para ser disfrutada por los fanáticos del anime que les apasione el desarrollo de personajes, las tramas bien elaboradas y un mundo de fantasía ligero y original. Así, su diseño busca hacernos sentir y pensar, buscando dejar huella en el espectador. Se trata de una joya oculta que no deberían perderse.

 

Phoenix: Eden17

 

En los últimos años ocurre un fenómeno curioso con muchas películas de anime: éstas son cortadas de forma casi artificial para hacer creer al espectador que se trata de una miniserie de 4 o 5 episodios. Esto se nota al revisar los créditos, dado que muchas productoras justo señalan que originalmente el proyecto consistía en una película ya sea para cine o televisión. Es posible que el público prefiera series de anime a películas, de ahí los recortes. Y para el caso que nos ocupa, la película (recortada a miniserie de 4 episodios) que ahora comentamos sufre la misma intervención.

   Para todos los fanáticos de la ciencia ficción y las historias con un corazón filosófico, Phoenix: Edén 17 es una pequeña joyita que nadie se puede perder. Basada en el inconcluso manga Phoenix de Osamu Tezuka, esta adaptación producida y distribuida por Disney+ nos sumerge en un futuro distante donde la humanidad busca un nuevo hogar entre las estrellas. Lo que viene a continuación es una aventura épica por el espacio y el tiempo que busca reflexionar sobre la vida, la muerte y el verdadero significado de la existencia.

   La serie nos lleva al año 2420. La Tierra es casi inhabitable y los humanos, o lo que queda de ellos, viven en naves generacionales y buscan un nuevo planeta para colonizar. En este contexto, la trama sigue a George y Romy, dos colonos que se asientan en el planeta Edén 17. Sin embargo, lo que encuentran allí es mucho más complejo de lo que esperaban. A lo largo de la película (miniserie), el espectador es testigo de la lucha por la supervivencia, el paso de las generaciones, la evolución de la vida y las preguntas eternas sobre la moralidad y el destino.

   Uno de los puntos más interesantes del anime son sus personajes. Desde la valiente Romy que debe criar a su hijo sola junto a un robot de servicio, hasta la nueva civilización que se desarrollará en Edén 17: cada figura está construida con profundidad y propósito. Sus interacciones y conflictos impulsan la historia, explorando otros temas como la soledad, el amor, la traición y la esperanza en medio de la adversidad. Así, la película nos invita a empatizar con sus luchas y comprender sus motivaciones, haciendo que cada descubrimiento en el planeta se sienta personal.

   Desde el punto de vista visual, la serie es un festín para los ojos. La animación es fluida y detallada, creando paisajes espaciales y entornos alienígenas sumamente hipnóticos. Los diseños de personajes, aunque fieles al estilo de Tezuka, se sienten frescos y modernos. La banda sonora complementa perfectamente la atmósfera de la serie, alternando melodías evocadoras que transmiten la inmensidad del espacio y piezas más íntimas que subrayan los momentos emocionales. La combinación de estos elementos visuales y auditivos sumerge por completo al espectador en este universo futurista.

   Pese a ser una historia de ciencia ficción potente y melancólica, quizás uno de sus principales problemas es el guión y los giros de trama. A lo largo de su historia, el anime va abriendo nuevas rutas narrativas que simplemente se mencionan de pasada y después se olvidan, dejando todo el asunto sin mayor desarrollo. Incluso muchas de éstas no aportan absolutamente nada a la trama y son prescindibles. De la misma forma, la llegada a la Tierra y la aventura que ahí se produce resulta desangelada y poco desarrollada, con un final nada trabajado que echa a perder casi dos horas de película.

   En definitiva, el espectador está ante una miniserie (película) que cautiva por su narrativa, sus personajes y los temas que discute. Si bien es una adaptación que busca honrar el legado de Osamu Tezuka llevándolo a nuevas alturas con una producción de alta calidad, el guión se va desinflando conforme nos acercamos al final de la historia. No obstante, se trata de una producción que no solo busca entretener, sino que también invita a pensar: visualmente hablando, estamos ante una gran experiencia inmersiva que nos recordará que el anime es un medio muy poderoso para contar historias.

Ishura

 

Como siempre sucede en el vasto  universo del anime, donde cada temporada trae consigo una oleada de nuevas historias y mundos por explorar, pocas series logran destacar con audacia y originalidad. Experimentar puede ser muy riesgoso, dado que el producto final puede ser una obra maestra o un desastre. Pero para la serie que ahora comentamos, los puntos medios en dicha experimentación puede resultar curiosos: Ishura se presenta como un shonen de peleas pero con un gran enfoque en la fantasía oscura, las batallas épicas y los personajes enigmáticos, por lo que quienes amen estos elementos tendrán una serie digna de ser disfrutada.

   Este anime nos sumerge en un mundo de alta fantasía donde el Rey demonio, el enemigo de los seres que allí habitan, ha sido derrotado, por lo que se ha dejado un vacío de poder que atrae a los seres más extraordinarios y peligrosos. La premisa es tan simple como enigmática: múltiples individuos con habilidades legendarias, los Shuras, competirán por el título del Verdadero Héroe. Lo que distingue a Ishura de otras series es su enorme enfoque coral: en lugar de seguir a un único protagonista, la narrativa salta entre las perspectivas de estos campeones, revelando sus motivaciones, tragedias y el alcance de sus poderes.

   Uno de los puntos fuertes de la serie es justo su construcción de decenas de personajes. Desde el espadachín de un solo ojo que puede matar instantáneamente hasta la guerrera alada con una sed insaciable de batalla, cada shura es un universo en sí mismo. Sus diseños son muy impactantes y sus personalidades, aunque a menudo retorcidas, son innegablemente cautivadoras. Para el espectador que le dé una oportunidad, será difícil escoger un personaje favorito dados sus complejos arcos de desarrollo y son ambigüedad moral.

   Aunque no todo es miel sobre hojuelas. Si bien la construcción del universo de la serie es lo más logrado al mostrar toda clase de guerreros y criaturas, la presentación de personajes puede ser excesiva y saturar a los espectadores. La gran batalla épica, una batalla estilo battle royale muy esperada, misma que se viene prometiendo desde los primeros episodios, se retrasa en demasía. Así, la serie, aún incompleta y sin señales del estreno de su tercera temporada, no para de presentar personajes mientras que su confrontación más esperada sigue sin aparecer.

   Por otra parte, visualmente, Ishura es un deleite. La animación es fluida, especialmente en las secuencias de combate, mismas  que son intensas, brutales y viscerales, dignas del género de fantasía oscura y el gore. Los diseños de los monstruos y el entorno, aunque sombríos, están llenos de detalles que enriquecen la inmersión en este mundo desolado. Asimismo, la banda sonora complementa a la perfección la atmósfera, con piezas épicas que elevan los momentos de acción y melodías sombrías que profundizan en el misterio.

   Si bien la multiplicidad de personajes puede parecer abrumadora al principio, este es precisamente su experimento y su riesgo. Del mismo modo, cada episodio teje una red compleja de alianzas y rivalidades, manteniendo un ritmo ágil que mantiene la atención del espectador. Así, es una serie que desafía la atención e invita a conectar puntos y especular sobre el verdadero propósito de cada personaje.

   En resumen, si bien Ishura está aún incompleta y puede ser excesiva en su presentación de personajes, no es solo una serie de acción más: busca ser una exploración profunda de la naturaleza del heroísmo, la ambición y la supervivencia en un mundo sin reglas. Para quienes buscan una experiencia anime que los mantenga al borde del asiento, se trata de una serie con una narrativa atrevida y una estética visual impresionante. Es uno de esos animes que buscan perdurar en la memoria del espectador.

Moribito, guardián del Espíritu Sagrado

 

Resulta interesante que el anime nos permite explorar la obra de una autora para describir sus ideas y propuestas narrativas. Para esta entrada, me gustaría rescatar la figura de la escritora japonesa Nahoko Uehashi, etnóloga de formación, académica y escritora de libros de fantasía. Una de sus series más interesantes es la de los Guardianes, misma que consta de más de 10 libros y que incluye novelas y colecciones de relatos ubicados en el mismo universo. Así, esta serie ha tenido su adaptación en varias temporadas live action cuyo estreno ocurrió la década anterior. Para el caso que nos ocupa, comentaremos la primera adaptación al anime.

   En primera instancia, si el lector busca un buen anime de fantasía que lo sumerja en un mundo rico y bien construido, lejos de los clichés habituales, entonces está en el lugar indicado. Moribito: Guardián del Espíritu Sagrado (Seirei no Moribito), se presenta como una serie de 2007 que, a pesar de sus años, sigue siendo tan relevante y cautivadora como el día de su estreno, dado que se trata de una historia de aventuras y personajes bien desarrollados.

   Moribito nos presenta a Balsa, una formidable guardaespaldas de lanza errante, una mujer fuerte e independiente que vive bajo el juramento de salvar ocho vidas en penitencia por las ocho que le fueron arrebatadas. De pronto, su camino se cruza con el del príncipe Chagum, a quien la emperatriz pide proteger. El joven príncipe es portador de un espíritu acuático milenario, y su propia familia real lo ha marcado para la muerte creyéndolo poseído por un demonio.

   Lo que sigue a continuación es una increíble odisea de supervivencia, amistad y descubrimiento. La trama se desarrolla con un ritmo pausado pero constante, permitiendo al espectador saborear cada momento y sumergirse por completo en las culturas y los paisajes que Balsa y Chagum atraviesan. No hay villanos unidimensionales aquí; las motivaciones de cada personaje son complejas y creíbles, lo que eleva la narrativa a un nivel superior.

   Uno de los puntos más fuertes de Moribito es, sin lugar a dudas, su protagonista Balsa. Lejos de ser la típica heroína femenina idealizada, resulta ser una mujer adulta, experimentada, pragmática y sumamente capaz. Sus habilidades de combate son impresionantes, pero lo que realmente la define es su estoicismo, su compasión y su inquebrantable sentido del deber. Es un personaje al que es fácil admirar y con el que se puede empatizar profundamente. Para quienes sean amantes de la fantasía épica, Balsa es un soplo de aire fresco y un modelo a seguir.

   El desarrollo de la relación entre la protagonista y Chagum es el corazón de la serie. Ver cómo este niño, mismo que creció en un ambiente real opresivo, florece bajo la protección y el cuidado de Balsa, es uno de los mayores placeres de la serie. Otro punto, también de gran interés, nos lleva a la resolución de conflictos. Mientras que el espectador puede disfrutar muchas escenas de acción y artes marciales, en otras se plantea que el diálogo puede ser poderoso para calmar los ánimos y establecer nuevas alianzas. 

   Producida por Production I. G., la calidad visual de Moribito es excepcional para la época e incluso para los estándares actuales. Los escenarios son increíblemente detallados y transmiten una sensación de inmensidad y realismo. Las secuencias de acción son fluidas y dinámicas, coreografiadas de manera magistral, resaltando la habilidad de Balsa con la lanza sin caer en extravagancias.  

   El diseño de personajes, aunque no es el más estilizado y al que muchos están acostumbrados en el anime moderno, es realista y se ajusta perfectamente al tono de la historia. Cada detalle contribuye a la inmersión en este mundo de fantasía inspirado en culturas de Asia oriental.

   Un aspecto interesante es que la dirección viene de la mano de Kenji Kamiyama, exitoso director contemporáneo que en ese entonces venía de dirigir las dos temporadas de la serie Ghost in the Shell. Su respeto por la obra original a la par del tono casi antropológico con el que se maneja la historia, el contexto cultural y los personajes permite disfrutar de una gran trama dado que los libros de la saga aún no están traducidos al español (aunque los dos primeros lo están al inglés). La riqueza y costumbres del mundo fantástico son delineadas con gran detalle, permitiendo que el espectador conecte con dicho universo.

   En definitiva, Moribito es mucho más que un simple anime de fantasía. Es una obra que explora temas como la maternidad, el sacrificio, el deber y la búsqueda de la identidad. Si aún no la han visto, les recomiendo encarecidamente que le den una oportunidad. Es una serie de anime que perdurará en la memoria del espectador mucho después de haber visto el último episodio.

 

Kokkoku

 

Continuamos con las recomendaciones de animes desconocidos en este blog, series infravaloradas dado que se estrenaron en el momento equivocado pero que fueron después rescatadas del olvido. Así, se trata de historias curiosas e interesantes que se alejan de los clichés generales del temáticas como el shonen de peleas y que ofrecen un entretenimiento satisfactorio si se les da una oportunidad. En esta ocasión, comentamos la serie Tokkoku (2018), una historia que pasó casi desapercibida pero que ofrece una trama singular.

   ¿Alguna vez nos hemos preguntado que pasaría si el tiempo se detuviera para todos… menos para nosotros? Esta es la premisa inicial de esta serie producida por Geno Studio, mismo que nos lanza de cabeza y nos ofrece una experiencia tan única como desconcertante. Como ya se mencionó arriba, si el espectador busca algo más allá de lo convencional, he aquí la sorpresa: debemos sumergirnos en el Stasis, un mundo donde cada segundo cuenta y la supervivencia pende de un hilo.

   La historia sigue a la familia Yukawa, quienes se ven envueltos en un secuestro que podría terminar en tragedia. Pero justo cuando todo parece perdido, el abuelo de Juri (nuestra protagonista) revela un secreto ancestral: la habilidad de entrar al Stasis, un lugar donde el tiempo se detiene por completo. Lo que comienza como un intento desesperado por rescatar a sus seres queridos, pronto se convierte en una lucha por entender y controlar este misterioso poder, mientras una organización oculta, los Heraldos, también persigue los secretos del Stasis.

   La serie brilla por su originalidad. La forma en que explora el concepto de tiempo detenido es fascinante, presentando reglas y criaturas que se sienten frescas y a la vez aterradoras. Visualmente, el anime tiene un estilo distintivo, con personajes que, si bien no son los más atractivos para todos, si encajan con la atmósfera peculiar del anime. La tensión se mantiene a lo largo de 12 episodios más que suficientes, todo ello con giros que nos mantendrán pegados a la pantalla.

   Sin embargo, la complejidad de la trama y la rapidez con la que se introducen nuevos elementos puede ser un arma de doble filo. A veces, la narrativa se siente quizás algo apresurada de acuerdo con algunas opiniones encontradas en la red, dejando algunos cabos sueltos o explicaciones que requieren un poco más de atención para ser digeridas. Pero, sinceramente, esa es parte de su encanto: se trata de una historia que reta al espectador.

   Uno de los aspectos más interesantes es justo el tiempo detenido. Cuando todo el conflicto se da en un atardecer, toda la serie transcurre en ese periodo con luz solar todavía en auge y numerosas sombras dada la inclinación del sol, todo ello ofreciendo un ambiente luminoso por momentos opresivo y hasta aterrador. Así, el anime provoca curiosas reacciones en el espectador, mismo que empieza a comentar lo extraño que es nunca ver la noche y que todos los conflictos ocurran en un ambiente de atardecer. De la misma forma, la simple idea de quedar atrapado en aquel mundo donde todo es estático y nunca anochece puede resultar de pesadilla para cualquier ser humano. Y peor aún: el hecho de observar a miles de personas estáticas en una ciudad que no oscurece y descubrir que uno estaría totalmente solo puede convertirse en una garantía para caer en la locura.

   En definitiva, si el espectador y lector es fan de los animes que hacen pensar, que exploran conceptos sobrenaturales y, asimismo, no temen disfrutar de historias un tanto extrañas, Kokkoku es una parada obligatoria. No es una serie para todos, especialmente para quienes buscan acción pura y sin complicaciones. En cambio, si al espectador le atraen los misterios, el suspenso y las historias con toques fantásticos y atmósferas inquietantes, definitivamente le debería dar una oportunidad. Se trata de una serie sin igual.

   

Devil May Cry (2007)

 

Quien escribe estas líneas no ha jugado el videojuego del mismo nombre que inspira esta serie de anime. No obstante, el tono adulto, oscuro y de acción atrae poderosamente al fanático joven y no tan joven al grado que esta serie merece una pequeña oportunidad pese a estar casi olvidada. Y antes de sentarme a disfrutar de la nueva serie de animación que viene directo de la plataforma Netflix, un buen vistazo a esta obra se presenta como un pequeño aperitivo para los grandes seguidores de los videojuegos originales. Pero entremos de lleno en esta serie y discutamos si vale realmente vale la pena.

   Lo primero que viene la mente es que se trata de una serie corta y episódica que puede ser del gusto de aquellos espectadores que vibran con la acción desenfrenada y el estilo gótico de la saga de videojuegos. De seguro ellos ya estarán al tanto y disfruten ahora de la reciente adaptación. Pero, ¿Qué pasa con la serie de anime de 2007? ¿Se trata de una joya olvidada o una mera introducción antes del plato principal?

   Producida por el renombrado estudio Madhouse, conocido por su impecable animación y adaptaciones fieles, la serie de Devil May Cry (2007) nos presenta una visión episódica de la vida de Dante, un legendario cazador de demonios mitad humano, mitad demonio. A lo largo de sus doce episodios, somos testigos de sus variopintas misiones, enfrentándose a hordas de criaturas infernales mientras mantiene su peculiar sentido del humor y su inconfundible estilo despreocupado.

   Quienes han jugado los videojuegos señalan que la serie captura la esencia de éstos, desde la estética gótica y la acción estilizada hasta la personalidad sarcástica y confiada de Dante. Así, los fans de la franquicia se sentirán como en casa. De la misma forma, siendo Madhouse el estudio detrás de la serie, la animación es fluida y detallada, especialmente en las secuencias de combate. Los diseños de los demonios y los efectos visuales son notables para su época.

   Además de Dante, la serie introduce personajes originales interesantes y recupera caras conocidas como Lady y Trish, aunque con roles quizás menos protagónicos que en los juegos. Por otra parte, la ambientación es consistentemente oscura y misteriosa, creando una atmósfera que complemente perfectamente el universo de Devil May Cry.

   Pero no todos es miel sobre hojuelas. Si bien cada episodio presenta una historia auto conclusiva, la falta de un arco argumental principal y evidente puede hacer que la serie se sienta un poco dispersa y menos inmersiva para algunos espectadores. En esta línea, el desarrollo de los personajes secundarios es escaso, lo que puede ahuyentar a más de un espectador. Y quizás uno de sus puntos menos interesantes es que algunos episodios pueden sentirse más lentos en comparación con la acción frenética que caracteriza a los videojuegos.

  En lo particular, el tono de la serie recuerda e incluso intenta emular a otras series  clásicas como Trigun o Hellsing: justo en éstas historias se presentan peleadores altos, elegantes y por momentos soberbios que a punta de pistola se enfrentan contra demonios, zombies o rufianes del viejo oeste. El estilo de las animaciones y las escenas de peleas son similares, mientras que el estilo episódico reluce frente al espectador y le señala que esto ya se ha visto antes.

   ¿Es necesario ver esta serie de anime antes de disfrutar de la nueva serie de Netflix? Para nada, dado que son productos y estilos completamente distintos. La nueva serie animada tiene su propio estilo y animación, con un alto grado de escenas de acción que dejarán satisfechos a todos los espectadores. Sin embargo, ver la serie que ahora comentamos puede proporcionar una comprensión más profunda del universo de Devil My Cry en caso de que el lector no haya jugado a los videojuegos. Asimismo, proporciona detalles extra  sobre la personalidad de Dante, la dinámica entre los cazadores de demonios y las fuerzas del infierno. Es una manera excelente de sumergirse en el lore y apreciar las diferentes interpretaciones de la franquicia.

   En resumen, la serie de anime de 2007 es una adaptación entretenida y visualmente atractiva que captura la esencia de los videojuegos. Si bien su estructura episódica puede no ser para todos, los fans de la saga apreciarán la fidelidad al material original y la calidad de la animación. Como fans del anime y los juegos de video, se recomienda darle una oportunidad si se quiere expandir el conocimiento del universo de la serie antes de visualizar y disfrutar de la serie animada de 2025, o simplemente para disfrutar de un anime de acción con toques sobrenaturales.

 

 

Otogi Zoshi

 

Hacía mucho que no me encontraba con una serie tan extraña, tan olvidada y que produjera sentimientos encontrados. Como una producción de la que casi nadie se acuerda por completo, su estilo es una muestra de cómo no deben escribirse ciertas historias y aún más: cómo no deben ser adaptados ciertos mangas a la pantalla chica. En este sentido, el presupuesto podría ir hacia mejores obras que aún no han tenido la oportunidad de salir al aire. Pero antes de seguir destripando la calidad de esta historia, lo ideal es entender por qué no funciona del todo.

   Otogi Zoshi juega de una manera un tanto extraña con dos arcos: uno ubicado en el Japón feudal y otro en nuestro presente (en este caso, a principios de los años 2000). La historia inicia transportándonos al periodo Heian, una era envuelta en misterio, leyendas y conflictos armados. Al inicio conocemos a Hikaru, una joven enviada por el Emperador para encontrar el legendario Kotokura, un objeto con el poder de restaurar la vitalidad de la capital nipona, misma que sufre en su conjunto de condiciones de pobreza y hambruna. A lo largo de su viaje, la protagonista se encuentra con una variedad de personajes, tanto humanos como sobrenaturales, y se ve envuelta en intrigas políticas y batallas épicas.

   Pero Hikaru no estará sola. En su camino la acompañarán Tsuna, un leal y poderoso guerrero samurái de gran fuerza y habilidad marcial. Raiko, el hermano mayor de la protagonista, se encuentra muy enfermo y trata de sobrevivir hasta que su hermana regrese. Junto con otros amigos que conocerá en su aventura,  la protagonista deberá enfrentarse a bandidos, señores feudales y otros personajes con sus propios intereses.

   El primer arco justo juega con el género de aventuras. Hikaru y sus amigos deberán recopilar diferentes fragmentos mágicos para así armar el Kotokura, salvar a su país y restablecer el orden. El pesimismo en la historia y las pocas concesiones al espectador ofrecen una historia inmersa en elementos históricos y mitológicos, sobresaliendo la importancia en la historia del yin y yang. Los giros de tuerca de la trama también buscan enganchar al espectador.

   El segundo arco resulta mucho más convencional. Todos los amigos han reencarnado y se han reencontrado en el Japón contemporáneo donde cada uno vive una vida sencilla y cotidiana. No obstante, extraños fenómenos sobrenaturales comenzarán a azotar la ciudad de Tokio y Hikaru, de nueva cuenta, deberá hacer frente al caos para así restaurar el orden y salvar a sus amigos.  

   La animación no ha resistido el paso del tiempo y se muestra limitada y desgastada. Production I. G. se muestra poco inspirado al mostrar que en el momento del estreno de la serie (2005) de seguro los animadores más experimentados se encontraban trabajando en proyectos más grandes y atractivos. Sin embargo, las escenas de batalla son correctas, mientras que la banda sonora, especialmente en su segundo arco, fluye mucho mejor pese a que la historia es mucho más atractiva en su primer arco. Todo esto lleva en general a una serie que si bien hace muchos guiños a la historia de Japón, su trama se presenta poco inspirada y sin momentos cautivantes que permanezcan tiempo después en la mente del espectador.

   En definitiva, una historia argumentalmente compleja pero cuya ejecución y ritmo no están a la altura. Aún así, su ambientación histórica y mitológica la llevan a convertirse en una serie que busca ir más allá de las fórmulas convencionales. Pese a sus numerosos problemas, se trata de una historia de interés para los amantes del seinen y del anime retro con una historia fantástica y de tono épico que busca despegar frente a los ojos del espectador. 

Lonely castle in the mirror

Keiichi Hara es uno de esos directores de anime de rango medio: su fama no es tan desmedida como la de Hayao Miyazaki, Makoto Shinkai o Mamoru Hosoda. Como creador y director, frecuentemente ofrece historias interesantes que incluso tratan temas sociales, aunque el desarrollo de las mismas no siempre es el mejor y muchas se sus tramas se quedan a medias. Cintas como El verano de Coo, Colorful, Miss Hokusai o The Wonderland se presentan como ejemplos de una carrera interesante pero que no ha logrado lanzar a su director a la fama absoluta a lado de los directores ya señalados. Para el caso que nos ocupa, Lonely Castle in the mirror (2022), se presenta como un ejemplo más de esta carrera cinematográfica que se ha quedado un tanto a medias.

   Basada en la novela superventas de Mizuki Tsujimura, la historia nos presenta a Kokoro, una joven que ha dejado de asistir a la escuela debido al acoso de sus compañeras. Muy pronto, la protagonista encuentra en un espejo un portal hacia un castillo solitario en medio del mar que se convertirá en un refugio inesperado. Junto a seis adolescentes con dificultades similares, mismos que son convocados por la Señora Loba, deberá encontrar una llave oculta y así cumplir cualquier deseo que tengan. A medida que exploran las habitaciones laberínticas del castillo y se conocen entre sí, descubriremos que cada joven y jovencita cargan con sus propias penas y secretos. En esta línea, la película explora temas de interés social como el acoso escolar, la salud mental adolescente, la amistad y la superación personal.

   La animación de A-1 Pictures es excelente, dado que ofrece paisajes oníricos y personajes expresivos que transmiten bien sus emociones. La banda sonora, delicada y evocadora, aunque a veces demasiado ruidosa, complementa la atmósfera melancólica y esperanzadora de la historia. En este sentido, no estamos solo ante una cinta con elementos de fantasía, sino en un drama adolescente y un slice of life conmovedor que resuena con las experiencias universales de la inseguridad, el aislamiento y la búsqueda de un lugar al que pertenecer. Así, la película nos invita a reflexionar sobre la importancia de la empatía y la conexión humana.

   Pese a los puntos señalados, la historia presenta una serie de problemáticas que le restan fuerza a la trama. Por una parte, el inicio de la historia resulta un poco torpe y la trama divaga bastante entre explicar al espectador el conflicto central y construir una temática fantástica que resulta al final muy secundaria y poco explorada. Si bien el tema del acoso escolar resulta el mayor logro de la cinta, sus lentos giros y sorpresas tardan demasiado en llegar y son sumamente previsibles. Por otra parte, quienes han leído la novela original señalan que esta adaptación resulta torpe, pobre y falta de inspiración, dado que omite muchos momentos cruciales para los personajes.

   Personalmente, uno de los aspectos más fallidos de la película es su banda sonora. Si bien ésta es orquestal y muy elegante, en realidad no embona con la historia que se está contando, siendo necesario que se utilizase una música mucho más sutil y calmada para acompañar a las emociones de los personajes. En algún momento cercano al final, la orquesta es demasiado estruendosa para un drama adolescente, tratando de reafirmar las emociones del espectador de una manera un tanto tramposa. Así, la falta de sutileza en el desarrollo de personajes se busca suplir con un exceso de sonidos sinfónicos.

   En definitiva, una historia agradable con comentario social y personajes interesantes que harán agradable la tarde de cualquier espectador. No obstante, conforme avanza la historia, la cinta se complica la existencia tratando de mantener una historia coherente empleando algunas trampas para mantener la atención del espectador.

 

 

Devil’s line

 

Entramos de nueva cuenta a las historias de vampiros en territorios urbanos, vampiros jóvenes. Pero en esta ocasión estamos ante una historia que se sale de los clichés de las más famosas historias sobre el tema: amores tóxicos, codependencia y un sinfín de elementos que nos ofrecen ideas equivocadas sobre el amor romántico. Y para explorar el asunto en un tono mucho más realista y reflexivo, Devil’s line (2018) aparece como una sorpresa un tanto ignorada pero cuya trama resulta atractiva.

   La serie nos ubica en un Tokyo moderno donde los vampiros, llamados “demonios”, viven en secreto entre los seres humanos. La historia sigue a Anzai, un mestizo mitad demonio y mitad humano que es un tanto estoico y que trabaja como miembro de una fuerza policial especial que se encarga de crímenes relacionados con demonios. Asimismo, también conocemos a Tsukasa Taira, una estudiante universitaria un tanto inocente que se ve envuelta en un peligroso incidente.

   Lo que comienza como un encuentro casual rápidamente se convierte en una conexión intensa y prohibida. Devil’s line explora la complejidad de su relación, marcada por la sed de sangre de Anzai y el miedo y la creciente atracción de Tsukasa. La tensión entre sus diferentes naturalezas crea un drama fascinante y lleno de suspenso.

   Muchísimos de los animes contemporáneos siempre ofrecen algunos alivios cómicos en los que accidentes con referencias sexuales incomodan a menudo a los protagonistas. A su vez, las series se presentan un tanto mojigatas al mostrar personajes que nunca muestran una mucho más realista tensión sexual. En este sentido, la serie que ahora comentamos se presenta mucho más adulta mostrando protagonistas que no solo se quieren y atraen, sino que como todos nosotros, desean tener sexo con las personas que les gustan. Así, algunas escenas están subidas de tono pero se presentan como más realistas.

   Temas como la segregación social y la xenofobia están puestos a la orden del día. Los demonios tratan de vivir vidas normales pero sus condiciones se convierten en maldiciones que los obligan a matar a otros y poder alimentarse. En esta línea, la sociedad japonesa los persigue y aniquila, exigiendo al gobierno su retiro inmediato. Pese a que algunos grupos buscan reformas para comprender y apoyar a los demonios, la serie muestra que las sociedades modernas les asusta el cambio y antes de comprender al otro prefieren eliminarlo.

   Como fantasía oscura e historia de romance, Devil’s line juega bien sus cartas al mostrar la química y la tensión sexual entre Anzai y Tsukasa, mostrando cómo su relación está llena de obstáculos. La mezcla de lo romántico con elementos oscuros y sobrenaturales es un factor clave en la serie: en esta relación veremos cómo los humanos pueden ser más despiadados que los propios demonios y cómo estos últimos solo buscan una vida normal. Por otra parte, los personajes son complejos y fascinantes. Anzai lucha constantemente contra su lado demoníaco, lo que lo convierte en un protagonista atormentado que lucha contra su baja autoestima. En cambio, Tsukasa evoluciona a lo largo de la historia mostrando valentía y determinación. Los personajes secundarios también están bien desarrollados y aportan profundidad a la trama.

   Pero la serie no se centra únicamente en el romance. Los casos criminales relacionados con demonios y las conspiraciones dentro de la sociedad añaden una dosis constante de acción y misterio. Si bien la trama juega bien con los elementos del thirller, el final de la historia resulta precipitado y poco inspirado, con un falso final agridulce que a la larga resulta mucho más esperanzador que deja demasiados cabos sueltos y algunos personajes desaprovechados. Así, se nota a leguas que la historia se hubiese desenvuelto mejor si se hubieran producido dos temporadas en un lugar de solo una.

   En definitiva, un anime que combina con éxito romance oscuro con acción sobrenatural y suspenso. Para quienes disfrutamos de historias con personajes complejos, relaciones prohibidas y toques de misterio, esta serie funciona muy bien en gran parte de su relato.

 

 

 

 

Junji Ito Collection

 

Llevaba años queriendo explorar la obra de Junji Ito, el gran maestro del terror japonés. Como no leo manga, poco a poco he descubierto algunas de sus adaptaciones al anime o el live action, aunque, a decir verdad, no han sido del todo exitosas. Incluso la reciente miniserie de Uzumaki se vislumbraba como la gran adaptación del autor que todos estaban esperando, pero como ya conocerán historia, solo el primer episodio valió la pena y nos envolvió en la atmósfera opresiva del imaginario de Junji Ito, mientras que el resto de episodios apenas y fueron entretenidos. Y luego de pensarlo mucho, por fin me he animado a disfrutar la serie de 2018 que lleva por título Junji Ito Collection.

   Este anime es una adaptación que recoge algunas de las historias más icónicas del maestro del terror y horror japoneses. Como serie antológica que incluye dos historias por episodio, la producción busca sumergirnos en mundos de pesadilla donde lo grotesco y lo inexplicable se entrelazan tratando de crear una experiencia verdaderamente aterradora. Hay mucho del folclore japonés y formas diferentes de contar historias de terror comparado con el mundo anglosajón. Todo ello ofrece una experiencia interesante para quienes no conocemos las obras originales del autor.

   Pero justo mi experiencia fue sumamente irregular. Sin haber leído los mangas, se nota a primera vista que las historias están un tanto suavizadas en su planteamiento aterrador, faltándoles mucha más contundencia en sus desenlaces. Las tramas son interesantes y la idea de que los personajes están atrapados en pesadillas de las que nunca podrán salir resulta un aspecto sumamente atractivo. Pero los remates de las historias resultan edulcorados y solo el acercamiento al manga permitirá disfrutar por completo cada una de las historias de terror. Asimismo, la animación resulta pobre: si bien estamos con dibujos que recuerdan más al ciudadano japonés promedio, la falta de fluidez se presenta tosca y torpe, restando impacto en las historias.

   A pesar de ello, como fan del terror psicológico he encontrado una serie entretenida y con multitud de ideas e historias independientes, aspecto que permite disfrutar una gran variedad de tramas que Junji Ito tiene para ofrecer. Desde maldiciones que se transmiten a través de fotografías hasta universos paralelos, cada relato tiene su atractivo para explorar la mente del maestro.

   El diseño de personajes resulta hasta cierto punto fiel a los mangas del autor y ofrece en ocasiones atmósferas opresivas e inquietantes que buscan que no nos despeguemos de la pantalla. Aún así, en una búsqueda en la red para conocer la opinión de críticos del anime descubrí muchas reseñas negativas sobre la serie: un punto central es que ésta no logra transmitir completamente el nivel de detalle y el toque visceral de los mangas.

   ¿Entonces vale la pena? Para los más puristas del autor los mangas originales siempre serán la mejor opción para disfrutar la obra del maestro del horror. Pero para quienes somos mucho más entusiastas del anime, la serie ofrece interesantes detalles de la perturbadora imaginación de Junji Ito. Cada episodio ofrece una experiencia única y pese al carácter irregular de la serie, el tono de horror cósmico y el horror corporal más repulsivo resultan sumamente atractivos para el espectador.

  En definitiva, una experiencia imprescindible para los amantes del terror japonés que buscan algo más que sustos. Si bien las historias se sienten suavizadas y la animación no está del todo lograda, esta antología invita a explorar los rincones más oscuros de la mente humana y busca dejarnos con una sensación de inquietud que perdure luego de su visionado.

 

Yona of the dawn

 

¿Qué es un anime infravalorado? La respuesta se encamina en una simple y contundente respuesta: cualquier película o serie de calidad que vale la pena vislumbrar, pero que fue ignorada en su momento debido al marketing y la popularidad de otros animes. Puede que muchas series sumamente populares no merezcan del todo la atención extrema, pero para la serie que ahora comentamos, resulta agradable el hecho de descubrirla en pleno 2025 y disfrutar de una buena historia de alta fantasía.

   Yona of the dawn (Akatsuki no yona) es una anime con guiños a la cozy fantasy que busca atraparnos desde el primer episodio, llevándonos por un viaje lleno de emociones y aventuras. La historia sigue a Yona, una princesa del reino de Kouka que, tras una traición devastadora, se ve obligada a huir lejos de su hogar. Acompañada por su fiel guardaespaldas Hak, Yona emprende un viaje para encontrar a los legendarios dragones guerreros, quienes le ayudarán a recuperar su reino y proteger a su gente.

   Los personajes principales son de lo más destacado de la serie. A lo largo de su aventura, Yona evoluciona constantemente: de ser una princesa inocente y dependiente de su padre pacifista, se convierte en una líder fuerte y valiente. Su determinación para aprender a proteger a quienes quiere es de lo más encantador de ella. En cambio, Hak, conocido como el Trueno de Kouta, es un guerrero excepcional y un amigo leal. Su sarcasmo y su dedicación a Yona lo convierten en un personaje entrañable que participa por momentos de la comedia romántica.

   Los dragones guerreros poseen habilidades únicas y personalidades distintas, lo que añade profundidad y diversidad a la historia. Sus historias individuales y su conexión con Yona son elementos clave para la trama. Asimismo, resulta curioso cómo los dragones han reencarnado en diferentes ciudades y cómo son tratados por la población: algunos se verán como héroes hartos de la espera por utilizar sus poderes, mientras otros se resistirán a salir de viaje.

   La trama resulta atrapante y busca mantenernos en vilo con sus momentos de acción, intriga política y drama. Además, la serie tiene un buen equilibrio entre los momentos más serios y aquellos más cómicos. La historia prácticamente se centra en el exilio de Yona, la búsqueda de los cuatro dragones y algunas cuantas intrigas políticas por parte del emperador que usurpó el trono. En esta línea, la serie termina en una especie de continuará que hasta la fecha no ha llegado (más de 11 años), por lo que es necesario revisar el manga para concluir la historia.

   La banda sonora y la animación son de alta calidad, ofreciendo un buen trabajo al adaptar el manga original de Mizuho Kusanagi. La animación es fluida y detallada, aunque por momentos se le notan ciertas limitaciones en la producción. Asimismo, el opening instrumental es épico y emotivo, transportándonos a un mundo que mezcla la antigua Corea con la China milenaria.

   En definitiva, un anime imprescindible para los amantes de la aventura, la fantasía y los personajes memorables. Si bien su historia es inconclusa, su trama nos sumergirá en un mundo mágico lleno de peligros, emociones y grandes momentos. Vale la pena recuperarla para los tiempos que corren.

Los diarios de la boticaria

Los diarios de la boticaria (Kusuriya no Hitorigoto) ha irrumpido en los últimos tiempos como una serie que ha capturado la atención de fans y críticos por igual. Con una mezcla especial de misterio, drama de época y una protagonista sumamente interesante, esta historia se ha ganado un lugar especial en el corazón de los amantes del anime. Si aun no te has atrevido a verla y encontrarte con su trama, aquí te cuento algunos detalles que la convierten una serie muy especial.

   La historia sigue a Maomao, una joven boticaria con un ingenio agudo y una pasión por los venenos y las medicinas. Vendida como sirvienta al palacio imperial, al principio no quiere que se conozcan sus habilidades, pero en breve se ganará la atención de consortes y cortesanos al utilizar su conocimientos y dotes detectivescos para resolver misterios y curar enfermedades, ganándose el respeto de quienes la rodean. La ambientación en la corte imperial de una versión ficticia de la China milenaria está meticulosamente detallada, sumergiendo al espectador en un mundo de intrigas palaciegas y secretos de estado.

   Los personajes principales llaman poderosamente la atención. Maomao es inteligente, observadora y con una mente analítica, desafiando estereotipos y convirtiéndose en el corazón de la serie. Jinshi, por su parte, es un eunuco de alto rango en la corte, un joven sumamente apuesto que se convierte en un personaje complejo y enigmático que desarrolla una relación intrigante con Maomao.

   Los diarios de la Boticaria (también conocida como los diarios de la apotecaria) destaca por su narrativa inteligente y su ritmo cautivador. Los misterios, como en todo relato detectivesco clásico, se resuelven con lógica y detalle, y el desarrollo de los personajes es logrado y satisfactorio. La animación y la banda sonora se complementan perfectamente en una atmósfera antigua pero encantadora, creando una experiencia inmersiva en un relato que se engloba sin ninguna duda en el subgénero del cozy crime.

   Pero la historia también tiene un toque melodramático en el que se busca comprender qué fue de los padres de Maomao. Asimismo, la posible relación romántica entre Jinshi y Maomao ofrece situaciones cómicas muy ajustadas, efectivas y tiernas, evitándo caer en un humor fácil y metido con calzador. Jinshi trae a todas las mujeres de la corte locas por él, más le llama la atención como Maomao lo rechaza constantemente pese a que esta última acepta que es muy apuesto. Así, los juegos de comedia romántica entre los dos protagonistas están bien servidos y conforman uno de los grandes atractivos de la serie.

   Como drama de época, la producción es una meticulosa recreación de la cultura y las costumbres de la antigua China. Desde la vestimenta y la etiqueta de la corte hasta las prácticas médicas y la jerarquía social, cada detalle está cuidadosamente elaborado. La serie no solo entretiene, sino que incluso ofrece algunos aspectos educativos, ofreciendo una visión rica y auténtica de una época pasada. En este sentido, la serie de anime que ahora comentamos también se vislumbra como una historia que confronta al reciente boom del anime chino (Donghua).

   En resumen, los diarios de la boticaria es un anime que ningún fan se puede perder. Con su combinación de misterio, drama y personajes carismáticos, esta serie se ha convertido en un referente del género. Si buscas una historia inteligente y cautivadora, esta historia te encantará al presentarse como una de las mejores series de anime de los últimos años.

 

 

Super Cub

 

El anime es tan vasto en géneros, estilo e ideas al grado de que el espectador nunca podrá darse abasto. Recién me entero que existe el estilo o la temática Iyashikei, misma que ofrece historias de la vida cotidiana sencillas, nostálgicas y sin grandes conflictos: sólo el paso diario de la vida como escenario para las reflexiones personales. Y justo una reciente muestra de dicho estilo es la serie estrenada en 2021 que ahora comentamos.

   Super cub es un anime que buscar recordarle al espectador la belleza de las pequeñas cosas. Con una animación suave y una banda sonora que evoca nostalgia, esta serie nos lleva a la vida de Koguma, una estudiante de secundaria muy solitaria y depresiva que encuentra en una moto Honda Super Cub un nuevo sentido a su existencia.

   Koguma es una chica solitaria que vive en Yamanashi. Vive sola y no tiene amigos, hermanos ni padres y todo el tiempo se pregunta para qué vale su vida. Pero como acabamos de mencionar, el transporte en la moto que acaba de conseguir a precio de ganga la lleva a conocer nuevas personas con intereses similares. Cada episodio es un viaje tranquilo y contemplativo,  donde la protagonista aprende a disfrutar de la conducción y a superar su soledad. La llegada de Reiko, otra estudiante con su propia Super Cub, marca el inicio de una amistad que cambiará sus vidas.

   Estamos ante un slice of life (historias de la vida) en su máxima expresión frente a un anime relajante que nos invita a desconectarnos del estrés diario. El paseo por las pequeñas ciudades, así como el gran viaje que la protagonista decide emprender por las carreteras del país para alcanzar a sus compañeros que están de excursión en Kamakura, nos lleva por uno de los viajes más apasionantes y a la vez más relajados que hayamos podido ver en cualquier anime.

   La animación y la banda sonora sobresalen por la calidad audiovisual, creando una atmósfera cálida y envolvente. Al mismo tiempo, Koguma fascina al espectador al mostrarnos una transformación personal sutil pero significativa a lo largo de la serie. Incluso la moto Honda Super Cub representa muchas cosas para la protagonista: la libertad, la independencia y la conexión con el mundo.

   En definitiva, Super cub es un anime que busca ofrecer una sensación de paz y bienestar en el espectador. Para todo aquel o aquella que busque apreciar los pequeños detalles de la vida, esta es una excelente opción para disfrutar uno de los viajes más fascinantes y pacíficos de la animación japonesa contemporánea. 

Under Ninja

 

Hacía mucho que no reía a carcajadas con una serie de Anime. Y es que Under Ninja es una historia con propuesta original que si bien no logrará atraer a todo público, si ofrece una historia poco común con un humor aún menos común que hará de las delicias de todos aquellos fanáticos que ya están hartos de la saturación se shonen o Isekais de cada temporada.

   Creada por el aclamado mangaka Kengo Hanazawa, conocido por obras como I am a Hero, la serie que ahora comentamos nos sumerge en un Japón moderno donde los ninjas aún existen pero operan en secreto. La historia sigue a Kuro Kumogakure, un ninja de bajo rango que, tras años de inactividad, recibe una nueva misión. A partir de ahí veremos una montaña rusa de acción trepidante, humor negro y situaciones absurdas.

   La serie combina de una manera curiosa la figura de los ninjas, la tecnología moderna y un humor irreverente. Las escenas de acción y combate están bien coreografiadas y llaman poderosamente la atención. Asimismo, la historia juega todo el tiempo con el suspenso, con los giros inesperados y con varios misterios por resolver.

   La historia juega con los tiempos narrativos de una forma despiadada para llevarnos a viajes muy veloces por el pasado y el presente. Del mismo modo, la historia muestra personajes despreciables e incluso asquerosos, manteniendo un tono gamberro y sin vergüenza a lo largo de toda su historia. Por otra parte, los chistes se alejan del tono de comedia de situaciones y pastelazos que mucho del anime contemporáneo utiliza, todo ello para llevarnos por un humor subido de tono en el que la historia se burla del ciudadano promedio japonés.

   Como decíamos más arriba, la historia puede que aleje al fanático del anime acostumbrado a ver solo los shonen de temporada, pero en un vistazo más detallado, su propuesta se dirige a un público tanto joven como adulto que busca ideas frescas. Así, la historia apunta al espectador que está cansado de las mismas historias y clichés de cada temporada, ofreciendo un espectáculo sucio pero sumamente curioso.

   En definitiva, Under Ninja es una serie de anime poco común dirigida a un público que le apasione la acción, el humor negro y tramas intrigantes. Con una buena animación, personajes risibles pero interesantes y una historia original, esta serie ofrece todos los ingredientes para convertirse en una historia de culto.